Cinema e Missili

The missing gun / 寻枪 ( Lu Chuan / 陆川 , 2002 )

2012-03-12T21:28:00.002+01:00

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La pistola e il destino di un uomo

L'opera prima di Lu Chuan, primo film interamente girato in digitale in Cina, non vive solo sulla straordinaria interpretazione di Jiang Wen, sa offrire anche spunti di riflessione su una provincia cinese nella quale si consuma, tra toni da commedia brillante e dramma , la storia di una pistola sparita.

Ma Shan, poliziotto ex veterano di guerra in una tranquilla cittadina del Sichuan, si accorge di avere smarrito la sua pistola: seguendolo a ritroso in un frenetico inizio dal montaggio quasi videoclippato, si convince che l'arma si sia persa al matrimonio della sorella, dove naturalmente lui si è ubriacato.

Pressato ed intimidito dai superiori ("ricorda quella pistola contiene 3 proiettili ed un killer esperto può uccidere sei persone", è il ritornello che si ripete svariate volte), Ma Shan si mette alla caccia della pistola, aiutato da due suoi compari ex commilitoni che si improvvisano improbabili detective.

Naturalmente il killer colpisce e a farne le spese è una ex amante di Ma Shan, ritornata in paese dopo essere migrata in città.

Sulle tracce dell'arma Ma Shan scoprirà qualche losco giro, ed escogiterà uno stratagemma, che da bravo poliziotto quale si reputa ("so leggere negli occhi delle persone"), portarà alla soluzione del caso dietro il quale si nasconde risentimento e rancore nascosto nei vicoli della città, in un finale bello, ambiguo , dove realtà e allucinazione si fondono in una risata liberatoria.

Ad una prima parte in cui è ricca la componente quasi onirica, segue un secondo frammento che si dipana sul filo del thriller con toni che oscillano sempre tra il dramma e la commedia e la figura del poliziotto alla spasmodica ricerca della pistola che può ridargli l'onore e il lavoro cela una metafora sia sulla ricerca personale che sulla condizione sociale di una classe sociale provinciale a cavallo tra le tradizioni e la modernità.

Ma quello che fa di The missing gun un lavoro bello e godibilissimo è la ricca carrellata di personaggi, alcuni quasi surreali che popolano la storia: in tal senso le figure dei due amici di Ma Shan sono azzeccatissime, quella del trafficante di liquori contraffatti non è da meno con il suo cinismo e la sua cialtroneria, il capo della polizia granitico nella sua severità è quasi una parodia di certi sergenti di ferro che affollano gli schermi di tutto il mondo; tutti personaggi che regalano uno spaccato di una tranquilla e apparentemente sonnolenta provincia in cui il Ma Shan è alla ricerca di una adeguatezza che gli manca come padre e come marito.

Alcuni momenti del film sono addirittura geniali; Ma Shan che esce in mutande e canottiera dalla sede della polizia dopo che è stato privato della divisa, l'inseguimento in bicicletta al ladruncolo, il trafficante di liquori sospettato dai due compari del poliziotto sottoposto ad un esilarante interrogatorio sulla pista della battaglia tra galli ed anche il citato finale, intriso di drammaticità, regala più di un sorriso.

E' proprio quel tono quasi scanzonato e lieve che si alterna al dramma umano che fa della pellicola un lavoro degno di essere visto e che lascia un sorriso forse amaro.

Hindsight ( Lee Hyun-seung , 2011 )

2012-03-09T17:22:00.004+01:00

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La killer e il boss

Sottotitolo al film potrebbe tranquillamente essere : " come rovinare con tre scellerati ultimi minuti una pellicola che complessivamente avrebbe potuto essere più che discreta".

E non si tratta solo di una valutazione su un finale assolutamente incoerente, è la constatazione di come sia possibile utilizzare un registro narrativo totalmente assente per tutto il film per portare al termine una storia che si svolge su tutti altri binari.

Questo perchè la storia raccontata, seppur priva di originalità, qualche bel momento lo regala aleggiando su atmosfere da thriller giocato su ambientazioni gangsteristiche.

Doo-hun è un boss avviato sul volontario viale del tramonto, attratto più dalla cucina e dal progetto di aprire un ristorante, Se-bin è una giovanissima killer per necessità, un tempo grande promessa del tiro costretta, dopo varie vicissitudini, a prestare la sua opera alla malavita e a cui viene commissionato l'omicidio proprio di Doo-hun.

I due si conoscono "casualmente" ad un corso di cucina mettendo subito a confronto, tra tegami e ricette, le loro solitudini e la loro esistenza legata mani e piedi ad ambienti da cui vorrebbero fuggire.

Quando l'ex boss di Doon-hun muore assassinato, la guerra che si scatena per il controllo delle bande fa ricadere obtorto collo l'uomo nell'ambiente malavitoso dal quale avrebbe voluto fuggire.

Il vecchio e abusato ma sempre valido topos cinematografico del rapporto vittima-carnefice anche in Hindsight si sviluppa fino alle estreme conseguenze: la killer che dovrebbe uccidere l'obiettivo mescola il lavoro coi sentimenti, l'uomo sa ma vuole credere che non accadrà, gli eventi si sovrappongono, la guerra tra bande va avanti e la resa dei conti avviene in quello che avrebbe potuto essere un finale anche valido in mezzo alle saline.

Poi quel deleterio finale appiccicato con una colla di dozzinale qualità che sembra uscito dalle peggiori commediole americane con tanto di baci, abbracci, sole, mare e capanni in riva alla spiaggia, un deus ex-machina assolutamente indesiderato che toglie solo senza regalare nulla alla storia.

Se certe ambientazioni da noir appaiono abbastanza ben costruite, così come i due personaggi principali e qualcuno di contorno (la spietata boss, il fido braccio destro sfregiato), il film nel suo complesso zoppica spesso, perdendo per strada il ritmo e il filo del discorso; nonostante ciò , grazie anche ad una regia che fa dell'eleganza di alcune atmosfere il cardine principale, tutto sommato il film si lascia vedere, soprattutto quando va a scrutare lo strano rapporto che si crea tra killer ed obiettivo.

Song Kang-ho , come sempre bravo, ci mette molto del suo nel tratteggiare bene i contorni di Doon-hun, mentre Shin Se-kyung sfrutta molto bene la sua apprezzabile avvenenza senza però dare troppa sostanza alla figura della giovane killer racchiusa nella sua gabbia.

Taipei exchanges / 第36个故事 ( Hsiao Ya-chuan / 萧雅全 , 2010 )

2012-03-07T12:45:00.002+01:00

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Il baratto a Taipei

L'opera seconda del regista taiwanese Hsiao Ya-chuan, collaboratore del grande Hou Hsiao-hsien, qui in veste di nume tutelare sotto forma di produttore, è uno dei lavori che maggiormente rappresentano il cinema dell'isola stato degli ultimi anni, quasi un paradigma formale , oltre che sostanziale.

Lavoro etereo, semplice, quasi minimalista, dal grande impatto stilistico , sotto la cui coltre pulsano sentimenti , sogni ed aspettative.

La storia, semplice come detto, narra di due sorelle, molto diverse tra loro, sognatrice e scapigliata una, razionale e pragmatica l'altra, che coronano il loro sogno di aprire un caffè, nel quale Doris la più grande, può dare libero sfogo alla sua fantasia a base di cioccolate, caffè e dolci, e l'altra , Joise, invece progetta le sue stravaganti tattiche commerciali: il locale infatti, ben presto , diventa un luogo di incontro nel quale l'avventore può trovare oggetti di varia natura che può prendere scambiandoli con altri.

Il Doris Caffè diventa quindi un crocevia di personaggi e di storie personali dove ricorrendo all'antica arte del baratto si confrontano esperienze e storie di vita.

Questo strambo meccanismo porterà nel finale ad un ribaltamento di ruoli, apoteosi dello scambio di personalità , tra le due sorelle: Doris sogna di intraprendere il giro del mondo, stimolata dalle storie raccontate da un avventore che porta nel locale 36 saponette che vengono ognuna da un luogo diverso del mondo, e Joise invece si trasforma sempre più in una imprenditrice che pensa a racimolare denaro per comprarsi una macchina.

Giocato quasi tutto su un unico ambiente interno, calato in una Taipei luminosa e cosmopolita, il film colpisce anzitutto per la sua scelta di eleganza e di pacatezza dei toni, che a ben vedere sono allo stesso tempo l'aspetto che più risalta e che più limita la pellicola: spesso infatti si privilegia un formalismo quasi accademico sostenuto da una regia indubbiamente valida alla narrazione dei sentimenti e delle emozioni che rimangono colpevolmente un po' troppo distanti e nascoste.

Il concetto di base del film, il baratto inteso come scambio di esperienze e di aspirazioni che conduce ad una simbiosi tra le persone, quasi come ultima ancora di fronte alla crescente incomunicabilità, indubbiamente è originale e affascinante; dove però il regista sembra peccare è nell'andare a scavare maggiormente nell'aspetto emozionale, facendo oltretutto ricorso in maniera a tratti fastidiosa ad un accompagnamento musicale , tra l'altro neppure troppo aprezzabile.

Pur nei suoi limiti che derivano da un eccesso di leggerezza, Taipei Exchanges è comunque un buon film, tipico esempio, come dicevamo, di una cinematografia che fa dei racconti semplici venati di soavità e di sentimento il suo punto di forza.

Molto buona la prova delle due protagoniste, due tra le attrici taiwanesi più apprezzate che abbiamo già ammirato in alcuni recenti lavori: Kwai Lun-mei ( la predona tartara di Flying swords of Dragon Gate di Tsui Hark) e Lin Zaizai ( Jump! Ashin).

Black snow / 本命年 ( Xie Fei / 谢飞 , 1990 )

2012-03-04T13:32:00.003+01:00

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Storia di solitudine e di disagio in una Pechino livida

Aggiudicandosi l'Orso d'argento al Festival di Berlino nel 1990, Xie Fei ottenne anche all'estero numerosi attestati di stima , confermati ulteriormente tre anni dopo quando vinse l'Orso d'Oro e nel 2001, sempre a Berlino, dove fu Presidente della giuria, primo cinese nella storia.

L'attività cinematografica di questo regista poco prolifico assume una grande importanza dal momento che riesce a coniugare nei suoi lavori tradizione e progresso, attraverso uno sguardo molto attento alla realtà , con influssi neorealisti.

Black Snow, il film che lo fece conoscere in Occidente, è una storia di solitudine e di disagio sociale, all'ombra di quegli sconquassi inziali che iniziavano a mettersi in moto a cavallo dei fatti di Piazza Tienanmen e che avrebbero cambiato la Cina in un vorticoso e breve lasso di tempo.

Quanzi esce di galera dopo tre anni e si ritrova in una Pechino glaciale, ingrigita, racchiusa in se stessa, solo, senza famiglia nella sua casa in disuso nel vicolo in cui aveva sempre vissuto.

Solo la vecchia vicina di casa, che lo aveva visto crescere insieme con la figlia, sembra provare per il ragazzo un impulso di protezione.

I vecchi amici sono in galera anch'essi, in particolare Chazi, amico d'infanzia , condannato all'ergastolo e ai lavori forzati che ha gettato nel dramma e nella vergogna la sua famiglia.

Per Quanzi non rimane altro che sopravvivere con mezzi più o meno leciti; unico raggio di luce molto soffusa è una cantante che si esibisce in un night e per la quale il ragazzo sembra provare un sentimento di affetto non ricambiato da lei che non vuole credere al suo passato turbolento e che aspira ad un benessere costruito su night fumosi , clienti facoltosi ed un mondo nuovo da conoscere.

Quanzi ha ben chiaro il senso dell'amicizia e quando l'amico ergastolono si presenta alla sua porta, fuggito e ricercato, gli darà asilo convinto però che la sua fuga non ha possibilità di salvezza.

Il finale, triste e drammatico, ci regala un epilogo buissimo, un vicolo senza uscita imboccato senza possibilità di uscirne.

Indubbiamente non è difficile rintracciare in Black Snow tematiche e ambientazioni che saranno proprie dei cineasti della Sesta Generazione: aspetti sociali, dove però Xie Fei tiene fuori apologie politiche e metafore troppo spinte, racconto della realtà nuda e cruda, senso di disagio e di solitudine, incapacità di adeguarsi ad una nuova forma di vita, impossibilità a confrontarsi con un nuovo modello, rimanendo legati a quello vecchio e alle tradizioni.

Il regista sceglie volutamente ambientazioni buie, fumose, pervase di abbandono , quando non di squallore, per accentuare il grido di dolore del protagonista, grido che rimane sempre strozzato in gola e che da esito solo a qualche fugace lacrima.

Il film colpisce nel modo giusto anche perchè la descrizione e la costruzione del personaggio principale è ottimamente messa in piedi: Quanzi è un piccolo eroe della solitudine e dell'emarginazione che vede sfuggirgli di mano tutto e l'interpretazione di un giovane Jiang Wen, reduce tre anni prima dal clamoroso esordio con Zhang Yimou in Sorgo Rosso, dona ancora più forza e profondità al personaggio.

Un particolare ringraziamento va agli encomiabili amici di SubSoup per avere messo a disposizione i sub di questo lavoro.

Dear enemy / 亲密敌人 ( Xu Jinglei / 徐静蕾, 2011 )

2012-02-28T15:15:00.002+01:00

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I cari nemici si ritrovano

La scalata di Xu Jinglei prosegue: oltre che attrice protagonista e regista, in questo lavoro scrive anche la sceneggiatura, avviandosi al ruolo di self made woman che nella cinematografia cinese è molto poco rappresentato.

Dear enemy è una commedia romantica calata nell'ambiente finanziario di Hong Kong, in cui la regista da sfoggio di una eleganza ricercatissima nella cura delle ambientazioni glamour che circondano il mondo affaristico.

Derek e Amy, fidanzati fino ad un anno prima, occupano ora ruoli di prestigio all'interno di due banche di investimento avversarie, che si danno battaglia per il mercato dell'estrazione del litio in Australia.

Quando si ritroveranno faccia a faccia su barricate diverse capiranno subito che il passato non potrà non influenzare il loro lavoro e i frequenti balzi temporali indietro ci aiuteranno a capire il loro passato recente.

Anche Amy, che ruppe la loro relazione perchè Derek era troppo preso dal lavoro, è una donna in carriera , ambiziosa, che vede nel suo ex fidanzato un avversario da asfaltare e sul quale prendersi una sonora rivincita personale.

Tra intrighi, trasvolate oceaniche, imbrogli, sotterfugi,guerra di spioni e trame disegnate e poi sconvolte in un attimo, la loro vita professionale non da possibilità a quella personale di riaffacciarsi, almeno fino a quando non si ritroveranno di nuovo in Cina, presso la casa del padre di lei che festeggia i suoi 60 anni e che ignora la loro rottura.

Tutto risolto? Neanche a dirlo, perchè l'avvicinamento non può non concretizzarsi se non attraverso una pax lavorativa che arriva con l'alleanza strategica dei due gruppi finanziari per opporsi ad un terzo colosso del settore.

Finale in degno stile da commedia romantica rassicurante.

Il lavoro di Xu Jinglei sicuramente non avanza pretese particolari, ben si adagia su toni da commedia , pur insinuando nella narrazione tematiche legate al mondo degli affari e al soccombere della vita privata di fronte al lavoro, si affacciano qua e là note ecologiste, ma quello che più risalta è una ostentata eleganza e un ricerca di stile, soprattutto attraverso abiti, automobili, case e ristoranti, che sa un po' troppo di falso, in cui manca quasi completamente quell'ironia che avrebbe dato un tocco diverso a questo scintillio formale.

Ne deriva una pellicola che offre poco e nulla di nuovo, così intessuta sullo scontro tra i ruoli che regala qualche momento divertente solo in occasione della festa di compleanno del padre di Amy in cui sono i personaggi secondari a portare qualcosa di apprezzabile ( i genitori di Amy ad esempio).

Indubbiamente la regia di Xu Jinglei è pulita ed il film scorre tutto sommato senza annoiare, ma la sostanza che c'è sotto è veramente poca roba e la sceneggiatura vacilla soprattutto perchè la regista ha voluto tenere un livello molto basso ed ovvio nella costruzione della trama, che se sviluppata con un po' di coraggio e di ironia avrebbe potuto regalare un lavoro più valido.

Bene se la cavano Xu Jinglei e Stanley Huang nei due ruoli principali, soprattutto quest'ultimo che cerca di offrire qualche sprazzo ironico al suo personaggio.

Starry Starry Night / 星空 ( Tom Lin / 林书宇 , 2011 )

2012-02-25T15:41:00.004+01:00

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Il puzzle senza una tessera

Anche l'opera seconda di Tom Lin conferma una volta in più il buon momento del cinema di Taiwan che ormai da almeno 3 o 4 anni offre lavori interessanti e ben diretti.

Starry Starry Night è una storia piccola, che però sa offrire un ampio respiro e una veduta dilatata sul mondo dell'adolescenza, affidandosi anche a toni fiabeschi, quasi da fantasy, ben incastonati all'interno del racconto.

Mei è una tredicenne che per alcuni anni ha vissuto col nonno immersa nella natura delle montagne, ora vive coi genitori in città soffrendo un perenne disagio di ambientamento, inoltre la famiglia è percorsa dalle tensioni tra una madre insoddisfatta e frustata nelle sue aspirazioni artistiche che riempie casa di puzzle che raffigurano pitture di grandi artisti e un padre che cerca di svolgere il suo compito di capofamiglia senza slancio e con grigiore.

Unico amico della ragazzina è Jay un coetaneo che in quanto a famiglia sta molto peggio di lei: genitori separati a causa del carattere violento del padre che li rincorre ovunque.

La simbiosi tra i due sgorga spontanea sia a scuola che fuori, entrambi fatti oggetto di vessazioni da parte di coetanei bulletti.

Quando Mei apprende che la separazione dei genitori è alle porte , decide di intraprendere una fuga tra le montagne con l'inseparabile amico: si confesseranno le loro storie , le loro paure, sboccia un accenno di innamoramento, affideranno alle stelle i loro destini e al ritorno dalla scappatella le vie si separeranno.

Finale sorprendente gettato nel tempo alcuni anni dopo a Parigi, in cui quelli che erano ricordi si materializzano e regalano sorrisi e lacrime.

Tutto il film è percorso da una soavità rassicurante, anche dove va ad indagare sui malesseri degli adolescenti, il cui grido di aiuto risiede nella richiesta di potere vivere la loro età e i loro sogni nonostante tutto; di tanto in tanto si popola di personaggi fantastici (elefanti di legno che camminano, figure animali di carta che percorrono la strada in una delle scene più belle del film), insiste molto sulla tematica dei figli abbandonati a se stessi da una famiglia che si disgrega, traccia una via formativa per i due giovani protagonisti che costituirà una miniera nascosti di ricordi che nell'epilogo all'improvviso svelerà tutte le sue ricchezze.

Pur nell'ambito di una ingenuità di sentimenti, la storia è comunque sentita e sincera e scorre senza mai perdere quel filo emotivo che la tiene in piedi, ben sorretta dai due giovani attori Xu Jiao e Lin Hiu-min, lasciando sempre in sospeso, proprio come il puzzle di Mei e quelli della scena finale, il tono della narrazione.

Tom Lin cura molto le ambientazioni, spesso indugiando in situazioni che sembrano quasi oniriche, costruisce belle immagini sia di stampo cittadino che campagnole ed ha l'indubbio pregio di raccontare una storia di adolescenti senza cadere nelle solite stucchevoli ed ipocrite situazioni che tante volte vediamo in film del genere.

A simple life / 桃姐 ( Ann Hui / 许鞍华 , 2011 )

2012-02-24T21:00:00.000+01:00

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La gratitudine che si fa poesia

Sospinto dall'onda lunga degli innumerevoli riconoscimenti ricevuti in giro per il mondo partendo da Venezia dove fu presentato, giunge finalmente in Italia (uscita prevista per l'8 marzo), grazie alla benemerita Tucker, l'ultimo lavoro di Ann Hui, che giunta a questo punto della sua formidabile carriera cinematografica, non appare esagerato definire come una delle registe donna viventi più grandi: una figura che ha rappresentato un punto di riferimento per la rinascita del cinema HKese e che ancora oggi sforna lavori tanto belli quanto sorprendenti, dotata come è di quella rarissima capacità di osservare il mondo comune e di raccontarne con delicatezza di toni tutte le sue infinite sfaccettature sempre improntate alla semplicità formale.

A simple life è opera bellissima, commovente, dove il sincero sentimento trasuda da ogni fotogramma, che, per ammissione della stessa regista è ispirato ad una storia vera riferitale dal produttore cinematografico Roger Lee , sin dai tempi di Summer Snow, lavoro di circa venti anni orsono.

La figura di Tao, domestica per sessanta anni presso la stessa famiglia dove giunse all'età di tredici anni, è una di quelle che rimangono nella mente e nel cuore dello spettatore: approdata ormai nella vecchiaia si prende cura della casa di Roger , produttore cinematografico, unico rimasto ad Hong Kong, mentre tutta la famiglia è migrata in America. Da come prepara il pasto per il "signorino" capiamo subito quale indissolubile legame unisce i due, quasi un rapporto madre-figlio mutuato, in cui l'affetto e la preoccupazione della donna si sposano con il rispetto che l'uomo nutre per lei.

Una volta ammalatasi e rimasta emiplegica, Roger le troverà un posto presso una clinica per anziani dove per Tao si aprono le porte su un universo a lei estraneo, racchiusa come è sempre stata all'interno della casa padronale.

Man mano che il tempo passa tra alti e bassi di salute il legame che unisce Roger e Tao si consolida, fino al punto di scoprire che le loro esistenze sono intimamente legate costituendo uno la famiglia dell'altro.

Affidandosi sempre a toni misurati ma che sanno scendere nel cuore e scaldarlo, Ann Hui costruisce una storia coinvolgente che vuole raccontare l'importanza della famiglia, della fedeltà e del rispetto, quasi una elegia sui valori umani più sentiti, a cominciare dai quartieri di una Hong Kong molto "famigliare" e tradizionale, in disparte rispetto alle luci e alla modernità che sono l'altra faccia della megalopoli.

Il film sembra quasi voler omaggiare quelle figure di domestiche che diventano l'asse portante di una famiglia diventandone di fatto parte integrante fino a richiamare alla mente dello spettatore quelle immagini sepolte nel passato in cui la famiglia sapeva allargarsi offrendo affetto e riconoscenza.

Il bellissimo legame che unisce Roger e Tao è qualcosa che va oltre il semplice rapporto personale, diventa una sorta di integrazione reciproca che mostra gli aspetti più belli e sentiti di una umanità semplice.

Nel contesto di una storia che avanza a ritmi pacati e misurati, la regista inserisce sprazzi di umorismo e di brillantezza che strappano frequentemente il sorriso (geniale e riuscitissima la scena in cui Roger se la deve vedere con Tsui Hark e Sammo Hung, prestatisi con grande signorilità a una piccola e divertente apparizione o le selezioni che fa Tao per trovare una domestica per Roger), descrive l'ambiente della casa di riposo con vivacità e brillantezza traendo il meglio dai vari ospiti, esplora con occhio carico di umanità il tema della vecchiaia e del rapporto parentale , si diverte a giocare con l'ambiente cinematografico e costruisce un epilogo bellissimo, carico di emozione che, con una soave semplicità mette il punto finale al racconto.

Andy Lau, lanciato proprio da Ann Hui in Boat people quasi 30 anni fa, è come sempre bravissimo, ben padrone del personaggio di Roger, ma una volta tanto anche il suo grande carisma viene offuscato da una memorabile interpretazione di Deanie Ip, attrice apprezzatissima del panorama HKese che regala una prova semplicemente commovente.

Raramente si è visto un film così equilibrato e sentito in cui poesia e realismo si coniugano alla perfezione con una semplicità stupefacente: ma questa, lo sappiamo, è la grande e rarissima dote che fa di un regista un grande narratore ed Ann Hui regala questa ennesima dimostrazione di grandezza come pochi riescono a fare.

Life without principle / 夺命金 ( Johnnie To / 杜琪峰 , 2011 )

2012-02-21T12:32:00.001+01:00

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La corsa dietro al dio denaro

Magari verremo smentiti dalla geniale imprevedibilità di Johnnie To, ma questo Life without principle sembra proprio essere un punto di svolta nella filmografia del Maestro HKese, quasi un anello di congiunzione con Vengeance che appariva come una sorta di epilogo tragico e citazionista della parabola gangsteristica che immensi capolavori ci ha regalato.

Life without principle anzitutto prende a vigorose spallate gli schemi e gli stili nati dalla fusione dei generi che To ha continuamente manipolato nei suoi lavori, per concentrarsi sulla tematica-fulcro, fra l'altro abbastanza sfruttata nella cinematografia HKese e mainlander, della potenza destruente del denaro.

Tutto il film ruota su questo impalpabile protagonista causa di crisi rovinose e di drammi nazionali e personali, ben evidenziati con i continui rimandi alla crisi economica europea e alla quasi bancarotta greca.

Per raccontare il potere sconfinato del denaro Johnnie To si serve di una narrazione originale, all'apparenza, soprattutto nella prima parte, ostica, fatta di scatole incastonate una nell'altra che ruota intorno a tre personaggi, che nel film si sfioreranno impercettibilmente, senza mai entrare in collisione, accomunati dal disperato bisogno di denaro: Teresa, consulente finanziaria che appare subito a disagio in un mondo arrivista popolato di squali pronti a mettere il cappio al collo agli investitori con proposte ad altissimo rischio dietro la chimera di guadagni favolosi, il detective Cheung, poliziotto epigono di tanti eroi magistralmente raccontati dal regista nel corso degli anni, alle prese , quasi inconsapevolmente, con un mutuo acceso per acquistare la casa dei sogni della moglie e Panther, uno straordinario Lau Ching Wan, alla ricerca affannosa di denaro per pagare la cauzione del boss ,prototipo di una manovalanza malavitosa ormai trasformatasi in una accolita di di personaggi che ha riposto le camicie a fiori per indossare abiti di Armani e che ha sostituito la pistola con gli schermi del computer dove scorrono gli indici azionari, dietro ai quali scorrono fiumi di soldi.

E' proprio la figura di Panther quella che offre il cambio di ritmo alla pellicola, quasi a volere dimostrare che per il regista quello dei gangster rimane l'universo che maggiormente lo ispira; ma anche questo ambiente , che non è più quello dell'onore e della fratellanza da difendere al costo della vita, appare travolto dalla corsa a gestire il denaro in maniera "pulita" e Panther risulta un eroe quasi arcaico e fuori moda nelle sue giacche improbabili e nelle sue camicie a fiori sgargianti che ancora insegue un ideale romantico di lealtà e di onore.

Tutto sembra cadere sotto i colpi bassi di una finanza che alla fine non sembra tanto più pulita dei vecchi sistemi malavitosi per fare soldi e al giro di boa il film piega sempre più verso un thriller in cui le carte sono scoperte, ma debbono essere sistemate al loro posto.

Pur con qualche impaccio la narrazione tripartita regge bene e col procedere sposta sempre più impercettibilmente in avanti il punto in cui il cerchio si chiuderà; questo avverrà in un finale cui mancano i picchi di azione e dramma e forse per qualcuno potrà risultare anche deludente, ma l'impressione è che il Maestro stavolta abbia voluto giocare maggiormente sul tavolo delle tematiche sociali e politiche, sulla deriva cinica che intraprendono i personaggi e sulla capacità del denaro di trasformare le esistenze.

Come sempre la regia è ben calibrata, non mancano i momenti da ricordare, quasi sempre scanditi dal salire e scendere degli indici azionari riportati su enormi display, così come non manca qualche difetto derivante soprattutto da una narrazione sbilanciata in cui la figura di Panther tende ad oscurare le altre, col risultato di avere una storia che non procede in maniera costante.

Con le premesse fate all'inizio però, questo rischia di diventare un film fondamentale nella filmografia di Johnnie To ed assume quindi una importanza probabilmente maggiore di quella derivata dal reale valore del film; vedremo in seguito se sarà così o se il Maestro abbia voluto semplicemente divagare su un tema che assilla e ossessiona la società cinese.

The fourth portrait / 第四张画 ( Chung Monghong / 鍾孟宏 , 2010 )

2012-02-19T19:07:00.003+01:00

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I ritratti della vita

Opera seconda del taiwanese Chung Monghong, The fourth portrait ha ottenuto grandi successi presso la critica ed il pubblico , racimolando diversi premi al Golden Horse (regia ed attore principale tra gli altri) affermandosi come una pellicola ben inserita in quel movimento di rinascita della Cinematografia taiwanese in atto ormai da alcuni anni.

Quello che fa di The fourth portrait un film bello e valido è la sua capacità, nonostante il tema trattato, di schivare tutte le ovvietà e le facili trappole sentimentaliste che potevano disseminarsi lungo il percorso.

E' la storia di un ragazzino che , morto il padre, si ritrova da solo ad affrontare la vita, sorretto all'inizio solo dal vecchio guardiano di una scuola che vorrebbe fungere da padre putativo fino a che i servizi sociali non riportano il ragazzino , Xiang, dalla madre legitima, che nel frattempo si era costruita una nuova, squallida vita in compagnia di un losco individuo.

Il percorso di inserimento nella vita, vissuto oltre quelle che sono le regole consuete per un ragazzino, si inserisce in un ambiente famigliare e sociale degradato su cui incombe il dramma dell'immigrazione dalla Cina continentale che, ben lungi dal portare benessere, si rivela una trappola tragica per la madre di Xiang e soprattutto domina la figura del fratello maggiore del ragazzino, scomparso in circostanze misteriose (che verranno però magistralmente rivelate in uno dei momenti più belli del film), che Xiang continua a vedere in sogno e a sfuggirgli.

Da un lato quindi Xiang si affaccia alla vita pungolato dai consigli severi del vecchio custode prima e del nuovo amico più grande di lui, uno sfaccendato, ladruncolo con alle spalle una famiglia derelitta segnata dal dramma, dall'altra la squallida vita dell'emigrato priva di ogni impulso vitale e contorto sul suo dolore.

Ben lungi dal tratteggiare situazioni fiabesche o peggio pedagogiche, Chung racconta una storia, attraverso quattro disegni di Xiang, che sono momenti di una vita che si evolve e che corre via, che non lascia il tempo di sentirsi bambini e che impone agghiaccianti confronti con persone da evitare come la peste (il dialogo tra Xiang e il patrigno, altro momento bellissimo e commovente del film).

Il desiderio di Xiang di avere una figura di riferimento si incastona tra un inizio e una fine in cui lo vediamo camminare da solo , zaino in spalla, quasi un prologo per una vita difficile e l'epilogo, che si concretizza in un ultimo ritratto, appunto il quarto, che non vedremo mai, fa calare il sipario in modo ambiguo, ma sicuramente buio, sulla storia.

Nel contesto di una narrazione improntata ad una drammaticità non ostentata, il regista inerisce dei momenti in cui il registro sembra mutare, con sfumature a volte grottesche a volte comiche che però non riescono mai a scalfire il buio pessimismo realista che serpeggia in tutto il film.

Un equilibrio narrativo molto ben disegnato, anche nelle immagini molto curate ma mai laccate, risulta in conclusione il maggior pregio di The fourth portrait, dove non manca la commozione nè lo sdegno, ma sempre con toni sorprendentemente moderati che sono sempre quelli che riescono a dare la forza della verità e del realismo alle storie drammatiche.

Terraferma ( Emanuele Crialese , 2011)

2012-02-14T17:53:00.001+01:00

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L'isola degli immigrati

Il terzo capitolo dei lavori dedicati al mare e alla sua cultura di Emanuele Crialese riceve un riconoscimento prestigioso al Festival di Venezia, dove presenta, questa volta , una storia di immigrazione e di emigrazione che trova nello splendido scenario dell'isola di Linosa il suo palcoscenico naturale.

Va subito detto però che , nonostante il film sia ad un livello che la grandissima parte delle pellicole italiche neppure si sogna di sfiorare, nel complesso si posiziona ad un livello inferiore rispetto a Respiro e a Nuovo Mondo.

Anche qui è una famiglia partiarcale tradizionale al centro del racconto, una famiglia percorsa da fremiti e da aspirazioni diverse spesso in contrasto con quelle del pater familiae, uomo di mare , tenacemente legato alla sua barca e al suo lavoro di pescatore sempre più anacronistico agli occhi di un figlio che sogna la facile emancipazione, una nuora che vede in quel mondo la causa che gli ha portato via il marito, un giovane nipote che ondeggia tra il rispetto ancestrale per il passato e il fascino del moderno.

In questo crogiulo di passioni irrompe il dramma dei clandestini che per Ernesto il patriarca altro non è che assecondare le leggi non scritte del mare che si fondono con quelle dell'uomo: la giovane donna gravida con bambino al seguito salvata dalle acque trova in quella terra di emigrazione la sua salvezza in attesa di migrare nuovamente verso la terraferma promessa.

L'isola diviene quindi terra di passaggio per chi fugge dalle guerre e per chi vuole partire per cambiare vita, in mezzo il mare stavolta solcato ad inizio e fine film da un piccolo peschereccio e non dal grande transatlantico di Nuovo Mondo.

Fosse tutto qui, probabilmente grideremmo nuovamente al grandissimo film; Crialese però vuole infarcire di nuove e ulteriori tematiche che vanno oltre il rapporto dell'Uomo con la sua storia e con la natura, mette troppa carne sul fuoco col risultato di appesantire il lavoro: oltre al grido ecologico sul cambiamento dell'habitat marino, troviamo il turismo di massa volgare e chiassoso alla perenne ricerca di "vista mare" e aria condizionata, terrorizzato dall'incursione clandestina che turba la settimana di riposo e mare, la legge scritta che spinge l'uomo a violare le leggi ancestrali, la violenza della modernità che sradica le fondamenta di una società antica e tradizionale fondata sul ciclo della natura, lo stesso tema dell'immigrazione clandestina, che vorrebbe essere il contraltare dell'immigrazione interna per necessità, appare un po' troppo ovvio.

Nel complesso comunque il film è bello, paga qualche difetto di troppo, ma sa offrire uno spaccato antropologico efficace e chiude idealmente il ciclo iniziato con Respiro sulla cultura tradizionale marittima, voltando lo sguardo verso un altra forma di migrazione.

Peccato solo per l'eccessiva ambizione che il regista ripone nel film e che fa si che sotto molti aspetti Terraferma risulti un lavoro ben riuscito in ampie parti, molto meno in altre.

Shame ( Steve Mc Queen , 2011 )

2012-02-13T14:40:00.002+01:00

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L'ossessione nel libero arbitrio

La seconda prova alla regia di Steve McQueen, regista indipendente inglese, è stata una delle opere più controverse presentate all'ultimo Festival di Venezia, dove ha ricevuto il riconoscimento per la migliore interpretazione maschile con Michael Fassbender ed un ulteriore riconoscimento in patria come migliore pellicola indipendente britannica.

L'argomento trattato e, di conseguenza, le numerose scene di nudo integrale non potevano passare inosservate, fungendo, inevitabilmente da traino per il film.

Scritto dallo stesso regista in collaborazione col drammaturgo Abi Morgan, il film racconta la vita di un uomo, affetto da una forma di ossessione compulsiva verso il sesso: per cui sotto l'aspetto piacevole e da persona di un certo successo immersa nella vita newyorkese, Brandon consuma la sua ossessione tra prostitute, chat erotiche, film porno, amplessi fugaci e masturbazione.

La comparsa in città della sorella, cantante con una vita allo sbaraglio, morbosamente legata al fratello fino al sospetto taciuto incestuoso, romperà l'equilibrio dell'uomo dal momento in cui la sentirà esibirsi in una versione slow di New York New York.

Per Brandon, oltre all'acuirsi del conflitto con la sorella, elemento disturbante della sua vita, ci sarà la rapida discesa agli inferi della sua ossessione, nonostante un timido tentativo di cambiamento col quel vorrebbe gettarsi alle spalle una condizione che gli rende la vita dolorosa dietro l'aspetto rassicurante.

Il finale , consumato, come molti altri momenti topici, all'interno della metropolitana, nella sua bella ambiguità non risolta, lascia vari binari interpretativi alle spalle.

Lungi dall'essere il capolavoro che da molte parti è stato etichettato, forse solo per la peculiare indipendenza che il cinema di McQueen sembra volere abbracciare, Shame è un lavoro molto altalenante, con una prima parte che vaga girando intorno al problema senza però affrontarlo di petto, anzi, quasi sublimandolo allo stato di condizione abituale immutabile ed una parte finale, quando il dramma esplode nel suo fragore, che da un senso più compiuto a tutta la pellicola risultandone il segmento migliore.

Contando su una eccellente prova di Michael Fassbender che riesce sempre e comunque ad essere credibile e a lasciare trasparire con mestiere il suo reale stato d'animo, il film da il meglio di sè nello scrutare negli occhi e nell'anima del personaggio, difettando però , spesso anche molto, in tutto ciò che lo contorna, a partire dalla scena da molti osannata come punto più alto del racconto e cioè quella della prova canora della sorella di Brandon, che invece , a ben guardare, risulta oltre che noiosa francamente insulsa.

Sta di fatto che il tratteggio sia del personaggio di Brendon che quello più paradigmatico della sorella sbandata e con tendenze suicide, risultano riusciti e quando riescono ad imporsi su una narrazione che spesso divaga pericolosamente, sanno offrire bei momenti alla pellicola in contrasto con una ricercata ed ostentata carnalità (amplessi spiaccicati su finestre panoramiche full view).

Film insomma da vedere, perchè comunque coraggioso nel suo denunciare una schiavitù che nasce da un libero arbitrio spinto all'eccesso, ma che non sempre convince a pieno; Steve McQueen comunque sembra avere la stoffa per poter fare il salto di qualità verso un cinema d'autore che sia capace di raccontare qualcosa di interessante.

White Vengeance / 鸿门宴 ( Daniel Lee / 李仁港 , 2011 )

2012-02-12T16:11:00.002+01:00

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La nascita della dinastia Han

Prototipo vincente del film commerciale-storico-kolossal che tanto impazza nell'industria cinematografica cinese, White Vengeance è l'ultimo lavoro di Daniel Lee, regista pienamente votato, almeno negli ultimi anni, alla causa.

Il regista di 14 Blades almeno finora ha saputo però destreggiarsi bene nel genere, riuscendo sempre a creare film che riescono a coniugare le esigenze commerciali con quelle artistiche.

L'ultima fatica, che ha spopolato al box office nelle ultime settimane del 2011, è un racconto ambientato duemila anni orsono, all'epoca della rovinosa caduta della dinastia Qin, sfaldatasi alla morte del primo imperatore della Cina unificata, Qin Shin Huangdi.

La storia è incentrata sui due personaggi che contribuirono alla caduta della dinastia Qin, Liu Beng e Xiang Yu, dapprima alleati, quindi nemici nella conquista del trono che toccò a Liu Beng, fondatore della gloriosa dinastia Han.

In particolare il film racconta di un episodio , l'incontro tra i due contendenti, che nelle intenzioni di Xiang Yu, doveva risolversi in una trappola mortale per l'avversario.

Intorno a questo evento, storicamente reale, si intreccia una trama nella quale è la contrapposizione tra i due protagonisti l'asse portante e con esso tutte le azioni e gli intrighi che sempre si accompagnano a momenti storici turbolenti.

L'incontro di Hong Gate si risolve nel film in una lunga , forse anche troppo prolissa, disquisizione tattico-filosofica sul gioco degli scacchi, metafora della guerra e delle strategie per la lotta di potere.

Compresso nella narrazione storica Daniel Lee inserisce il filone melodrammatico che si impernia sulla storia d'amore tra Xiang Yu e una giovane suonatrice di liuto verso cui anche Liu Beng non appare del tutto indifferente, che verso il drammatico epilogo tende a prendere il sopravvento.

Come ogni kolossal che si rispetti non mancano scene di epiche battaglie nelle quali ridonda in maniera prepotente l'uso del digitale, ma Lee ha comunque la capacità di moderare le situazioni senza che si abbiano eccessive spettacolarizzazioni fini a se stesse.

Il tono epico della narrazione, adeguato a quello che rimane uno dei momenti più affascinanti e drammatici della storia dell'impero cinese, non impedisce comunque un tratteggio di alcuni personaggi molto intimistico, su tutti quello dei due strateghi e del loro rapporto, semmai sembra sfuggire un po' troppo il contesto storico che avrebbe dato probabilmente al lavoro un tono più solenne.

Alla fine comunque Daniel Lee si focalizza sulle figure principali del film che si dibattono tra la sete di potere e l'ambizione di donare un periodo di pace e prosperità alla nazione, tra gli intrighi e le pulsioni profonde.

Il risultato è un film abbastanza ambiguo,che sembra tergiversare nel momento di imboccare una strada precisa in bilico tra dramma storico e dramma personale in cui il filone narrativo melodrammatico appare poco coerente e forzato.

Nel cast d'eccezione spicca , al solito, l'interpretazione di Anthony Wong nel ruolo di Fan Zeng, stratega militare di Xiang Yu, accanto a Leon Lai, Feng Shaofeng, Jordan Chan, Andy On e, in una piccola parte, il grande Chen Kuan-tai .

Spring fever / 春风沉醉的晚上 ( Lou Ye / 娄烨 , 2009 )

2012-02-10T15:59:00.005+01:00

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Triangoli amorosi

Premiato a Cannes per la migliore sceneggiatura, l'ultimo lavoro di Lou Ye ha visto la luce solo grazie allo sforzo produttivo franco-HKese che ha permesso di aggirare l'inibizione di cinque anni imposta dalla censura al regista, reo di avere violato nel suo precedente Summer Palace ,uno dei sarcofagi nascosti e proibiti della società cinese e cioè la rivolta studentesca del 1989 culminata nel massacro di Piazza Tienanmen.

Nella ipotetica classifica dei registi più censurati sicuramente Lou Ye occupa il primo posto incontrastato, fatto che lo fa apparire, soprattutto agli occhi di certa critica festivaliera occidentale, come una sorta di totem inviolabile.

Anche in questo Spring Fever il regista non fa nulla per allontanare tematiche e situazioni in forte contrasto soprattutto con il puritanesimo sessuale cinese trattando apertamente il tema della omosessualità che fino a pochi anni orsono era considerato reato grave e poi malattia mentale.

Quello che riesce meglio nel film è sicuramente l'ambientazione e l'atmosfera di abbandono nella quale si consumano due triangoli amorosi drammatici nei quali il terzo incomodo è sempre la figura femminile; due triangoli tra loro agganciati, dipanati lungo il corso delle stagioni che ne scandiscono il tempo, in cui un lato è comune e che imboccano ben presto due strade differenti: quella del dramma una , quella dell'abbandono e dell'oblio l'altra.

I personaggi di queste storie sono entità vaganti disperse nel tessuto urbano di una Nanchino vista con l'occhio clandestino della telecamera (le riprese sono tutte state girate di nascosto), strette tra l' anaffettività e la compulsione ossessiva, vissute quasi sempre in una ombra insalubre che sembra quasi volerle proteggere.

I personaggi assumono l'aspetto di microcosmi, quasi delle monadi che si attraggono e si respingono vicendevolmente lungo un percorso in cui tutto sembra permeato di dolore e di grigio.

Oltre questo aspetto che dona sicuramente un certo fascino oscuro al film ( ma questo, lo sappiamo, è il modo di girare di Lou Ye), emergono però pecche abbastanza evidenti, soprattutto una lunghezza eccessiva della pellicola che spesso appare impantanata in situazioni prive di via d'uscita e una ricerca un po' troppo ostentata di una poeticità che si appoggia su un testo che in qualche modo funge da riferimento al film, scritto da Yu Dafu poeta che partecipò ai movimenti del maggio del 1914 di Piazza Tienanmen (coincidenza probabilmente voluta).

Indubbiamente non mancano i bei momenti segnati da un lirismo sofferto, ma l'impressione è che troppo spesso il regista perda il filo della narrazione poetica per deviare verso strade meno riuscite e che il film alla fine perda una parte del suo valore intinseco, quasi un'opera rimasta sospesa.

It's a Great Great World / 大世界 ( Kelvin Tong / 唐永健 , 2011 )

2012-02-09T15:58:00.004+01:00

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Nostalgia per il passato

L'ultimo lavoro del singaporiano Kelvin Tong, che già con Rule number one aveva mostrato il suo talento cinematografico applicato al thriller-ghost story, è un film piccolo, nel senso che è tutto racchiuso in uno spazio e in un luogo ben preciso, in un trentennio (1940-1970) rivisitato con gli occhi di oggi attraverso delle sbiadite fotografie in bianco e nero.

Il racconto ruota intorno al parco di divertimenti Great World di Singapore, un luogo che per le abitudini e le usanze di quegli anni era molto più che un semplice luna park: era un microcosmo vivissimo in cui pulsavano vite e storie accomunate da una visione della vita probabilmente troppo diversa da quella odierna.

Kelvin Tong bene ricostruisce quell'atmosfera, un po' paesana ma sicuramente più vera ,che si respira nel parco e in tutto ciò che vi orbita intorno e lo fa con uno sguardo disancantato, quasi fanciullesco, carico di nostalgia ("è stata la televisione ad allontanare la gente dalla vita del parco" dice uno dei protagonisti ricordando i tempi andati), in cui sogni e aspirazioni, amori e dolori si consumano nell'arco del trentennio.

Attraverso le fotografie ingiallite che una fotografa di moda trova nel vecchio locale appartenuto alla nonna, anch'essa fotografa e narratrice postuma di un mondo ormai scomparso, assistiamo ad una carrellata di personaggi ben disegnati, coloratissimi che nel parco hanno vissuto: il clown che vuole farsi la foto con Elizabeth Taylor, una coppia di giovani, lui venditore di intrugli pseudomiracolosi, lei proprietaria di un banco di tiro a segno con premi, la stella del night club dalla bellissima voce ormai in declino consumata dall'attesa per il ritorno del suo vecchio amore, il venditore di spuntini che in quel parco si sposò proprio il giorno in cui i Giapponesi invasero Singapore.

Storie semplici, quasi banali ma che riportano ad un epoca in cui l'amicizia e la solidarietà erano valori assoluti, un'epoca in cui si respirava un'aria più vera e sincera, dove il sogno e la magia del parco infondevano sentimenti sinceri.

Ne esce fuori un film che è anzitutto un sentito omaggio ad una epoca ormai lontana, rivisitata con una dose misurata di nostalgia che non scade mai nell'ovvio e nello stucchevole e anzi sa regalare dei momenti molto belli , carichi di sincerità, come ad esempio la scena della cena di nozze su cui aleggiano i bombardieri giapponesi.

Pur presentando qualche intralcio nell'incedere, complessivamente il film è bello e merita sicuramente la visione e Tong si conferma regista che ben conosce il mestiere, riuscendo, con un lavoro che non reclama pretese particolari, ad offrire momenti di cinema davvero buono; se con Rule number one aveva tracciato un sentiero originale nel genere, con questo suo ultimo lavoro ha dimostrato di sapersi ben muovere anche in generi lontani dal thriller e dal ghost movie, imponendosi come un regista che merita grande attenzione per il futuro.

Letter from an unknown woman / 一个陌生女人的来信 ( Xu Jinglei / 徐静蕾 , 2004 )

2012-02-03T18:42:00.006+01:00

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Amore totale contro cinismo da smemorati

Dopo essere diventata in breve tempo una delle attrici cinesi più note ed apprezzate, Xu Jinglei ha con successo intrapreso anche la carriera di regista e Letter from an unkown woman è il suo secondo lavoro, premiato a San Sebastian proprio per la regia.
Il film è un accorato racconto di una donna (interpretata dalla stessa regista) che in punto di morte decide di scrivere una lettera a quello che è stato il suo amore per tutta la vita; un amore nascosto e poco dichiarato però , visto che l'uomo, uno scrittore di successo, poco ricorda dei brevi e fugaci incontri con la donna.
Quello che nasce come una infatuazione adolescenziale, si trasforma nel tempo in un amore ossessivo che coinvolge per un lasso di tempo di più di un decennio, tra l'invasione giapponese della Cina e la fine della guerra mondiale.

La lettera che lo scrittore riceve diventa quindi il filo narrativo che la donna svolge nel racconto dal primo incontro in cui lei era una adolescente, passando per la passione fugace che avvolse i due alcuni anni dopo, fino al loro ultimo incontro, avvenuto senza che lui ricordasse nulla di lei.
Ed è infatti questa poco probabile traccia che si impone in tutto il racconto, che se da un lato senz'altro presenta degli spunti di sincero e doloroso romanticismo, dall'altro si sgonfia paurosamente di fronte ad alcune scelte narrative a dir poco discutibili; inoltre, particolare che non va dimenticato, la sceneggiatura della pellicola è tratta da un romanzo di Stefan Zweig del 1922 ambientato in Austria, quindi probabilmente poco adatto ad un racconto di passione ambientato nella Cina, e non tra il 1970 ed il 1990, come avrebbe voluto la regista , che poi, timorosa delle grinfie della censura, preferì ambientarla più indietro nel tempo.
Queste ultime due considerazioni rendono probabilmente ragione di una assoluta imperfezione del film che in alcuni momenti risulta quasi imbarazzante ( su tutte la frase dello scrittore, al colmo della sua amnesia amorosa, che dopo il loro secondo incontro parla di una sensazione di già vissuto) e , nonostante si apprezzi una certa delicatezza tipicamente femminile e uno scrutare da vicino una ossessione amorosa totalizzante che si perde nel tempo, far scadere il senso del film, che traspare tra le pieghe spesso e volentieri, alla solita equazione donne=sensibili uomini=cinici e puttanieri francamente fa cadere le braccia.
Indubbiamente l'ambientazione è bella , elegante, magnificamente fotografata da Mark Lee e certi passaggi del film stuzzicano sinceramente i sentimenti, ma l'insieme è quello di un lavoro in cui troppo spesso si perde il filo, nonostante la lettera scritta dalla protagonista funga da costante filo di Arianna.
A rendere il lavoro comunque degno della visione è la bella prova di Xu Jinglei e quella di Jiang Wen, due attori che indubbiamente sanno con la loro interpretazione risollevare le sorti di un film che altrimenti sarebbe passato senza lasciare alcuna traccia.

Peacock / 孔雀 ( Gu Changwei / 顾长卫 , 2005 )

2012-02-02T22:57:00.002+01:00

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La rinascita dell'individuo dopo la Rivoluzione Culturale

Dopo una lunga e fruttuosa carriera come sceneggiatore e direttore della fotografia di alcuni tra i lavori più importanti del cinema cinese ( Red sorgum, Farewell my concubile, Devils on the doorstep), nel 2005 Gu Changwei passa per la prima volta dietro la macchina da presa ed esordisce con un lavoro, che seppur mutilato di circa la metà (in origine durava quasi 4 ore), possiede una sua bellezza intrinseca stupefacente.

Attraverso il racconto della storia di una famiglia, Gu focalizza con precisione e con ammirevole efficacia un momento topico della storia cinese: l'uscita dal periodo turbolento della Rivoluzione culturale e il ritorno ad un concetto individualistico che per tanti anni era stato sepolto sotto ideologie collettivistiche.

Lo sguardo del regista varia di prospettiva a secondo di quale personaggio racconta le sue vicende: i tre figli di una famiglia come tante, che con fatica cerca di riemergere dal buio degli anni vissuti in precedenza.

L'unica figlia è uno spirito ribelle, che insegue i suoi sogni e che mal sopporta le regole famigliari e della società, ricercando con ostinazione una indipendenza agognata e sognata attraverso il volo dei paracadutisti che ammira nelle loro evoluzioni.

Il figlio maggiore è mentalmente ritardato, obeso, spesso vessato da amici e colleghi di lavoro, ma nel profondo è dotato di un pragmatismo che lo porta comunque a crearsi una sua famiglia; è l'elemento disturbante della famiglia, quello verso cui i genitori ripongono più attenzioni proprio per la sua condizione e che scatena dolorose invidie negli altri due.

Infine il fratello minore, taciturno, introverso, codardo che poco si integra con l'ambiente famigliare e che alla prima occasione se ne va di casa inseguendo un sogno di emancipazione.

Scorrendo su questi tre piani narrativi in maniera sequenziale, ma che a volte si intrecciano, Gu Changwei fotografa in maniera attenta e con molta cura quelle che sono le dinamiche di una famiglia e degli individui che la compongono in un momento storico che si trascina pesantemente dietro i drammi degli anni passati, di cui proprio i nuclei famigliari subirono le maggiori conseguenze nefaste.

C'è da dire che , pur mantenendo un profilo ben caratterizzato dal punto di vista storico e sociale, il film tende a scavare maggiormente nella visione dei tre giovani protagonisti, accentuando quel concetto di "individuo" che proprio la Rivoluzione Culturale aveva annullato, quasi un risveglio delle coscienze sopite che finalmente possono inseguire il proprio sogno e i proprio obiettivo di vita.

La bellezza del film sta proprio nei toni mai sopra le righe, in una narrazione che seppur sembra risentire dei tagli effettuati sull'originale, mantiene sempre una sua linearità e coerenza che trovano nell'esplorare la vita di tutti i giorni di persone comuni il loro puntello solidissimo; non c'è ostentata nostalgia e neppure propaganda, c'è solo un sfondo storico ben preciso che fa da palcoscenico a storie ordinarie, caratteristica che il regista ben manterrà anche nei lavori seguenti.

Il film offre momenti di struggente bellezza , ricchi di dramma e di sentimento non urlato, avvolti in una atmosfera cui una bellissima fotografia, oltre che una precisa ricostruzione scenica, donano credibilità e vivacità ed un finale in cui allegoria e poesia rendono ragione del titolo, tutti fattori che hanno permesso a Peacock di ricevere il Gran Premio della Giuria a Berlino e di essere accolto con entusiasmo un po' ovunque

Da segnalare l'esordio, con tanto di riconoscimenti ufficiali, di quella splendida attrice che è Zhang Jingchu che interpreta il ruolo della sorella con una grandissima carica espressiva.

Shower / 洗澡 ( Zhang Yang / 张扬 , 1999 )

2012-02-01T19:10:00.000+01:00

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L'universo racchiuso in bagno pubblico

Dopo Sunflower, è questo probabilmente il più bel film girato da Zhang Yang, seconda prova da regista che ebbe grande successo sia al box office in patria che in giro per il mondo tra i vari Festival, dove riscosse anche diversi riconoscimenti ufficiali.

E' una storia semplice ma ottimamente costruita da Zhang e nella quale serpeggiano in maniera già ben strutturate le tematiche che il regista ha sempre sviluppato nei suoi lavori.

Il minuscolo micromondo di un bagno pubblico di Pechino gestito con passione e devozione dal Vecchio Liu insieme al figlio ritardato Erming è il centro di tutto il racconto: un piccolo universo un po' fuori moda e intriso di nostalgia nel quale i soliti vecchi clienti passano la giornata tra chiacchiere, battaglie tra grilli rigorosamente trasportati nelle loro gabbiette, problemi di vita quotidiana e con l'ombra minacciosa delle ruspe che spazzeranno via il vecchio e pittoresco quartiere per fare posto ai lussuosi centri commerciali.

L'arrivo del figlio maggiore di Vecchio Liu,Daming, emigrato a Shenzen in cerca di fortuna correndo dietro al sogno dell'arricchimento, riporta a galla vecchi rancori: il padre non ha mai accettato il "tradimento" del figlio, ma questa sarà l'occasione per rimettere le cose a posto, quasi silenziosamente, in un riavvicinamento fatto di piccoli gesti e di poche parole.

Costruendo il film su solidissime basi che hanno le fondamenta nella difesa tenace della tradizione, della famiglia e di un mondo che sembra distante anni dal vorticoso progresso che ha interessato la città, Zhang parla dei rapporti padre-figli, creando una netta dicotomia tra il divertito e fanciullesco cameratismo che lega il vecchio al figlio minorato e la delusione e il dolore per la scelta di vita fatta che uniscono con un filo sottile padre e figlio emigrato.

Tutto il film gira intorno ad un ambiente nostalgico, senza essere stucchevole però, anzi risultando coloratissimo e popolato di personaggi carichi di umanità e di simpatia: dai vecchi bisbetici che mal digeriscono le sconfitte dei propri grilli, all'aspirante cantante che solo sotto la doccia trova il coraggio di esibirsi in " O sole mio", dall'aspirante imprenditore in cerca di guadagno facile un po' imbroglione all'uomo che fugge dalla moglie rifuggiandosi nel bagno; e poi tutta una serie di piccoli gesti ripetuti con professionalità e con divertimento e le stramberie di Erming dietro le quali si nasconde una grande sensibilità.

Anche dove il film si addentra nei problemi sociali e nella visione di una Cina che cambia in maniera vartiginosa, nei problemi della malattia mentale, nella accanita difesa di una identità culturale minacciata e di un mondo che sembra scomparire trascinandosi dietro famiglie spezzate, Zhang lo fa sempre con grande pacatezza e con toni misurati, col risultato di confezionare una pellicola che dietro ai toni da commedia cela riflessioni profonde cariche di umanità.

La prova dei tre protagonisti principali è assolutamente da incorniciare:Zhu Xu è un vecchio Liu che ispira tenerezza e simpatia con i suoi modi gentili , anche quando è percorso dal rancore per la scelta del figlio maggiore, Pu Cunxin che veste i panni di Daming con compostezza, richiamato dai legami di sangue ad una vita cui aveva voltato le spalle e soprattutto un grandissimo Jiang Wu , fratello del grande Jiang Wen, capace di pennellare un personaggio commovente come Erming

Letter from the mountain ( Takashi Koizumi , 2002 )

2012-01-31T11:57:00.001+01:00

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La quiete della montagna

Dopo l'eccellente esordio alla regia in After the rain che portava a termine il progetto rimasto incompiuto del suo Maestro Akira Kurosawa, Takashi Koizumi dopo tre anni torna alla regia con l'ambiziosissimo Letter from the mountain, un film che adagiandosi su toni elegiaci ostinatamente pacati tratta temi che vorrebbero essere universali: la morte e la vita, la malattia e la vecchiaia, la tradizione e la modernità, la vita frenetica di città e quella calma e rilassante di campagna.

Takao decide di tornare a vivere nel suo villaggio natale adagiato tra le montagne fra il verde abbagliante delle piantagioni di riso con l'intento di far guarire la moglie Michiko dalle sue crisi di panico che la affliggono.

Il ritorno alle origini, l'incontro con le persone che aveva conosciuto nella sua giovinezza, il clima quasi sospeso nel tempo e la bellezza dei paesaggi lo portano a rivedere il senso della sua vita, affidandosi spesso a citazioni letterarie o a racconti pubblicati sul giornale del villaggio, vecchie memorie della signora Ume, ormai ultranovantenne che vive in un piccolo tempio venerando Buddha.

Le riflessioni che emergono dai dialoghi e dai soliloqui portano nella direzione della rilettura della vita moderna contrapposta alla purezza della vita di campagna che ancora si basa su robuste tradizioni e sul loro rispetto sacro.

Cercando un connubio totale tra Uomo e Natura, Koizumi costruisce un film dove succede poco o nulla, dove la parola , il ricordo e l'introspezione regnano incontrastati ammantandosi di una dose di spiritualità che a volte appare perfino eccessiva.

Indubbiamente il film ha solide basi sincere, le intenzioni narrative sono ammirevoli e il suo dispiegarsi nella narrazione soprattutto nella prima parte crea una atmosfera rarefatta che invita alla introspezione; viceversa, la ricerca quasi spasmodica di un clima poetico in cui immergere i dialoghi, che sono il cardine del film, appare a volte fin troppo artificioso, il frequente ricorso ad immagini cromaticamente bellissime ma avulse dalla narrazione, interposte quasi come cartoline paesaggistiche, non fa altro che rinfocolare una atmosfera di maniera.

Nel complesso il film ha il suo valore, ma riflettendo su qualche scelta narrativa si ha l'impressione di una occasione persa, di avere solo sfiorato una pellicola che avrebbe potuto ergersi a capolavoro, come da più parti tra l'altro è stato omaggiato il film.

Da segnalare la superba prova interpretativa di Akira Terao e di Kanako Higuchi, ma soprattutto della splendida Tanie Kitabayashi, matriarca del cinema giapponese.

The fantastic water babes / 出水芙蓉 ( Jeffrey Lau / 刘镇伟 , 2010 )

2012-01-30T21:22:00.002+01:00

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Il lavoro iellato di Jeff Lau

Lavoro di Jeff Lau cui presto il tempo stamperà a pelle l'etichetta di "iellato", The Fantastic water babes, era pronto nel 2008 per essere lanciato sul mercato, quando lo scandalo procurato da Edison Chen e le sue ormai famose foto piccanti contenute nel suo PC, lo travolse , affibbiandogli il poco gradito epiteto di "non desiderato" nel mercato della Cina mainlander, seguito a ruota da quello Hkese, sempre sensibile agli aspetti pruriginosi che colpiscono lo star system.

Lo scandalo coinvolse anche Gillian Chung che del film è l'attrice protagonista e che mal poteva conciliare la faccia acqua e sapone del suo personaggio con le foto piccanti in possesso di Chen.

L'evento portò Lau a dover rimandare di due anni l'uscita del film previa robusta rielaborazione in fase di post produzione che probabilmente ha influito ben più di quanto si possa pensare sulla riuscita della pellicola.

La storia, commedia romantica oserei dire quasi classica, racconta di Gillian , una ragazza che si vede soffiare il fidanzato da una nuotatrice, tenta un improbabile suicidio dal quale viene salvata , a suo dire, niente meno che dalla dea Guan Yin, il cui incontro è capace di infondere, secondo le credenze popolari, dei poteri sovrannaturali alla fortunata ed infine escogita una vendetta contro la rivale da consumare in una gara di staffetta di nuoto.

Ci sono cose che funzionano ed altre non nel film: di certo è degna di nota l'ambientazione nell'isola di Cheung Chau , dove vive Gillian: personaggi strambi nei quali si vede la mano di Lau nella caratterizzazione, situazioni divertenti che inevitabilmente derivano da una simile masnada (memorabile la scena del mahjong), un sottofinale ambientato tra la piscina e i fondali marini quasi fiabeschi abitati da strane creature-oggetti nel quale il regista sembra volere dare sfogo alla sua smisurata fantasia narrativa come quasi mai fa nel resto del film; di contro nel complesso il lavoro manca di solidità, sembra troppo parcellizzato, quasi vagasse alla ricerca di una unità che seppure nei limiti dell'anarchia narrativa propria di Lau, tutti i suoi film possiedono; il ritmo tende troppo spesso a scemare facendo venire meno quel convulso bailamme su cui Lau sa mettere la sua inconfondibile firma.

Questo andamento incerto, non sappiamo quanto esito di un rimontaggio forzato, non viene mitigato dalla seppur rinomata bravura del regista che , come detto, comunque, in alcuni momenti sa tirare fuori pezzi di buon cinema, che rimangono però sospesi in un contesto che nell'insieme non convince molto; ed anche la vena romantica-sentimentale che sembra voler sgorgare , soprattutto in un finale che si perde un po' per strada, non accende lo spirito e si mantiene piuttosto scialba.

Parata di belle fanciulle capitanata da Gillian Chung e divertente (con ironia) e apprezzata interpretazione di Stephen Fung, per quanto riguarda gli interpreti.

Faust ( Aleksandr Sokurov , 2011 )

2012-01-28T18:41:00.001+01:00

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Sokurov legge Faust

E' Cinema difficile quello di Sokurov: difficile non perchè noioso, come ahimè da qualche parte ancora si legge, difficile non perchè richiede una ampiezza di sguardo e una accettazione supina della struttura narrativa; è difficile perchè è uno sconfinato compendio filosofico-letterario di fronte al quale si percepisce con mano la propria inadeguatezza conoscitiva e culturale di fronte al fluire delle citazioni filosofiche che sconfinano nella teologia e nelle riflessioni escatologiche.

Lo è sempre stato così il Cinema di Sokurov, anche in quelle opere in cui l'atmosfera aveva colori e atmosfere apparentemente più convenzionali (Arca russa ad esempio); non deve quindi stupire quanto terribilmente ostica risulti la sua lettura di Faust, mito che ha nutrito e nutre ancora la nostra civiltà occidentale.

Ostica sì, ma affascinante, stupefacente fino a lasciare con la bocca aperta, una visione dell'Uomo che sebbene radicata fortemente nella cultura romantica occidentale, lui, autentico erede di quello spirito romanzesco ottocentesco russo, affronta di petto con il piglio dell'intellettuale conscio del destino dell'uomo e del suo rapporto con Dio e con il mistero della vita e della morte.

Un incipit fiabesco in cui una cupa atmosfera quasi gotica, che si fa tangibile con immagini che sembrano pennellate fiamminghe, catapulta subito nel cuore della tematica principale del film: l'anima non esiste, non si tocca , non si trova neppure sezionando a mani nude un cadavere livido su un tavolaccio di legno; cosa è la morte? cosa è la vita? dove sta Dio? dove sta il diavolo? , domande che accompagnano Faust nelle sue riflessioni, spesso con voce narrante; e poi il colpo di genio di un regista che non finisce mai di stupire per la sua sensibilità e per la sua raffinatezza narrativa: un diavolo come mai lo si è visto nel Cinema di tutti i generi, che manda all'aria tutte le iconografie pittoriche classiche ma anche le icone cinematografiche, che si libera di zampe da caprone, code, occhi iniettati di sangue, corna e zolfo, che bacia il crocifisso, per concedersi solo una abnorme pancia che scende fino alle pudenda annullandole e un organo genitale che sembra più un aborto di coda posto sul coccige.

L'immagine del diavolo che regala Sokurov è un ibrido tra l'uomo qualunque ed il mestatore infido cui Faust solo nel finale, spinto dalla sua passione amorosa per la giovane Margarethe, concede la firma con il sangue su un contratto scritto in maniera sgrammaticata.

La sfida di Faust a Dio e all'ordine precostituito assume quindi il genuino valore di un gesto di un eroe romantico che non si porrà problemi a seppellire il diavolo sotto una valanga di pietre prima di intraprendere la sua folle corsa verso i ghiacci, regalando un finale grandioso.

Ancora una volta Sokurov sceglie la tecnica di ripresa che aveva utilizzato in Madre e figlio, con la stessa scelta cromatica che tende a smorzare e ad annullare i colori, immergendo tutta la storia in un ipotetico villaggio del XIX secolo che non regala nulla di rassicurante, popolato di personaggi che sembrano anticipare l'inferno sulla terra e che infonde un senso di desolazione e di abbandono che ben si coniuga con le riflessioni di Faust.

Forte di un grandioso spirito romanzesco russo e sorretto da un profondo senso religioso, Sokurov regala una opera che risulta difficile abbracciare nella sua interezza , ma che comunque, proprio per questo, regala momenti indimenticabili.

After the rain [aka Ame Agaru] ( Takashi Koizumi , 1999 )

2012-01-28T14:16:00.002+01:00

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L'ombra di Kurosawa sulla storia del ronin

Opera rimasta incompiuta nelle intenzioni di Akira Kurosawa che ne scrisse la sceneggiatura, After the rain è stato portato sullo schermo da colui che, unico probabilmente,poteva richiamare più da vicino lo stile e la concezione cinematografica del grande Maestro e cioè Takashi Koizumi che di Kurosawa fu l'assistente regista per più di due decenni.

Ed in effetti, ancor prima di valutare il valore dell'opera, va subito detto che il risultato ultimo è un grande omaggio , una sorta di testamento postumo di Kurosawa e questo di per sè ne fa già un lavoro importante e da apprezzare.

Sfruttando situazioni e atmosfere che il Maestro utilizzò in abbondanza nei suoi capolavori, Koizumi dirige un film che è anzitutto l'affermazione umanistica del pensiero di Kurosawa: l'Uomo contrapposto al Samurai che incarna i valori della tradizione e della epicità , e la storia del ronin Ihei Misawa, in cui il conflitto tra valori umani e valori epici sta alla base del racconto, si risolve in un affresco carico di conflitti interiori.

La pioggia battente che apre il film rimanda immediatamente a Rashomon, con il drappello di personaggi racchiuso in una piccola locanda in attesa che la pioggia cessi e poter attraversare il fiume; tra questi il guerriero viandante Ihei con la moglie che assiste con tristezza alle liti fra i vari avventori segregati nella locanda.

Anche se il codice dei samurai impedisce la dimostrazione della propria arte nel combattimento dietro pagamento, Ihei , pur di rasserenare l'ambiente offrendo una ricca cena con sake a volontà, viene meno alla regola e questo gli impedirà di potere diventare il maestro della scuola di arti marziali che il signorotto locale vuole affidargli, sbalordito dalla sua grande bravura.

Tornato il sereno, l'uomo riprenderà il cammino con l'unica consolazione che gli viene dall'appoggio della moglie, convinto che comunque la sua scelta di violare il codice di comportamento fosse un utile e necessario gesto altruista, contrapposto alla cecità e all'integralismo delle regole feudali.

L'ottimismo che pervade l'epilogo, in cui l'Uomo sembra fondersi con una bellissima natura, è lontano anni luce dal pessismismo con cui Kurosawa osservava la condizione umana nei suoi lavori più datati; qui c'è una sorta di serena rassegnazione nell'accettazione della condizione e il messaggio forte e deciso che l'Uomo deve comunque ergersi al di sopra degli schemi sociali e delle regole rigide per portare al termine i suoi progetti ispirati all'altruismo e alla solidarietà.

Il pregio più grande del lavoro sta proprio in una perfetta lettura Kurosawiana della sceneggiatura che crea quasi l'illusione che dietro la cinepresa possa ancora scorgersi l'ombra del Maestro; Koizumi ottiene ciò delineando personaggi chiari e nitidi, mostrando una fusione uomo-natura altamente spirituale e soprattutto racconta con pacatezza, ma al tempo stesso con grande forza, il conflitto interiore dei vari personaggi (su tutti il ronin e lo shogun).

Pregevole l'interpretazione di Akira Terao nel ruolo del ronin, misurato ed efficace pur nella solennità del personaggio.

Quitting / 昨天 ( Zhang Yang / 张杨 , 2001 )

2012-01-25T16:34:00.005+01:00

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Il testamento di una vita

Il terzo lavoro di Zhang Yang, datato 2001, cioè quattro anni prima di quello che va considerato come il suo film più bello ed impegnativo, Sunflower, è una biografia sottoforma di cinema-verità di Jia Hongsheng, attore che a cavallo del finire degli anni ottanta ed inizio dei novanta si impose come una delle figure più controverse del panorama cinematografico cinese indipendente, prima che l'abuso di alcool e droga ne decretassero la fine della carriera artistica; nove anni dopo l'uscita di Quitting Jia Hongsheng pose fine alla sua vita suicidandosi, lui che aveva interpretato il ruolo principale in Frozen di Wang Xiaoshuai in cui il rapporto tra arte , morte e suicidio erano l'asse portante del film.

Una vita artistica e personale indubbiamente vissuta a mille all'ora quella dell'attore, che nel suo breve periodo di fulgore ebbe modo di lavora anche con Lou Ye, oltre che con gli altri registi citati.

Quitting è una sorta di testamento personale , prima che artistico, un progetto in cui Zhang Yang è stato in grado di coinvolgere lo stesso Jia, la sua famiglia, i suoi amici che tutti recitano se stessi nel film che utilizza una struttura mista, in parte documentaristica, in parte narrativa; fu questa anche l'ultima apparizione sullo schermo dell'attore che si ritirò quindi a vita privata, nonostante i numerosi tentativi fatti da vari personaggi dela cinema indipendente cinese di coinvolgerlo in qualche lavoro.

Alla luce della sua morte avvenuta nel 2010, la pellicola assume una luce diversa, drammatica, a dispetto del finale che lascia ampi squarci di ottimismo, dopo avere offerto momenti di drammaticità unica ( su tutti la scena degli schiaffi al padre al colmo di una farneticante discussione sul senso della vita).

Nel film seguiamo la storia di Jia a partire dal momento in cui i genitori, entrambi attori di teatro, lasciano il paese natale del nord, per recarsi a Pechino per stare vicini al figlio che aveva imboccato la strada dell'autodistruzione; qualche balzo a ritroso ci mostra come il ragazzo, allora ancora neppure trentenne, in un clima di fermento culturale underground, tra musica rock e Beatles, si fosse avvicinato alla droga e all'abuso di alcool. Il profondo disagio personale di Jia travalica nell'ossessione, nella paranoia, nella creazione di una realtà fittizia in cui lui si vede come il figlio di John Lennon; dall'altra parte gli sforzi della famiglia , soprattutto del padre che cerca quasi di diventare un suo complice morale, di fermarne la caduta nel baratro, fino all'inevitabile ricovero presso un istituto per la cura delle malattie mentali, da cui Jia esce dopo alcuni mesi apparentemente guarito ed in grado di riprendere una vita normale.

Zhang non si limita ad una semplice operazione biografica e descrittiva, cerca di presentare un ambiente culturale come quello pechinese dei primi anni novanta, fortemente influenzato da abitudini e pensieri occidentali, nella musica anzitutto, ma soprattutto pone le basi per una tematica a lui carissima e che troverà in Sunflower il massimo dell'espressione e cioè il rapporto conflittuale tra uomo e arte e tra padre e figlio, che fa si che Quitting sia ben più che un film che racconta una vita eccessiva.

Il mettere in scena un racconto in cui sono i veri protagonisti a raccontare se stessi è probabilmente il massimo dell'ideale dei registi della Sesta Generazione, attentissimi nella ricerca del realismo più assoluto, ma allo stesso tempo non perde occasione per ricordarci che di Cinema si tratta, usando l'espediente di mostrare la ricostruzione scenografica in studio della casa dei protagonisti.

Pur ovviamente non avendo neppure il sentore di quello che sarebbe accaduto 9 anni dopo, Zhang riesce a creare uno splendido e lacerante clima di abbandono interiore in cui i conflitti si susseguono senza sosta gettando una abbagliante luce profetica su tutta l'opera.

East meets west 2011 / 东成西就2011 ( Jeffrey Lau, Susie Au / 刘镇伟 , 区雪儿 , 2011 )

2012-01-21T23:45:00.002+01:00

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Immortali sulla terra

Ancora un richiamo ad opere passate per Jeff Lau che con quest'ultimo lavoro rimanda a quel The eagles shooting heroes di circa venti anni orsono che rimane a tutt'oggi una delle opere più straordinarie concepite dalla fervida mente del regista, girata quasi per gioco nelle pause della produzione di Ashes of time di cui Lau era produttore.

C'è da dire che il rimando è puramente una citazione fine a se stessa , perchè questo film non ha nulla in comune con il precedente ed in tutti i sensi, essendo questo un lavoro sicuramente da vedere ( per principio , oserei dire) ma che non si avvicina neppure lontanamente alla brillantezza di The eagle shooting heroes.

Stavolta Jeff Lau impernia il suo lavoro, come sempre ricco di fantasia sfrenata, nei tempi moderni, e ci presenta con fattezze varie otto eroi immortali che sono le reincarnazioni dei primordiali guardiani della concordia sulla terra, sin dall'inizio dei tempi.

I sette buoni ed il cattivo (tipico angelo caduto dal cielo) si ritrovano quasi per caso, allorquando scampano tutti miracolosamente ad un incidente che avrebbe dovuto stecchirli tutti.

Da qui parte il consueto e tipico baillame con chiara firma che procede in un caotico e assolutamente non raccontabile scorrere di gag , situazioni assurde, citazioni a non finire (da Shakespeare a Stanlio e Ollio), un fluire insomma di situazioni incalzanti, seppur a ritmi e con stampo anarchico molto meno accentuati del solito, che trovano il nocciolo in una riflessione sull'amore impossibile tra l'immortale buona (Karen Mok) e l'immortale cattivo ( Eason Chan), per lo meno in quella vita, in attesa di capire come finirà nella prossima, a dimostrazione del duro e difficile compito di un semidio.

Quello che manca , e si nota molto, è quell'estremizzare fino al non sense la narrazione priva di regole che solitamente appartiene al bagaglio del regista, il ritmo non è sui livelli da mal di testa e , nel complesso, le battute e le situazioni raramente raggiungono livelli da strappare risate fino alle lacrime ( una delle più belle è quella del dottore che avverte il ragazzino che il padre si è salvato , ma siccome lui non crede ai miracoli chiede al ragazzino di consigliare al padre di buttarsi da un grattacielo affinchè lui possa arrendersi al dover creder ai miracoli).

Nel complesso comunque il film vale la visione e diverte, ma chi si aspetta un Lau in forma strepitosa probabilmente rimarrà deluso nonostante la consueta parata di stelle che affollano anche questo lavoro, come sempre nei film del regista HKese: Karen Mok, Eason Chen, Ekin Cheng un grottesco Kenny Bee con capigliatura stile Beatles e svariati altri, sui quali però si erge per la ottima prova soprattutto Karen Mok.

Lover's discourse / 恋人絮语 ( Derek Tsang , Jimmy Wan / 曾国祥 , 尹志文 , 2011 )

2012-01-20T18:16:00.001+01:00

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Manuale d'amore (...vero)

Apprezzabilissima opera prima del duo Derek Tsang-Jimmy Wan, prodotta da quel geniaccio che è Edmond Pang, Lover's discourse è pellicola che lascia il segno, non passa inosservata e segnala due nuovi registi che faremo bene a tenere d'occhio in futuro.

Chiamiamolo pure manule d'amore senza che a nessuno vengano in mente improponibili accostamenti con italici pellicole : infatti sin dai gustosissimi titoli di testa si capisce subito che quello di cui si parla è l'Amore, quello con la A maiuscola, quello che per qualcuno altro non è che uno stato disforico determinato da intrecci biochimici-neurormonali e che per altri è una sorta di momento magico della vita che ognuno vive secondo il suo modo di essere.

Quello che è certo per i registi è che per capire l'amore bisogna guardare le storie che su di esso si basano e capire qualcosa da ognuna di esse, rimanendo comunque sempre alla fine un concetto misterioso , imprevedibile e con una certa dose di magia.

Il film è diviso in quattro episodi che fino a metà del racconto sembrano essere separati tra di loro ma che lentamente iniziano a convergere per confluire in un unico corpo narrativo che, seppure i vari personaggi si sfiorino appena, appare abbastanza monolitico alla fine del racconto.

Sono sfaccettature , angolazioni diverse dell'amore quelle che vengono raccontate: due amanti quasi platonici , entrambi impegnati sentimentalmente con altre persone, che vivono tra il rimorso e la nostalgia i loro saltuari incontri fatte di chiacchiere a non finire e di leggeri contatti; la passione piena di fervente fantasia di una lavorante di una lavanderia che elegge a suo totem personale un cliente di cui utilizza come simulacri personali i suoi abiti e che sogna una fantomatica storia d'amore trasposta su celluloide in cui il principe azzurro è un pupazzo stile bambolotto gonfiabile con le fattezze del suo oggetto della passione; il tradimento, l'amore impossibile e il sottile erotismo corporale della storia di una donna tradita dal marito che viene informata dall'amico del figlio, a sua volta invaghito di lei ed infine il tradimento, vero o presunto, in cui due traditi si coalizzano per cogliere sul fatto i rispettivi traditori reciproci.

Non inganni il finale baci abbracci e sorrisi, il cinismo del loro produttore nonchè nume tutelate Edmond Pang, ridonda in ogni fotogramma di questo lavoro e solo una lettura superficiale può indirizzare verso un ottimismo finale che invece è assolutamente assente.

Viceversa sembra essere proprio questa labilità dei rapporti sentimentali e delle loro dinamiche che aleggia cupa su tutto il racconto quello che realmente interessa i registi, i quali ben si guardano dall'andare a scavare in profondità nei personaggi, quasi volessero tenere fede alla premessa fatta nei titoli di testa: osservare e capire per cercare di svelare il mistero che si cela dietro l'amore.

Quello che invece fanno con piacevole bravura è creare una atmosfera a tratti sospesa, che si poggia molto su alcuni angoli di Hong Kong, grazie ad una regia precisa e pulita che ha fatto scomodare persino Wong Kar wai nei soliti e poco credibili parossismi critici; e se è vero che in certi passaggi il ritmo sembra perdere colpi pericolosamente e anche vero che ci offrono alcuni momenti davvero degni di nota (su tutti il finale con l'inseguimento in stile hitchcockiano o l'interminabile piano sequenza iniziale ) e degli ironici sguardi fetistici soprattutto su piedi e scarpe femminili.

Film da applaudire quindi con ottimistico entusiasmo, soprattutto nell'ottica di un rilancio di un genere che nella cinematografia HKese appare alquanto in affanno negli ultimi anni.

The man behind the courtyard house / 守望者：罪恶迷途 ( Fei Xing / 非行 , 2011 )

2012-01-19T19:00:00.001+01:00

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La rivincita di un uomo "romantico"

Debutto promettente per Fei Xing che scrive e dirige questo lavoro originale che lo impone come uno di quei registi da tenere strettamente sott'occhio.

Lavoro di non facile collocazione in quanto a genere, sicuramente possiamo affermare che non si tratta di un thriller classico; chi si aspetta ciò rimarrà deluso.

Il film parte come un horror con tanto di amuleti, gatti neri, case lugubri, porte cigolanti e scomparse misteriose, ambientato in un accattivante atmosfera naturale che stride con l'ambientazione oscura del racconto.

Ben presto scopriamo che l'inizio del film altro non è che la fine della storia che trova la sua origine distante nel tempo, venti anni prima quando il protagonista finisce in galera per un tentato omicidio.

Ed è proprio su questo andare a ritroso, creando un curioso ed interessante rewind narrativo, che il film poggia le sue solide basi, anche negli altri personaggi che hanno tutti qualche passato da riscattare o da dimenticare.

Il giovane uomo che deve condurre una indagine privata , apparentemente smargiasso e cialtrone , ma che porta sulle spalla il tradimento della moglie, la proprietaria dell'albergo che vive nel ricordo del marito morto, il paesano del protagonista che deve racimolare i soldi per salvare la figlia da una grave malattia: tutti personaggi che hanno col passato un rapporto conflittuale e che si parano sulla strada della rivincita e della vendetta del carpentiere protagonista.

"Sei troppo romantico" si sente spesso ripetere il protagonista, un uomo che ha lasciato la galera da poco dopo 20 anni e che sembra vivere ancora nelle tradizioni di una volta, incapace di accettare il presente mutato; ed è proprio intorno a questo assioma che si sviluppano (bene) il suo personaggio e le sue azioni.

Scorrendo indietro nel tempo il film perde il suo filo da thriller , per assumere sempre più quello di un racconto che pone al centro varie umanità barcollanti, riuscendo alla fine a coniugare in una unitaria linea sufficientemente organica tutte le tracce narrative.

Vero che alcuni momenti e talune situazioni, soprattutto il sottofinale ambientato nella sala da te di campagna, sembrano minare questa organicità , così come alcuni personaggi sembrano quasi superflui ( la proprietaria dell'albergo), ma nel complesso il film è valido e sa bene scorrere su questa multipartizione temporale che porta a riannodare tutti i fili.

Simon Yam è bravo nella parte del protagonista così come Chen Sicheng nel ruolo dell'amico per caso; degna di nota anche la prova di Zhang Jinchu, soprattutto nel mostrare le sue doti da ballerina.

Hold you tight / 愈快乐愈堕落 ( Stanley Kwan / 关锦鹏 , 1997 )

2012-01-15T22:27:00.003+01:00

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Storie d'amore ad Hong Kong

Quando Stanley Kwan presentò a Berlino Hold you tight, ricevendo anche un riconoscimento, aveva da poco annunciato pubblicamente la sua omosessualità, atto che fu una sorta di liberazione per un regista che viveva della splendida luce riflessa di Center Stage e che aveva già realizzato un autentico capolavoro 10 anni prima con Rouge.

In Hold you tight può quindi finalmente dare una libera interpretazione sui rapporti amorosi in senso più ampio ed anticonvenzionale attraverso una storia incentrata su alcuni personaggi immersi nella vita di Hong Kong.

Sono racconti paralleli che vengono a fondersi in un unica traccia ma che hanno tutti una tematica di fondo: la ricerca affannosa di un rapporto umano che li affranchi dalla solitudine.

Un uomo dalla vita brillante, amante del cinema e della buona cucina che trova nelle saune il suo effimero appagamento; un giovane bagnino da piscina indeciso sulla sua vita amorosa e sui gusti sessuali; una coppia di giovani con lui sempre immerso nel lavoro e lei insoddisfatta pronta al tradimento prima di morire in un incidente aereo, un'altra donna che è la sosia di quest'ultima che fa saltare tutte le certezze dell'amante che comprende come il vero bersaglio della sua passione fosse il marito della donna e infine la proprietaria di un video club: tutti personaggi che sono immersi in una atmosfera quasi sospesa , rarefatta, che secondo alcuni richiama alla mente Wong Kar Wai e che incrociano i loro destini in un intreccio che non ha nulla di complesso quasi fosse una naturale evoluzione della narrazione che procede , condotta in maniera egregia , lineare con frequenti salti temporali.

La riflessione sui rapporti umani, ancor prima che su quelli sentimentali, percorre il film in lungo e largo, e l'aspetto della omosessualità dei personaggi è trattato con mano ferma dal regista anche là dove fa uso di scene di sesso abbastanza esplicite, ma quello che colpisce maggiormente è che sotto quell'atmosfera apparentemente da calma piatta, pulsa un forza dei sentimenti che prorompe senza fare rumore ma che è chiarissima per chi la sa cogliere.

Il lungo dialogo che chiude il film ci da anche una chiave di lettura, tutto sommato ottimistica, sul significato ultimo della storia con l'accenno al lasciarsi dietro sempre una possibilità di scelta senza chiudersi in maniera netta troppe porte.

E' nella sostanza un film sull'amore maschile, visto che i personaggi femminili sembrano essere solo quasi delle figure di transizione, funzionali allo svolgersi della storia e al raggiungimento della chiara identità sessuale dei protagonisti, ma il fulcro emotivo del film sta nella ricerca della felicità e nell'affannoso seguire la forza del sentimento, e sono tematiche che Stanley Kwan sa plasmare come pochi nel Cinema moderno.

The killer who never kills / 杀手欧阳盆栽 ( Li Fengbo , Jimmy Wan /李丰博 , 尹志文 , 2011 )

2012-01-13T00:29:00.000+01:00

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Il killer benefattore

Altro lavoro taiwanese di grande successo in questo 2011 appena trascorso che ha confermato il buon momento cinematografico che sta vivendo l'isola-stato alle porte della Cina.

Come gran parte degli altri film che hanno sbancato i botteghini e che hanno attirato giudizi positivi da parte della critica, anche The killer who never kills si iscrive nel filone della commedia un po' romantica , un po' brillante e un po' nera nella quale si insinuano sprazzi di action movie e di dramma.

Il soggetto, tratto da un romanzo, è più che stuzzicante: un giovane killer che invece di portare a compimento l'omicidio che gli viene commissionato, rendendosi conto di come spesso la pena inflitta sia assolutamente spropositata con la malefatta, quasi sempre a carico di boss malavitosi, decide di dare una seconda chance, che significa una seconda vita, al malcapitato di turno: per la propria salvaguardia mette in scena il falso omicidio e sostituisce il cadavere con uno proveniente dall'obitorio, grazie alla complicità di un compare; siccome la cosa funziona nette in piedi pure una bella truffarella servendosi di una amica che crea identità nuove e di un assicuratore col quale fa stipulare al falso morituro una assicurazione.

Alla fine del gioco tutti contenti: il boss che crede di avere consumato la vendetta, il malcapitato che si ritrova con i soldi e una nuova identità non più mortifera e i compari che ci guadagnano sopra.

Naturalmente non sempre il meccanismo può filare liscio e se anche l'amore ci si mette di mezzo , le conseguenze possono diventare pericolose.

Fintanto che il film gioca sul lato nero della commedia funziona alla grande con momenti quasi esilaranti (il primo morituro, macchietta straordinaria, il Dott. Foreskin che conserva gelosamente tutti i prepuzi asportati nelle circoncisioni), ma quando il piano narrativo si sposta sul romantico-sentimentale o sul drammatico come fa nel finale perde molto dello smalto risultando ovvio e poco convincente.

Mantenere il filo narrativo su registri non semplici come sono quelli della commedia noir in cui si ironizza sui killer così tante volte idolatrati in certo cinema orientale non è semplice, ma per buona metà della pellicola questo avviene con vivace brillantezza, che travalica a volte nel ritmo da videoclip sincopato, anche grazie ad una carrellata di personaggi che bucano lo schermo ( il padre putativo nonchè maestro del protagonista, il boss emergente appena rientrato a Taiwan che si circonda di avvenenti e procaci guardie del corpo, alcuni dei malcapitati bersagli del finto-killer).

Peccato che quando la storia scivola su binari più convenzionali si perde molto del brio e del ritmo, cosa che conferisce al film una profonda discontinuità, vanificando però, almeno in parte, la più che buona prima parte.

Nel complesso è una prova abbastanza convincente e la pellicola si lascia gustare nelle sue parti più interessanti, così come buona è la prova degli attori, su tutti Eric Tsang nella parte del maestro professionale , ma anche di vita , del killer e Lin Chenzi, giù vista di recente in Jump! Ashin, che interpreta una delle "vittime" del killer di cui naturalmente si innamora.

Flying swords of Dragon Gate / 龙门飞甲 ( Tsui Hark / 徐克 , 2011 )

2012-01-12T20:03:00.001+01:00

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Al Dragon Gate Inn in attesa della tempesta

Accompagnato sin dal suo annuncio e per tutta la lavorazione da una attesa spasmodica per essere il primo wuxia in 3D, l'ultimo lavoro del grande Tsui Hark ha visto la luce raccogliendo un grande successo, mostrando , almeno in questo, la bontà dell'operazione.

Se a ciò aggiungiamo il fatto che lo stesso regista fu il produttore nonchè sceneggiatore del celebre remake del 1992 , ispirato a sua volta all'originale capolavoro di King Hu di 25 anni prima e che questa pellicola in qualche modo si erge ad ideale sequel (ma fino ad un certo punto), le aspettative risultano più che motivate.

Ambientato durante la dinastia Ming, tre anni dopo i fatti raccontati nel film originale (e qui finiscono le analogie e i riferimenti finalizzati solo al richiamo di alcune situazioni riguardanti i personaggi), la locanda immersa nel deserto diviene stavolta il teatro della messinscena dell'avidità, della corruzione e della sete di ricchezza dell'ambiente imperiale dominato dagli eunuchi, tra truppe imperiali, masnade banditesche , eroi solitari e traditori.

Da questo punto di vista è strettissimo il riferimento all'originale, soprattutto per quanto riguarda la struttura narrativa , tutta racchiusa nell'ambiente della locanda fra trame e sotterfugi.

Ma l'appuntamento nel deserto stavolta è per l'attesa di un tempesta di sabbia che si verifica ogni 60 anni, preceduta dal presagio del volo di uno stormo di corvi neri che oscura il cielo, che riporterà alla luce l'antica capitale della dinastia Xia Xia in cui è conservato un favoloso tesoro.

Facendo sfoggio della sua proverbiale fantasia immaginifica e stupefacente, soprattutto nella descrizione dei personaggi, Tsui Hark costruisce un wuxia classico in cui duelli di spada (armi bellissime), salti e prodigi abbondano, accompagnati, secondo i canoni a lui propri, dalle tematiche sull'epico eroismo solitario e sulla protervia e la corruzione del potere, dalle figure femminili che rubano lo schermo, dalle storie d'amore tribolate e senza mai conclusione; ma quello che più si impone , e non poteva essere diversamente per un 3D, è un massiccio e frequente ricorso a effetti speciali condotti con un digitale piuttosto invadente che a volte insinua il dubbio che sia il fine ultimo del lavoro.

Il film comunque ha il suo valore, soprattutto se lo si considera nell'ottica del genere cui appartiene di diritto, e , come detto, offre il meglio di se nel tratteggio dei vari personaggi siano essi eunuchi o banditi tartari; nasconde forse, nelle sue viscere, una metafora sulla storia della Cina moderna pervasa da una sfrenata ricerca della ricchezza e conferma la bravura tecnica di Tsui Hark nel ricostruire ambientazioni storiche credibili.

Rimane, come piccola ma insistente ombra, la sensazione che il ricorso alla spettacolarizzazione forzata grazie ad effetti speciali presentati a profusione prenda un po' troppo il sopravvento sull'aspetto narrativo che in qualche passaggio sembra alquanto superficiale.

Attori in buona forma a partire da un Jet Li palesemente invecchiato e col volto che inizia a segnarsi (ma il tempo passa per tutti...), il superalgido ed effeminato più che mai Kun Chen ed un bel quartetto femminile (Zhou Xun , Mavis Fan , Li Yuchun e Guey Lunmei ) che spesso si erge a cardine di tutto il film.

Melancholia ( Lars Von Trier , 2011 )

2012-01-04T20:10:00.000+01:00

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E' la fine dell'Uomo

Le laceranti e splendide note wagneriane del Tristano e Isotta aprono il prologo di Melancholia che contiene nei pochi minuti della sua durata il nucleo caldo di tutto il film: quadri che prendono vita, immagini rallentate dei personaggi che affondano e arrancano, cadaveri di uccelli che piovono dal cielo, il ragazzino col coltellino, il cavallo che si accascia, tutti momenti che troveremo dilatati e sottolineati ancora dalla musica di Wagner nell'apocalittico e necessario finale straziante.

Al prologo seguono due capitoli intitolati col nome delle due protagoniste, due sorelle, Justine e Claire cui Lars Von Trier cede il testimone (alla faccia della misoginia millantata) per raccontare lo sfacelo e la fine del mondo interiore dell'umanità che si accompagna alla catastrofe imminente.

Primo capitolo in perfetto stile "dogmatico" che cita quasi pedissequamente quel Festen di uno dei colleghi e amici di Von Trier nell'ambito del "Dogma": è la messinscena di una borghesia decadente, corrotta eticamente, votata all'autofagia, impersonata da una famiglia riunita per le nozze di Justine, la quale, epigono della catastrofe umana, trova nelle nozze l'epilogo della sua corsa verso il nichilismo e la depressione, contrapposta al rigido formalismo che impone anche l'orario per il taglio della torta nuziale.

Nel cielo inizia a prender forma Melancholia, un pianeta in rotta di collisione con la terra che proprio Justine vede per prima, sentendo l'affinità distruttiva che esso conduce.

Secondo capitolo dedicato a Claire, la faccia razionale di Justine, legata alla sorella da un amore morboso in cui si insinua anche l'odio: Justine giunge nella splendida villa, con tanto di campo di golf annesso, in preda ad una profondissima depressione, la sua esistenza è ormai segnata ma con Melancholia che diviene sempre più opprimente sembra sorgere in lei una serena rassegnazione che si trasforma in attesa di un atto purificatore auspicato.

Claire invece teme il pianeta, vorrebbe avere un futuro per lei e il figlioletto, non le bastano le rassicurazioni del protettivo marito studioso di astri e l'incedere del pianeta sempre più vicino fa sorgere in lei l'ansia; la natura che ha perso da tempo immemore l'armonia con l'uomo da segni inequivocabili: nevicate col sole, campi elettromagnetici impazziti, animali in agitazione, aria rarefatta: tutto preannuncia la fine imminente cui solo Justine va incontro con la rassegnazione apatica di chi aspetta da tempo questo attimo.

Il finale imponente nel suo drammatico incalzare in cui la fatiscente capanna che dovrebbe proteggere si erge a patetico e irrisorio baluardo lancia il suo ultimo dardo avvelenato: "la terra è corrotta" ripete Justine e merita una fine così catastrofica; stavolta il grido di Lars Von Trier non esce dalla bocca di un animale parlante come avveniva grottescamente in Antichrist, stavolta è l'uomo stesso che ha capito di avere passato in maniera irrecuperabile il limite.

Costruendo due parti una funzionale all'altra, Von Trier mette in scena il tramonto dell'uomo, che non può che avvenire in maniera apocalittica; cita in modo raffinato Kubrick e Tarkovski, Shakespeare e Vinterberg, posiziona la musica armoniosa e solenne di Wagner nei momenti topici, regala immagini e momenti sublimi ( il prologo metafisico-cosmologico, il bagno nuda al chiaro di Melancholia di Justine), racconta il dolore vero , quello che angoscia con lucidità grandiosa,costruendo semplicemente uno dei suoi film più belli, di quelli che possiedono le stigmate del capolavoro.

Nello stesso anno in cui Malick ci da la sua visione sull'essenza più profonda del mondo, Von Trier ci sbatte in faccia la sua fine senza appello; che lo caccino da Cannes per le panzane che spara, che certa critica continui a non capire nulla del personaggio alimentandone lo spirito pseudodissacratore; a noi interessa che continui a regalarci per tanto tempo ancora film che rimangono negli occhi e nel cuore indelebilmente, come fa Melancholia.

Frozen / 极度寒冷 ( Wang Xiaoshuai / 王小帅 , 1997 )

2012-01-04T14:30:00.003+01:00

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L'arte e la morte

Girato nel 1994 sotto lo pseudonimo di Wu Ming (Anonimo) a causa della censura che lo aveva posto nella black list per il suo primo lavoro, Frozen ha visto la luce , lontano dalla Cina, solo nel 1997 , grazie al meritorio apporto dato da una casa di distribuzione olandese che lo presentò al Festival di Rotterdam.

Wang Xiaoshuai è probabilmente uno tra i registi verso cui la censura cinese ha calato la scure con maggiore virulenza, a partire dai suoi primi lavori e Frozen non poteva certo sfuggire alla regola , pur non presentando chiare e dirette denunce del sistema politico cinese; è semmai il trattare argomenti considerati scabrosi dalle autorità che ha impedito a questo lavoro di vedere la luce in patria.

Ispirato ad un fatto vero accaduto nel 1994, il film racconta una storia ambientata nel sottobosco underground artistico di Pechino, dove la ricerca dei confini dell'arte spazia dalla rappresentazione di disgustosi pasti a base di saponette alla messa in scena della morte.

Qi Lei è un giovane artista che si muove nell'arte figurata tra dipinti e rappresentazioni , ossessionato dalla morte come specchio della vita, che vorrebbe mettere in scena il suo suicidio come atto estremo di ribellione e di liberazione e al contempo come affermazione suprema dell'individualità artistica.

Ma , come gli predice un saggio al modico prezzo di 20 yuan, "alla morte segue sempre la vita" secondo la classica e circolare concezione buddhista e la grande illusione che mette in scena lo porterà diretto verso la morte vera, dopo aver toccato con mano come la morte non è simulabile in alcun modo e che vivere la morte è forse peggio che vivere la vita.

Già agli esordi Wang mostra un interesse spasmodico per l'arte figurata, per lui di importanza fondamentale nella sua formazione culturale, soprattutto come veicolo dell'affermazione individuale (concetto che alla censura fa venire i brividi); ma in questo lavoro, molto grezzo anche se già ispirato da una concezione visiva ben strutturata, le riflessioni vagano anche verso la morte e la vita, il suicidio come atto di affermazione individuale, la famiglia e i legami affettivi, l'emarginazione, il cinismo di chi vorrebbe speculare sull'arte, l'impossibilità di capire in concetto estremo della raffigurazione della propria morte.

Wang dilata i tempi e i ritmi fino all'estremo, probabilmente andando anche oltre, ma lo stile che lo porterà ad affermarsi in tutto il mondo, con una precisa ricerca dell'immagine e della inquadratura è già ben presente e dona alla pellicola quel marchio inconfondibile che accompagnerà sempre i suoi lavori seguenti.

Se un difetto va cercato nel film, ed è abbastanza visibile, è un certo intellettualismo estremo di cui per un certo periodo il cinema cinese d'autore si è ammantato, generando luoghi comuni dozzinali a non finire.

Nel complesso il film ha il suo valore, soprattutto se visto alla luce della filmografia complessiva del regista e getta le basi su quella concezione dell'arte e dell'individuo che fanno parte indissolubile del credo cinematografico di Wang Xiaoshuai.

Mr Tree / Hello！树先生 ( Jie Han / 韩杰 , 2011 )

2012-01-03T19:06:00.003+01:00

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La metafora immersa nel sogno

L'opera seconda di Jie Han giunge con il cappello protettivo addirittura di Jia Zhangke in veste di produttore (ed in un certo qual modo anche di ispiratore occulto) ed il risultato è piacevolmente sorprendente: un film in cui l'aspetto tanto caro a Jia, in cui si scruta una provincia cinese che appare abbandonata alla deriva si fonde con una visione onirica-spirituale che nasconde una chiara metafora sull'odierna società cinese.

Il racconto ruota intorno a Shu ( che significa albero, nome non casuale), personaggio mezzo stravagante mezzo emarginato, che vive nella profonda provincia del paese in uno di quei villaggi in cui il tempo sembra fermo, non fosse per i cellulari e per qualche auto moderna che gira per le strade scalcinate spesso ricoperte di neve. Come molti luoghi della provincia anche il villaggio in cui vive Shu deve lasciare spazio alla miniera di carbone che serve ad alimentare il sogno di ricchezza oltre che ad impestare l'aria ed intorno crescono delle "luminose" new town, come ossessivamente propaganda il camioncino con l'altoparlante che vediamo spesso girare per le vie.

Per l'uomo però questo non appare un problema, segnato come è dal ricordo di un padre e di un fratello entrambi morti, quest'ultimo in circostanze atroci: i morti popolano i suoi sogni ,soprattutto il padre tirannico, mentre del fratello non riesce ad avere notizie dall'aldilà.

Emarginato e spesso deriso dai coetanei, un fratello che vede in lui solo un mezzo scemo, una madre anziana, amici che tornano dalla città dove hanno trovato una collocazione sociale più degna, Shu si innamora di una giovane sordomuta che presto sposerà.

Dal giorno del suo matrimonio il racconto della storia di Shu intraprende la via segnata dai sogni, dalle premonizioni, da una realtà quasi parallela in cui l'impossibile sembra avverarsi, e ci conduce ad un finale molto sfumato in cui la metafora dell'esistenza umana e della società si incontrano.

Nella prima parte il film sembra ricalcare quel cinema proprio di alcuni registi della Sesta Generazione, tra cui Jia stesso, ricco come è di descrizioni sociali e di prospettive che cambiano sotto i colpi della modernizzazione cui anche la provincia ormai non può sottrarsi: le strade del villaggio di Shu, le facce, le case , gli abiti, tutto sembra richiamare alla mente quei lavori che raccontano come lontano dalle grande metropoli cambia la vita della gente comune.

Quando però Jie Han, con grande tempismo , getta sul piatto della bilancia la sua visione ricca di metaforici sogni e di soprannaturale, la narrazione prende una via che traspira poesia e soavità sorprendenti e ci racconta di migrazioni, di abbandoni, di famiglie spezzate e di radici frantumate con una forza ed efficacia che non sempre si trovano nei film in cui l'aspetto sociologico del cambiamento in corso nella vita di tanti cinese è la trave portante della pellicola.

Ed è proprio in questo aspetto, a metà tra sogno e spiritualità, che il lavoro di Jie Han trova la giusta via per fare centro, risultando un film che sa anche quasi "divertire" con toni a tratti leggeri, che trascinano però con sè sempre tematiche profonde.

Piccolo discorso a parte merita la fantastica prova interpretativa di Wang Baoqiang, senza la quale probabilmente il film non avrebbe avuto lo stesso impatto: con una bravura straordinaria riesce a dare un volto cui ci si affeziona subito a Shu, perennemente con la sigaretta in mano, spesso stralunato e perso nella ricerca dei suoi sogni.

Jump ! Ashin / 翻滚吧！阿信 ( Yu-Hsien Lin / 林育贤 , 2011 )

2012-01-02T15:49:00.003+01:00

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La rivincita nella ginnastica

Tratto da una storia vera , come tiene a precisare il regista sin da subito nei titoli di testa, Jump ! Ashin ha riscosso un grande successo ai botteghini taiwanesi, confermando la eccellente stagione cinematografica per la cinematografia dell'isola stato.

Pur non brillando certo per originalità rispetto alle tematiche trattate , il film è un lavoro che ha i suoi lati positivi basandosi su un racconto che vuole essere uno specchio generazionale in un contesto problematico quale era la società taiwanese negli anni 90, periodo in cui si svolgono i fatti.

Ashin è un ragazzino che cova la passione per la ginnastica, tra salti capriole e verticali, la madre lo avvia quindi allo sport affidandolo alle cure dell'allenatore della squadra di ginnastica, cui il ragazzino regala molte soddisfazioni grazie al suo talento innato.

Anni dopo troviamo Ashin ormai ragazzo costretto dalla madre ad abbandonare lo sport per rendersi utile col lavoro per tirare avanti la famiglia che è priva del capofamiglia morto prematuramente; sarà un abbandono cui il ragazzo non si rassegnerà mai, neppure una volta trovato il lavoro come porta pacchi.

All'insoddisfatto e frustrato Ashin non rimane altro che trasformarsi in un bulletto di provincia sempre pronto , in compagnia del compare Pickle, a menare le mani e le mazze da baseball, sempre con movenze ginniche però, fino a sprofondare negli anfratti più bui della delinquenza, al punto di dover fuggire dalla città natale a causa di un grosso problema avuto con il figlio del boss locale.

La fuga a Taipei sarà tragica e convincerà ancora di più Ashin che il senso della sua vita sta nella ginnastica. Progetta quindi il ritorno alla casa natale, con il carico di disperazione per la morte dell'amico fraterno, incontra il boss per cercare di risolvere il problema e si dedica quindi nuovamente allo sport.

All'interno del filo narrativo principale c'è anche spazio per un rapporto affettuoso assolutamente anonimo con l'operatrice telefonica di un servizio di segreteria, che tanto casuale, scopriremo alla fine, non è.

Se il filo conduttore principale del film è una classica storia di vittorie e sconfitte, rivincite e rimorsi , va detto che Yu-Hsien Lin riesce a trattarlo con apprezzabile equilibrio, andando a gettare lo sguardo sempre sull'aspetto positivo ed ottimistico della vicenda: tutti i personaggi, anche quelli che sembrano avvolti a prima vista di un alone negativo, sanno mostrare il loro lato più luminoso, spinti anch'essi dal ricordo o dal rimpianto.

Un'aura paternalistica avvolge tutto il lavoro che si trasforma nel trionfo della risalita dopo la caduta nell'abisso: Ashin scopre la verità sulla sua infanzia difficile, diventa il simbolo di una rivincita personale che è quella comune a tutti coloro che hanno un sogno da inseguire e che gli regala , nel tenace inseguimento dei propri limiti, una affermazione personale.

Dove la pellicola mostra i suoi limiti maggiori è in una certa superficialità dei personaggi trattati di cui spesso è difficile comprendere le dinamiche personali, compreso l'insinuante dubbio sul rapporto tendenzialmente omosessuale tra Ashin e Pickle e in un ritmo che presenta notevoli e frequenti cadute fino ad un epilogo che appare ovvio e forzato nel contempo.

Nel complesso però la parabola buonista sulla capacità di redenzione del "sogno" tiene, ed il film si lascia vedere con sufficiente interesse.

The flowers of war / 金陵十三钗 ( Zhang Yimou / 张艺谋 , 2011 )

2012-01-01T23:44:00.002+01:00

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La salvezza nel massacro

Se il melenso City of life and death veniva accusato di essere poco cattivo con i diavoli giapponesi, l'ultimo lavoro di Zhang Yimou, che ha come scenario gli ultimi giorni della presa di Nanchino, subirà sicuramente critiche nel senso opposto: in effetti , come da un po' il regista va ripetendo nei suoi lavori, una bella iniezione di nazionalismo aspetta chi si accinge alla visione delle quasi due ore e mezza di film.

Va subito detto però che rispetto al lavoro di Lu Chuan, pur mantenendo l'abito della grande produzione kolossal dal budget spaventoso, la mano di Zhang si vede tutta ed il risultato è sicuramente più valido; a ciò va aggiunta la presenza di Christian Bale, star indiscussa del cinema occidentale, che completa il menu in maniera grandiosa.

Il massacro di Nanchino sta diventando per i cinesi una sorta di ossessione nazionalistica, un simbolo come lo fu Auschwitz per gli ebrei e la volontà di combattere la corrente revisionistica nipponica che tende a minimizzare la tragedia è tanto più forte man mano che la propaganda giapponese si insinua anche in occidente.

Non poteva sfuggire a questo compito storico un regista come Zhang Yimou, da anni ormai ben allineato con la classe dirigente cinese, dando un crisma di sacralità all'evento dall'alto della grande considerazione che il regista gode in tutto il mondo.

L'episodio narrato è liberamente ispirato al romanzo di Geling Yan "The 13 women of Nanjing" e narra di un occidentale, becchino per professione, che nel caos che regna durante il tentativo di fuga dalla città si ritrova nella chiesa cattolica di Nanchino, dove 13 ragazzine della scuola parrocchiale si nascondono dalla furia dei giapponesi. Presto a queste ragazzine si aggiungeranno alcune prostitute del bordello di lusso che cercano anche loro rifugio nella chiesa; per il becchino e ubriacone John non rimane altro da fare che fingersi, obtorto collo, un prete cattolico per cercare di salvare la pelle.

Ma quelli che sembrano dei ruoli ben definiti con la paura che incombe, la solidarietà che cresce, l'umanità che viene a galla quando di fronte c'è solo barbarie, ben presto subiranno una metamorfosi che farà sì che John verrà considerato dalle ragazze tutte come un vero prete una volta indossata la tonaca per mimetizzarsi, lui stesso come tale si comporterà dando coraggio e proteggendo le ragazze, le prostitute come estremo atto catartico si sostituiranno alle ragazzine per essere gettate in pasto ai giapponesi, le giovani studentesse, dapprima sospettose verso le prostitute troveranno nelle navigate ragazze di vita delle sorelle maggiori a cui affidare la propria salvezza.

E' insomma un tornado purificatore e redentore quello che si abbatte sulla chiesa nella quale si consuma il dramma degli ultimi fuggiaschi di Nanchino e la figura del finto prete (nella realtà l'episodio ha come protagonista un prete vero) diviene il catalizzatore di tutti gli eventi miscelando con sapienza pietose bugie e verità, iniezioni di coraggio e di pietà, dispensando anche l'amore carnale verso Yu Mo , la più spigliata e affascinante delle prostitute.

La ricostruzione della città distrutta è ben fabbricata e il microcosmo della chiesa nella quale sono in gioco le esistenze di giovani ragazze si impone subito come il cardine del film; a parte una iniziale scena dominata dalla nebbia , dalla corsa dei fuggiaschi e dagli spari, c'è poco spazio per le scene di guerra, il regista preferisce incentrare il racconto sulla vita pervasa dal terrore delle protagoniste e sul processo di redenzione che si attua sull'ubriacone John, investito quasi di un mandato mistico.

Accusare Zhang di nazionalismo per questa pellicola credo sia esercizio per lo più inutile: che a Nanchino si sia perpetrato uno tra i massacri più ignobili della storia dell'umanità ormai è chiaro a tutti e pretendere un asettico equilibrio di giudizio quando sappiamo ormai che cinematograficamente i film con tema la guerra sono sempre tagliati con l'accetta a delimitare i buoni dai cattivi è esercizio superfluo.

Il film offre momenti di sincera commozione, permeati dal dramma incombente ( il trucco che subiscono da parte di John le prostitute per somigliare alle ragazzine, il ruolo dell'ufficiale cinese che cerca eroicamente di difendere da solo la chiesa), forse inciampa un po' nella seconda parte in attesa dell'epilogo,ma nel complesso è un lavoro in cui la mano sapiente di Zhang si apprezza, non prende mai in maniera netta derive che portano alla facile commozione e preferisce invece insistere sull'aspetto profondamente umano che detta i comportamenti dei protagonisti.

Oltre a Christian Bale, molto bravo nel calarsi nel ruolo, troviamo Ni Ni nella parte di Yu Mo, affascinante nel suo ancheggiare nel vestito a fiori e Tong Dawei nella parte dell'eroico ufficiale cinese.

Non è difficile immaginare che l'accoglienza entusiasta ricevuta al botteghino nelle prime settimane si protragga nel tempo fino a portare The flowers of war in cima al box office di tutti i tempi in Cina.

A beautiful life / 不再让你孤单 ( Andrew Lau / 刘伟强 , 2011 )

2011-12-31T19:08:00.001+01:00

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Concentrato di drammi e sventure, ma la vita è bella

Relegato a gloria imperitura per la trilogia di Infernal Affairs di cui è coregista insieme ad Alan Mak, Andrew Lau ha imboccato da diverso tempo ormai la strada del film commerciale definito in senso lato mainstream e anche l'ultimo lavoro, A beautiful life , non sfugge a questa tendenza.

Sicuramente Lau sa come accalappiare lo spettatore, mettendo in scena due attori tra quelli che vanno per la maggiore, imbastendo una storia che colpisce emotivamente (anche troppo probabilmente) e come se non bastasse inserisce nel cast niente meno che un pluricampione olimpico cinese, Tian Liang,alle prime apparizioni come attore.

Il film, pur vivendo di genuina emotività e di sincero (melo)dramma, sfugge però di mano al regista nella seconda parte che si trascina sempre più stancamente fino ad un epilogo francamente poco riuscito e incoerente col resto della narrazione.

E' la storia, ambientata a Pechino, di un incontro casuale tra una agente immobiliare ed un poliziotto, in cui il destino beone ci mette lo zampino; entrambi soli, con storie famigliari e personali alla spalle poco edificanti, complice la sbronza della protagonista Li Peiru che si ritrova tra le braccia del taciturno Fang Zhengdong, si incontrano quasi fosse un appuntamento dato chissà quando, tanta è la naturalezza e la semplicità con cui iniziano a frequentarsi; l'uno che sente crescere il sentimento , l'altra che tra una sbronza e l'altra cerca solo di fuggire alla solitudine e alla insoddisfazione. Come non bastasse lui soffre di una precoce forma di demenza, esito di un trauma ricevuto sul lavoro, lei viene licenziata e biecamente mollata dall'amante sposato: sono gli eventi che porteranno una nelle braccia dell'altro, quasi fossero un completamento reciproco.

La malattia di Fang avanza, arriva pure un bebe che porta gioia ma acuisce il senso di inadeguatezza dell'uomo malato , il quadro si completa con l'idillio tra il fratello minore di Fang, affetto da turbe psicologiche, e una ragazza muta. Il finale sembra volere portare un minimo di chiarore in una trafila di sventure difficili da concepire, ma non convince per nulla, anzi semmai ottiene l'effetto contrario.

Se nella prima parte il film è ben costruito, soprattutto nel rapporto che si instaura tra i due protagonisti, scandito dalla vocina di Li che chiama in continuazione per nome e cognome, come è usanza tra l'altro in Cina, il suo amico, quando il dramma inizia ad incombere in maniera possente la pellicola si gioca in pochi attimi quanto di buono aveva creato fino ad allora.

Poi, e va detto ancora una volta, i registi HKesi come Lau hanno nel dna la capacità di trattare temi che potrebbero sembrare sdolcinati fino al melenso con una genuinità e una naturalezza che li fa apparire spontanei e piacevoli, ma ciò non toglie che nella seconda parte il film sembra più un concentrato di sventure e di drammi senza fine che una storia drammatica.

Nel complesso il film merita la visione, se non altro per le tematiche sulla solitudine urbana e per qualche momento che genera sincera commozione e soprattutto per la prova degli attori protagonisti , Shu Qi e Liu Ye , che danno vita a due personaggi efficaci e che attraggono subito le simpatie: lui taciturno, animato da confuciana solidarietà famigliare nella cura del fratello e paziente e disponibile con la sua nuova amica; lei misto di isteria, tenerezza , bellezza conturbante e comportamenti da ubriacona molto verosimili; tutto sommato bene se la cava il tuffatore Tian Liang nella parte del fratello di Fang ed infine non si può non sottolineare l'ennesima perfetta prova di Anthony Wong in una parte secondaria, quella dell'amico non vedente.

Cold steel / 遍地狼烟 ( David Wu / 胡大为 , 2011 )

2011-12-26T22:44:00.004+01:00

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Pallottole e amori

Il regista di Cold Steel , David Wu , è stato per molto tempo, tra l'altro, il montatore fedele di John Woo, e partendo da questa banale annotazione biografica, si può già dare conto di questa pellicola ambientata durante l'invasione giapponese della Cina.

Quanto di John Woo, e di quello che ha significato il suo cinema agli albori fino alla parentesi hollywoodiana, è contenuto in questo lavoro salta subito all'occhio, in quanto il regista sembra proprio volerci subito rimettere sul quel binario cinematografico in cui epica e fratellanza, virilità ostentata e melodramma si uniscono per fondersi in un racconto che rimanda a quei temi tanto cari a John Woo, soprattutto per quanto riguarda quella visione nostalgia e un po' fuori dal tempo.

Protagonista del racconto è un cacciatore che aspetta le prede appollaiato sugli alberi, fino al giorno in cui dal cielo piove un aereo in fiamme che lancia sul terreno un soldato americano cui i presterà soccorso e che verrà ricompensato col regalo di una pistola automatica e con l'insegnamento del tiro di precisione.

La mira eccezionale del ragazzotto lo salverà dal plotone di esecuzione allorquando, arrestato per avere ferito dei militari cinesi per difendere la proprietaria di una sala da te del suo villaggio, salverà i suoi carcerieri usando con precisione infallibile la sua mira contro i cecchini giapponesi.

Arruolato nella squadra dei tiratori di precisione diretta dallo scontroso ma leale sergente Mingzi, il ragazzo si appresta a compiere azioni rischiose in cui la sua infallibile mira deve mettere fuori uso un po' di ufficiali giapponesi.

Gli eventi della guerra e quelli personali, che ruotano intorno alla storia d'amore tra il protagonista e la proprietaria della sala da te, a sua volta vedova di guerra, procedono di pari passo fino a convergere in un finale in cui fischiano le pallottole, cadono le bombe e tutte le storie trovano una conclusione.

Se come film di guerra in senso stretto, Cold Steel presenta più di un difetto (la mancanza di ritmo su tutto), come racconto sulla fenomonologia della guerra in rapporto con le piccole esistenza umane ha il suo valore, proprio perchè come già detto, attinge a piene mani all'oasi johnwooiana da cui sgorgano epicità, onore,fratellanza e destino: la guerra come specchio per tante esistenze, tutte più o meno segnate da un passato difficile che sovente torna a galla sotto forma di ricordi, ed è in questa lotta impari tra l'individuo e l'evento bellico che risiede tutta la poetica del film, che sotto questo aspetto risulta indubbiamente bello e convincente.

La storia d'amore tra il soldato e la tenutaria del salone da te, quella accennata tra il commilitone del protagonista e l'aiutante della sala da te, persino quella tra l'odioso ufficiale giapponese e l'infermiera al seguito sono tutte il contraltare alla violenza della guerra e alle esistenze spezzate; storie d'amore cui la guerra traccia la strada in maniera inequivocabile e che danno un senso alle presenze femminili del film, funzionali solo a questo aspetto.

Che poi il film sia pervaso di quella visione dicotomica secondo cui tutti i buoni stanno da un parte e i cattivi tutti dall'altra e di una certa retorica nazionalistica è pegno inevitabile da pagare in un lavoro che ha come argomento l'occupazione giapponese della Cina, senza peraltro scadere mai a livelli imbarazzanti.

Peter Ho risulta credibile nella parte del cacciatore sempliciotto arruolato obtorto collo e Tony Leung Ka Fai da il giusto grado di rudezza e di lealtà alla figura del sergente; nel ruolo della tenutaria della casa da te Song Jia se la cava tutto sommato bene, in un ruolo essenzialmente secondario.

The warring states / 战国 ( Chen Jin / 金琛 , 2011 )

2011-12-24T15:20:00.000+01:00

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L'arte della guerra e il melodramma

Il periodo storico denominato deli "Stati Combattenti" si colloca immediatamente a ridosso del 221 AC , anno in cui il Re Qin. sottomettendo tutti gli altri regni, si proclama Primo Imperatore della Cina unificata e diede inizio alla breve dinastia Qin, la prima della serie di dinastie regnanti nell'Impero per due millenni ed oltre.

E' questa l'epoca in cui si colloca The warring states guardandosi bene però dall'avere pretese storiche e tralasciando qualsiasi aspetto politico-sociale che possa chiarire un periodo turbolento e allo stesso tempo importantissimo nella storia cinese.

Tutto l'aspetto storico del film si incentra sulla figura di Sun Bin, allievo di Sun Tzu, autore di uno tra i testi più famosi della letteratura cinese e cioè quell'"Arte della guerra" che ancora oggi è oggetto di studio in tutto il mondo, sulla generalessa del regno di Qi Tian Xi e su Pang Juan , anch'esso allievo di Sun Tzu, al servizio del regno di Wei.

Alcuni momenti del film ricalcano quasi fedelmente le biografie dei due strateghi, compresa la battaglia di Mailing, ma accanto all'appena accennata maestria strategica e tattica dei due , la narrazione si impelaga troppo colpevolmente sul filone melodrammatico dell'amore tra Sun Bin stesso e la generalessa Qi.

Anche l'aspetto della fratellanza che lega Sun Bin e Pang Juan, ora servitori di due sovrani contrapposti, in un epoca in cui le guerre e le alleanze tra i sette regni cambiavano ad ogni stormire di fronda, è poco sviscerata, se non nell'aspetto più controverso che vede Juan venire meno all'amicizia fraterna in favore della ragion di stato.

I cardini del film quindi si riducono ad essere il prezioso trattato di Sun Tzu ,di cui Sun Bin si ritiene essere l'unico depositario e che sarebbe risolutivo per il regno che ne entrasse in possesso, e la storia d'amore tribolata tra lo stratega e Tian Xi che naturalmente finisce a lacrime e sangue.

Affrontare di petto l'aspetto più strettamente storico sarebbe indubbiamente stata impresa non facile e avrebbe ristretto il gradimento ad un pubblico limitato che fosse a conoscenza di quel periodo storico complesso, ma l'operazione messa in piedi sembra solo un epico e affascinante contenitore in cui calare un racconto di amori tribolati, di intrighi e di crudeltà.

Quello che consente alla pellicola di raggiungere la sufficienza è una indubbia veste da kolossal in cui le ricostruzioni delle battaglie, delle città e dei costumi è molto ben riprodotta regalandogli quell'atmosfera epica che inevitabilmente affascina; a ciò si contrappone una certa povertà nell'approfondire alcuni aspetti e alcune relazioni tra i vari protagonisti che sembra talora sfociare in approssimazione se non quando in confusione.

Nel cast fanno la loro parte in maniera convincente Sun Honglei nel ruolo di Sun Bin e un bravissimo Francis Ng nei panni di Pang Juan.

Night market hero / 鸡排英雄 ( Yeh Tien-lun / 叶天伦 , 2011 )

2011-12-23T13:20:00.002+01:00

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Le tradizioni di Taiwan tra filetti di pollo e bistecche

L'opera prima del regista figlio d'arte Yeh Tien-lun ha sonoramente sbancato i botteghini di Taiwan in un momento in cui la cinematografia di quel paese sta vivendo una rinascita notevole , non solo dal punto di vista commerciale ma anche da quello della qualità.

Vedendo il film non è difficile capire perchè abbia avuto tale successo, visto che di pura commedia popolare si tratta, con tanto di partecipazione corale di grandi star del cinema taiwanese, che punta molto sulle tradizioni e sui costumi locali al punto di generare in certa critica occidentale (giudizio a mio avviso inconcepibile) la convinzione che il film possa risultare comprensibile a pieno solo dagli autoctoni dell'isola.

In effetti non è così, perchè comunque sono tematiche che seppur condite con una forte tinta folkloristica, sono assolutamente universali e basta conoscere un minimo certe realtà orientali, cosa che molta critica occidentale non fa forte della sua convinta centralità culturale, per poter dire che il film non solo non è incomprensibile per i non taiwanesi, ma anzi riuscirebbe a risultare interessante anche al grande pubblico occidentale, abituato alla valanga di commedie più o meno svaccate e ridanciane.

Il centro del racconto è il mercato notturno 888 , cuore pulsante del quartiere come lo erano una volta anche da noi i cortili interni dei grandi caseggiati, nel quale ,oltre a contendersi gli avventori a base di specialità culinarie, pulsa una vita quotidiana fatta di ricordi, di affetti e di contrasti, quasi un microcosmo che vuole perpetuate le usanze e le tradizioni di Taiwan.

Come rappresentante sindacale del mercato viene eletto Ah Hua, giovane dinamico e ben voluto da tutti, con un passato famigliare triste e che vive con la vecchia nonna; questo mondo che può apparire quasi fuori dal tempo è minacciato dalla potenza degli immobiliaristi senza scrupolo che vorrebbero chiudere il mercato per costruire enormi edifici commerciali e residenziali, spazzando così via famiglie e tradizioni.

Dietro a questo filone si nascondono ricordi di vita passati, episodi di grande umanità, amori che nascono quasi per sbaglio, prepotenze e cinismo che però nel finale pieno di sorrisi e di balli si sistemano tutti al posto giusto.

Il film possiede sicuramente un ritmo piacevole, sostenuto soprattutto da dialoghi serrati e divertenti e da personaggi curiosi e ben caratterizzati, rimanda sempre alla difesa delle tradizioni e della memoria minacciate da una impetuosa modernità incalzante; parte bene con uno spaccato di vita del mercato molto colorato nei suoni, nelle parole e nelle immagini, ma poi si adagia sempre di più su temi da commedia stereotipati disperdendo quella carica di umanità variopinta che lo aveva tenuto in piedi per la prima parte e termina con i buoni che rimangono buoni, i mezzi cattivi che si redimono e i cattivissimi che finiscono male.

Nel complesso il film si guarda con leggerezza, ma l'avere lasciato cadere nel vuoto tutta la forza trainante del folklore locale in favore delle atmosfere da commedia pure ha senz'altro nociuto alla complessiva valutazione del lavoro.

Come detto compare nel film, a conferma delle intenzioni di ancorare la pellicola alle tradizioni taiwanesi , Hsieh Yu-chen, vecchia gloria del cinema , nel ruolo del redento zio Chang e Lotus Wang e Chu Ko-liang, anch'essi attori stimati in patria e praticamente sconosciuti all'estero ma che hanno assicurato al film il grande successo al box office.

Great wall my love / 追爱 ( Emily Liu / 刘怡明 , 2011 )

2011-12-22T12:59:00.002+01:00

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La Grande Muraglia alla fine del viaggio

La terza prova alla regia della cinese Emily Liu è il classico esempio di come sia possibile coniugare un film commerciale con un certo tocco di qualità che non lo faccia cadere in maniera pesante nel tanto vituperato cinema d'autore, ottendendo un risultato apprezzabile per un film che rimane sempre in bilico tra toni da commedia e momenti drammatici.

E' una storia carica di nostalgia e di riflessioni sul passato e sul presente che trova origine in un uomo ormai prossimo ai 70 anni che da Taiwan, dove si rifugiò in seguito alla guerra civile, decide di tornare a visitare il suo paese natale, ai piedi della Grande Muraglia , laddove termina nelle propaggini più settentrionali della Mongolia interna; nel viaggio che intraprende da solo, dopo che la figlia si rifiuta di accompagnarlo, c'è il desiderio nascosto, ma neanche tanto, di rincontrare il suo amore giovanile da cui si separò in circostante drammatiche e alla quale aveva promesso il suo ritorno.

Quando l'uomo colpito da infarto proprio sulla Muraglia sta per morire , lascia alla moglie e alla figlia il suo ultimo desiderio: quello di cercare la donna che amò da giovane e di cui conserva una sbiadita fotografia.

La figlia, fumettista con una vita privata non proprio soddisfacente, decide di raccogliere quasi come una missione l'ultimo desiderio del padre e si mette alla ricerca del villaggio natale, accompagnata da un detective privato alquanto improbabile che la madre assolda sul posto per proteggerla nel suo viaggio.

Tra scaramucce che nascondono una crescente simpatia tra i due e avventurosi spostamenti in zone impervie e bellissime i due riescono a portare a compimento la missione, ma nel frattempo qualcosa è nato tra di loro e troverà la conclusione positiva giusto per addolcire l'amara conclusione della storia d'amore giovanile del padre.

E' un film sul ricordo, sulla nostalgia, sulle radici strappate e sulla incapacità di mantenere le promesse, che accenna con forza alla ferita ancora aperta della separazione tra Taiwan e Cina Popolare e che , quasi come un on the road movie, esplora con spirito etnologico e documentaristico alcune zone della Cina meno conosciute, mostrando usi , costumi e paesaggi splendidi.

Nel rapporto sentimentale che cresce tra i due protagonisti la regista ripone tutta la carica brillante del film che regala qualche momento divertente (vedi il bagno nel lago in mezzo al deserto) cui fa da specchio qualche passaggio carico di pathos drammatico (l'incontro tra la protagonista e la settantenne vecchio amore del padre, che ancora aspetta).

Emily Liu ha il giusto equilibrio narrativo per far sì che la storia abbia sempre contorni sfumati, in cui la mano non viene mai calcata ,col risultato di creare un lavoro che fa proprio della moderazione e della delicatezza i suoi punti forti.

Nei due ruoli principali troviamo una bellissima e brava Cherrie Ying ed un altrettanto bravo Dawei Tong che bene interpretano i due protagonisti cui non sarà difficile affezionarsi.

A big deal ／巨额交易 ( Ma Li wen ／马俪文, 2011 )

2011-12-16T22:17:00.003+01:00

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Arricchirsi è d'obbligo

Il paese travolto dalla ricchezza e dalla affannosa corsa all'arricchimento è divenuto un abusatissimo topos della cinematografia cinese: non esiste quasi lavoro che non ne faccia un accenno, persino in quelli storici in cui sotto la metafora traslata nel tempo si racconta questo processo tumultuoso che da tante parti inquieta in maniera trasversale la nazione.

La regista quarantenne Ma Li wen, che ha già sulle spalle due lavori che ricevettero a suo tempo buoni apprezzamenti ( You and me e Lost and found), costruisce una commedia brillante/romantica facendo perno proprio sul fenomeno dell'arricchimento ad ogni costo che ossessiona soprattutto le nuove generazioni (paradigmatica in tal senso l'interpretazione che da il personaggio interpretato da Chapman To in un passaggio del film).

Alla generazione dei trentenni infatti appartengono i tre protagonisti che vediamo all'inizio del film distesi al sole di Dubai, sognando arricchimenti favolosi e bella vita, i quali decidono di non essere più colletti bianchi, anche perchè uno di loro è stato pure licenziato, e forti solo di qualche idea e dalla convinzione che sono giovani, talentuosi e belli, prendono il volo per la mecca di questo inizio millennio che è Dubai, al grido " Gli occidentali non hanno più soldi, ce li abbiamo solo noi cinesi", con un progetto immobiliare da realizzare, attirando però prima un flusso di investimenti, visto che loro hanno in tasca solo qualche spicciolo.

Abboccamenti, riunioni, chiacchiere, progetti faraonici tesi a creare una specie di nuova Las Vegas nel deserto che richiami alla memoria i fasti dell'antica Cina, investitori infartuati che mollano all'ultimo, altri che mettono i soldi e che si imbufaliscono quando vedono che non si quaglia,illusioni e delusioni che si alternano, vite private che vanno a rotoli perchè le mogli vogliono mariti ricchi e perchè anche fare un figlio ha il suo prezzo, un continuo avanti e indietro Pechino-Dubai, una giovane anch'essa licenziata che torna dalla Corea col cuore spezzato e che con un matrimonio lampo diverrà la moglie di uno dei tre, a sua volta mollato dalla fidanzata che lo reputa un perdente: un bel bailamme tipico da commedia con brio, che quando i sogni sembrano ormai definitivamente infranti regala un colpo di scena finale che nasconde una morale chiara; i soldi non comprano tutto e soprattutto può non bastare il talento e le idee, a volte sono i sentimenti ( e forse le raccomandazioni) a fare ottenere ben più.

Il lavoro di Ma Li wen possiede sicuramente alcuni pregi: è originale nella sua confezione tecnica grazie al frequente uso dell'animazione che fa la regista, regalando un atmosfera quasi da favola e accompagnando il tutto con una base musicale calzante,possiede un certa carica ironica che si esplica in alcuni momenti divertenti ( i regali patacca che i tre fanno al magnate che vogliono tirare dentro l'affare, spacciandoli per cimeli appartenuti a grandi tycoon, le corse con le jeep nel deserto come bambini idioti, un assimilare certi comportamenti dei nuovi ricchi cinesi a quelli comici di certi ricconi occidentali) , lascia intravvedere sotto lo sguardo sorridente il pericolo di certi atteggiamenti quasi ossessivi che mirano all'arricchimento.

Meno convincente sembra la commistione tra commedia brillante e commedia sentimentale che offre spesso l'impressione di una rotta non proprio lineare della storia, così come , seppur visti sotto l'ottica dell'ironia e del contesto, non convincono certi stereotipi di belli/e e fichetti/e cuciti addosso ai protagonisti, aspetto che sicuramente farà piacere al grande pubblico, ma che all'interno del film infastidisce un po'.

Il lavoro comunque si fa vedere piacevolmente, ha ritmo e, pur con diversi limiti, una certa brillantezza: commedia senza particolari pretese ma indubbiamente ben diretta con un frequente utilizzo di tecniche di ripresa e di montaggio videoclippate in cui abbondano le vedute da cartolina di Pechino e di Dubai, indubbiamente belle ma un po' fini a se stesse.

Chapman To, istrione come sempre, svetta su tutto il cast, regalando ancora una volta una prova più che convincente.

The woman knight of mirror lake [競雄女俠秋瑾] (Herman Yau , 2011)

2011-12-13T18:09:00.002+01:00

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Ritratto di rivoluzionaria con azione

Nell'anno delle celebrazioni per il centenario della nascita della Repubblica in Cina, Herman Yau sceglie di omaggiare una delle figure eroiche che di quegli eventi fu una delle antesignane, la rivoluzionaria-poeta-femminista antelitteram Qiu Jin che a soli 31 anni fu giustiziata in seguito ad una rivolta nella provincia di Zhejiang contro il potere imperiale corrotto.

Il lavoro di Yau però riesce ad andare oltre il fatto puramente storico-biografico, riuscendo a confezionare una buona pellicola che offre diverse riflessioni su varie tematiche.

Tutto il film è un unico flash back filtrato attraverso i ricordi della donna in prigione durante il processo che la portarà a morte, a partire dall'infanzia in cui mostra già il suo tenace carattere e la sua indipendenza rifiutandosi di sottoporsi al mutilante rito della fasciatura dei piedi, reclamando per se stessa le medesime opportunità che venivano offerte allora ai maschi e diventando esperta di arti marziali.

E poi il viaggio in Giappone dove entra a far parte dei circoli intellettuali che si battono per l'eguaglianza sociale delle donne, la sua attività di poetessa e scrittrice, l'incontro con Xu Xilin , fervente rivoluzionario anch'egli ed infine il ritorno in Cina per guidare la rivolta contro il potere Manciù.

Nella solitudine della cella, tra una tortura ed un altra, tutti gli eventi della sua vita vengono rivissuti come un ricordo, destando tra l'altro il turbamento nel magistrato che dovrà, suo malgrado, mandarla a morte e l'epilogo con la pubblica esecuzione scivola sulle immagini della sua tomba , ai bordi del lago.

Indubbiamente il film ruota intorno alla figura epica di Qiu Jin, personaggio che ancora oggi in Cina è considerato alla stregua degli reoi più importanti, ma Herman Yau riesce sapientemente ad evitare quel tono apologetico che altri lavori recenti hanno utilizzato, preferendo guardare al passato più come ad una ricerca di ideali che sembrano essere andati persi nella Cina moderna che come ad una epopea esaltante , evocando il sogno come fabbrica di idee da concretizzare nel futuro, enfatizzando semmai la forza anticipatrice e pioneristica delle idee rivoluzionarie scrutata sotto la metafora delle stelle e la potenza dell'arte intesa come traino per l'indipendenza di pensiero.

Non dimentica inoltra il regista la sua discendenza dal genere action movie di cui è stato un fin troppo prolifico protagonista, arricchendo il film con scene d'azione fatte di combattimenti a mani nude in perfetto stile kung fu, facendo dimenticare il molto poco convincente lavoro precedente su Ip Man.

Anche nei momenti in cui manca l'azione il film ha un suo ritmo che accompagna per tutta la durata la visione e che si avvale anche di personaggi secondari ben delineati che orbitano intorno alla figura di Qiu Jin, di cui il regista , anche grazie alla ottima prova di Huang Yi, costruisce un vivido e forte ritratto.

Il resto del cast è pienamente all'altezza della protagonista grazie alla buone prove di Kevin Chang, Pat Ha, Dennis To , Suet Lam e del solito grande Anthony Wong che ottimamente si adatta ad un ruolo lontano dai suoi abituali personaggi nella parte del magistrato Li.

The butcher , the chef and the swordsman ( Wu Ershan , 2010 )

2011-12-08T19:27:00.001+01:00

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Aria nuova sulla commedia wuxia

Opera prima del giovane regista cinese proveniente dalla Mongolia interna e diplomato presso la prestigiosa Beijing Film Academy, autentica fucina di talenti da qualche anno a questa parte, The butcher, the chef and the swordsman ha ricevuto anche il premio come migliore opera prima al recente Taipei Golden Horse Film Festival, meritata diciamolo subito, perchè il lavoro di Wu Ershan ha la grandissima dote di rilanciare, arricchendolo di una nuova visione molto personale ed originale, il genere wuxia brillante.

La storia è divisa in tre segmenti, riguardanti appunto i personaggi riportati nel titolo, che tendono a riunirsi correndo dietro ad una mannaia da cucina, curioso filo conduttore della pellicola.

L'ambientazione , ricchissima di personaggi disegnati con una originalità a volte addirittura demenziale, è ottimamente costruita con una brillantezza tecnica che mostra le notevoli doti del regista: in un simile magma coloratissimo si muovono i protagonisti, un macellaio che rincorre un amore ideale, un cuoco che cerca vendetta e uno spadaccino che aspira a diventare il più grande di sempre.

Le loro storie sono raccontate ad incastro, con frequenti flashback e balzi a ritroso che in certi frangenti spiazzano un po', ma che allo stesso tempo regalano un ritmo che consente all'ora e mezza di film di scorrere vie come un soffio.

Facendo uso del bianco e nero, di inserti fumettistici, addirittura di immagini da videogames, Wu Ershan racconta la sua visione peculiare del wuxia ("meglio diventare grandi cuochi che grandi spadaccini") , si lancia in riflessioni culinarie, utili soprattutto per chi qui da noi crede che la cucina cinese tradizionale sia solo riso alla cantonese e involtini primavera, racconta l'immancabile tendenza alla vendetta, si interroga sul destino e sull'amore ritrovato donando quel soffio di melo che non guasta mai.

Ma l'aspetto che maggiormente rimane impresso è la carrellata di personaggi sempre in bilico tra fantasy e realtà ( su tutti l'eunuco Liu e Big Beard ) che regala vivacità al racconto, anche grazie ad una colonna sonora azzeccatissima che spazia da Bizet al rock.

Lavoro quindi più che apprezzabile, soprattutto per la originale visione del genere che porta una forza deflagrante, pur rimanendo legato ai grandi classici del wuxia cui spesso strizza l'occhio quasi con venerazione ( The blade su tutti) grazie a citazioni molto celate ma riscontrabilissime.

Affermare che Wu Ershan si inserisce sul sentiero tracciato a suo tempo da Jeff Lau, soprattutto per quanto riguarda la sua ottica dissacrante e anarchica colorata da commedia brillante, è forse esagerato, ma quanto ha presentato il giovane regista cinese con questo lavoro è sicuramente quanto di più simile al frutto del genio di Lau visto finora.

The sniper ( Dante Lam , 2009 )

2011-12-08T15:08:00.001+01:00

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Cecchini tra invidie e ambizioni

Rischiò di naufragare prima di vedere la luce, comunque con un anno di ritardo, a causa del pruriginoso scandalo che coinvolse Edison Chen, uno degli attori protagonisti, questo lavoro di Dante Lam, che in origine doveva vedere la luce un anno prima.

Come sempre, poi , il tutto si risolse probabilmente con una involontaria campagna pubblicitaria che contribuì alla riuscita commerciale del film.

Peripezie a parte, Dante Lam dimostra ancora una volta di avere la stoffa del narratore noir di qualità, dirigendo un lavoro che sebbene presenti qualche parte un po' discutibile, nel complesso risulta valido e che apre una nuova stagione per il regista che produrrà pellicole importanti e molto belle quali Beast Stalker e Stool Pigeon chi rimangono tra le prove più valide dell'action movie HKese degli ultimi anni.

Dante Lam ambienta il suo lavoro all'interno di un corpo speciale della polizia , quello dei cecchini, dove , lungi dal regnare la professionalità e il sangue freddo, si consumano tradimenti, invidie e ambizioni insane.

Il racconto si snoda intorno ai tre tiratori scelti Lincoln, con la mira stupefacente, appena uscito di galera in quanto causò la morte durante una azione di un ostaggio, Hartman, cui Lincoln fu preferito per prendere il comando del corpo speciale, divenuto in seguito a sua volta capo e che incolpò il collega all'epoca del processo, OJ l'ultimo arrivato, reclutato da Hartman che vede in lui il giusto sangue freddo e la giusta professionalità che ne faranno un cecchino infallibile.

Una lunga parte iniziale in cui tra balzi temporali ben congegnati, sottolineati da alternanza di bianco e nero e colore, si racconta l'antefatto, introduce alla seconda metà del film in cui l'operazione di cattura di un boss malavitoso diventa una occasione per i tre di saldare i conti col passato, tra rancori e rimorsi.

Non sappiamo bene quanto la mancanza di aiuto e di solidarietà che mancò a Lincoln fu volontaria o meno, quello che sappiamo però è che l'uomo si ritrova con la vita personale distrutta e una volta uscito di galera rifiuta l'aiuto dei suoi vecchi commilitoni.

Lo stereotipo dell'uomo solitario con se stesso e con il suo fardello di fallimenti personali, funziona bene, soprattutto nella prima parte che funge da lungo prologo e che probabilmente è quella più convincente del film, in cui Lam ricostruisce la personalità dei protagonisti e il loro destino che appare, al solito, indelebilmente segnato.

L'atmosfera che regna per gran parte del film è quella un po' crepuscolare da noir classico, offerta in una serie di immagini ottimamente costruite, su cui, impropriamente, si sovrappongono momenti che convincono poco (un certo strizzare l'occhio al prototipo "americano" dell'eroe alla Rambo, con una bella dose di machismo rappresentata dall'esposizione frequente e fuori luogo di corpi sudati e muscolosi), e anche la seconda parte, più strettamente da action movie, che porta ad un finale abbastanza scontato come struttura , anche se arricchito da un piccolo colpo di scena che da un senso più compiuto al racconto, non brilla particolarmente.

Nel complesso però il film è buono,tiene vivo il genere all'interno del panorama cinematografico di Hong Kong e regala la giusta dose di tensione.

Oltre al citato Edison Chen , svolgono il loro compito con professionalità e con un risultato buono Richie Ren (Hartman) e Huang Xiaoming (Lincoln).

North Point ( Zhu Shaoyu , 2011 )

2011-12-04T17:15:00.001+01:00

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Immigrati ad Hong Kong

L'esordio cinematografico di Zhu Shaoyu, finora attivo nel mondo della televisione, è un film che affronta un argomento interessante e che avrebbe potuto essere ricco di tematiche stimolanti che però , in gran parte, rimangono nelle intenzioni, essendo il risultato finale non particolarmente convincente.

La storia raccontata l'ambiente degli immigrati cinesi ad Hong Kong, ed in particolare la storia di una donna Min, giunta nella ex colonia 25 anni prima e che vive in un palazzone di North Point con i figli e la fidanzata del più grande, anch'essa immigrata mainlander.

La donna, buddhista devotissima, vende la sua piccola attività e aiutata da una amica dalle comuni origini viene impiegata in una compagnia che stipula assicurazioni sulla vita.

Problemi caratteriali e personali le rendono difficile la nuova attività, in più la giovane futura nuora rimane incinta creando ulteriori preoccupazioni, soprattutto visto che la famiglia della ragazza vuole che il nascituro veda la luce in Cina.

Min da parte sua è prodiga nell'aiutare i cinesi continentali a far nascere il proprio figlio ad Hong Kong , come se ciò portasse le stigmate per un futuro migliore, e deve inoltre scansare le attenzioni di un altro connazionale che vorrebbe donargli le sue attenzioni.

Tra situazioni drammatiche e ripensamenti personali la vicenda si srotola fino ad un epilogo un po' troppo scialbo che non regala emozioni particolari e che soprattutto non va a chiarire alcune dinamiche che il film accenna durante la narrazione, relegandole solo alla figura del figlio piccolo di Min, in tipica crisi di adattamento sociale.

Presupposti dunque buoni , ma svolgimento non pienamente riuscito, incapace di andare a indagare su un ambiente (quello degli immigrati c inesi ad Hong Kong) sul quale tra l'altro in pochi hanno messo le mani.

Risentendo un po' troppo dell'estrazione televisiva del regista, il film è comunque abbastanza ben diretto con un digitale che raffredda molto le immagini, e che sembra sempre pendere verso il dramma annunciato, risultando alla fine un lavoro che non rimarrà certo nella storia.

L'insistenza con la quale il regista continua a mettere al centro del racconto la famiglia della protagonista, impedisce al film di offrirci una lettura sul mondo dell'immagrazione mainlander ad Hong Kong che affonda le radici a decenni indietro nel tempo e che probabilmente potrebbe produrre risultati ben più interessanti.

Nonostante l'ottima prova interpretativa di Lily Chung , il lavoro non decolla e alla fine si ha l'impressione della classica occasione persa.

Guilty of Romance ( Sion Sono , 2011 )

2011-12-03T00:08:00.001+01:00

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Il sesso ci salverà

Nell'attesa della tante volte annunciata e tante altre volte rimandata uscita di Lord of Chaos e dopo la poco convincente prova di Cold Fish, Sion Sono da sfoggio di una ritrovata ispirazione tumultuosa con Guilty of Romance, opera che lo riporta sui binari che dai tempi di Love exposure aveva parzialmente abbandonato e che sono quelli più congeniali alla sua strafottente e dissacratoria concezione cinematografica.

Il film , di cui esistono due versioni, una per il pubblico occidentale e l'altra un director's cut di circa 20 minuti più lungo, è un abile esercizo di divertimento che il regista si concede col pubblico: l'incipit infatti sembra orientare verso un thriller con tanto di cadavere smembrato e grottescamente ricomposto, rigorosamente abitato da una bella quantità di vermi, per lasciare ben presto il passo a quelle tematiche tanto care al regista che nella violenza e nella morte trovano la loro naturale esplicitazione.

Costruito come una serie di capitoli che dovrebbero presentare i vari protagonisti del racconto, ben presto la storia inizia ad avvitarsi su se stessa, incrociando le varie tracce narrative che convergono tutte in una sprezzante fotografia di alcuni aspetti della vita sociale giapponese.

Sono donne le protagoniste del racconto: una docile e sottomessa moglie (Izumi) che vive il suo ruolo di angelo del focolare con dedizione, serva di un marito scrittore apatico, che annoiata dalla quotidianità passa rapidamente da commessa ad attrice porno e a prostituta, allorquando incrocia sulla sua via la docente universitaria Mitsuko, che di notte si trasforma in una aggressiva prostituta, la detective Kazuko che è incaricata di risolvere il giallo della donna smembrata, la madre di Mitsuko , una donna che la vita ha già pesantemente segnato; a contorno di questa schiera femminile una serie di personaggi maschili tra cui spicca un mezzo ebete sempre sorridente mezzo maniaco e mezzo magnaccia.

Il filo si srotola tra le mani di Sono ingarbugliandosi ma col risultato finale di portare alla soluzione del giallo, insieme alla quale le esistenze delle varie protagoniste troveranno un senso compiuto ( o quasi).

Ancora una volta famiglie opprimenti, ipocrisia, conformismo, nebbie incestuose, ribellione popolano con vivacità affogate nel dramma il lavoro del regista giapponese: qui sembra essere il sesso, inteso nella sua accezione più ampia, compresa quindi anche quella più perversa, il punto di snodo della riflessione di Sono, tema tra l'altro caro al regista; è il suo potere taumaturgico che viene esaltato, come forza dirompente capace di distruggere convenzioni schemi e liberare dalle catene il corpo sopito.

Sia Izumi che Mitsuko , la prima come effetto di una rivolta interiore al grigiore quotidiano, la seconda come una perversione innata , trasmessa dal padre , come ripete spesso la madre, trovano nel sesso un arma capace di far saltare il banco, azzerare le esistenze e ricreare una nuova identità che vuole andare oltre quella rigida catalogazione che la società nipponica prevede.

La ritrovata ispirazione di Sion Sono fa sì che questo lavoro lacera profondamente e con cattiveria offrendo una personalissima visione sulla possibile via d'uscita dagli schemi sociali e personali: pur abbondando momenti in cui si da libero sfogo alla verve iconoclasta del regista con scene di violenza , autopsie e smembramenti, sesso quasi selvaggio con molte tonalità da pink-o (e infatti il rosa abbonda nelle scene di sesso), pulsioni nascoste che trasformano la brava mogliettina attenta a mettere le pantofole del marito nel giusto verso in una ninfomane, tutto è perfettamente coerente col racconto e mai gratuito, regalando anzi alcuni momenti che poco hanno da invidiare alla fantasmagorica e anarchica follia narrativa di Strange Circus.

Con altrettanta bravura Siono dirige la sue attrici protagoniste, tutte in gran forma, Miki Mizuno nel ruolo di Kazuko , la detective, Makoto Togashi una cattivissima e lacerata Mitsuko, Megumi Kagurazaka, una sensualissima Izumi dal seno florido e tornito, immerse nella notte dei vicoli della Tokyo del sesso e dei love hotel, alla ricerca di quel Castello di kafkiana memoria , ripetutamente citato e simbolico punto nevralgico della storia , al pari della Casa delle bambole di Ibsen e dei poemi antichi giapponesi.

Insomma Sion Sono torna a stordire e a lasciare il segno in maniera indelebile: se in Cold Fish era la violenza a fare felice l'uomo , ma lo aveva fatto senza convincere granchè, qui è la carne e la prepotenza del corpo a liberare e a restituire la vita per la donna.

24 City ( Jia Zhang-ke , 2008 )

2011-12-01T18:12:00.001+01:00

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La fabbrica dove pulsano le vite

E' occorsa una seconda visione, distanziata nel tempo, per poter capire pienamente la grandezza di questo lavoro del regista cinese Jia Zhang-ke, troppo influenzato sarebbe stato il giudizio nell'immediato, frutto soprattutto di una reazione emotiva alla visione.

Non avrà la stessa suggestione di Still Life, lavoro che gli valse il Leone d'Oro a Venezia, non sarà a livello di Platform, che rimane al momento il punto più alto della cinematografia del regista cinese, ma questo 24 City è un film bellissimo, commovente, poetico come se ne vedono pochi, strutturato quasi come un documentario-inchiesta, ribollente di umanità e di storie vissute che danno a tutta l'opera un aspetto profondo, come sono tutti i lavori che scavano nelle viscere dei sentimenti veri.

La storia ruota intorno ad una fabbrica di Chengdu giunta alla fine della sua gloriosa attività, esempio tangibile di quella politica di migrazione dell'attività produttiva verso le zone interne del Paese , intrapresa nei tardi anni 50-primi anni 60 per difendere la produzione di armi e di manufatti siderurgici da un ipotetico attacco sovietico ed ora lasciata morire per fare spazio ad attività più produttive.

Attraverso racconti che spaziano dai tempi della Guerra in Corea fino ai giorni nostri, passando per la Rivoluzione culturale e per la modernizzazione intrapresa negli anni 80, i dipendenti della fabbrica raccontano la loro vita, indissolubilmente legata a quella della grande industria chiamata in codice 420 dove si producevano componenti aeronautiche.

I racconti procedono di pari passo con lo smantellamento della fabbrica per fare posto ad un centro residenziale di lusso, 24 City appunto; operai, impiegati, sorveglianti si muovono come spettri tra le mure cadenti e l'abbandono totale di quella che fu per molti la seconda casa, per raggiungere la quale dovettero recidere legami famigliari e radici con il passato, per altri fu l'inizio di una nuova vita a partire dalle aule scolastiche, per altri ancora fu il luogo dove nacquero amori e miti; per tutti è comunque un pezzo di passato che crolla sotto la spinta di un presente prepotente e iconoclasta in un paese lanciato verso un futuro che porta più dubbi e incognite che certezze.

La grandezza di Jia Zhang-ke si misura soprattutto nella capacità di usare un palcoscenico assolutamente inusuale, nella sapientissima manipolazione degli spazi, nella creazione di immagini che non hanno probabilmente il carico di suggestioni quasi metafisiche che avevano quelle di Still Life, ma che sanno raccontare con forza impetuosa una storia di sacrifici e di nostalgia, di ideologia e di trasformazione e che , con coerenza ferrea , rimandano alla forza visiva dei lavori precedenti.

Il film , come detto, lascia uno strano senso di inquietudine, avviluppati dal racconto di vite semplici in cui solo nell'ultimo personaggio raccontato, una giovane ragazza che in quella fabbrica giunse da piccola,si affaccia il senso di rivalsa, proiettando i propri desideri verso l'arricchimento, laddove per i genitori era il duro lavoro e l'orgoglio nazionalistico il motore delle esistenze; sono molti , inoltre, i momenti in cui tra i racconti affiora una sentita commozione, tra tutti quello con Joan Chen, il Piccolo Fiore della fabbrica, citando un film che vedeva la stessa attrice protagonista.

Raccontare la realtà con questa limpidezza narrativa e con questo candore del sentimento è operazione che riesce solo ai grandissimi e questo quarantenne di Fenyang ha ormai un posto di diritto in prima in fila nei grandi del Cinema contemporaneo.

I wish [aka Kiseki] ( Hirokazu Koreeda , 2011 )

2011-11-28T18:58:00.001+01:00

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Il miracolo ipertecnologico

Dopo la straniante e surreale divagazione sull'erotismo solitario e sulle bambole che hanno un cuore di due anni orsono con Air Doll , lavoro che aveva spiazzato la critica, Hirokazu Koreeda, volge lo sguardo indietro , rivolto alle tematiche che tanto bene e con grande sensibilità e profondità aveva indagato nei precedenti lavori: torna quindi la famiglia e l'infanzia al centro del suo racconto con un film che adagiandosi su note più da commedia, apparentemente più soavi rispetto al dramma incombente di Nobody Knows, va comunque ad indagare su tematiche molto simili.

Se è vero che lo stile narrativo scelto, più leggero e apparentemente ottimista, allontana di molto I wish dalle atmosfere di Nobody Knows e in parte anche di Still walking, al centro comunque rimane una lucida e drammatica indagine sulla disgregazione della famiglia e sul disagio dell'adolescenza; un disagio però che scatena la forza del desiderio e dei sogni che non si avverano, sia per i grandi che per i ragazzini.

Con la consueta e riconosciuta eleganza stilistica Koreeda racconta la storia di due ragazzini che la separazione dei genitori ha allontanato portandoli in città diverse, vivendo uno con la mamma in casa dei nonni e l'altro col padre aspirante musicista con poco costrutto; uno vive la lontananza con angoscia, accentuata dalla inquietante presenza del vulcano in eruzione che incombe sulla città , l'altro, più piccolo, con divertimento quasi inconsapevole della frattura che ha smembrato la famiglia.

Quando qualcuno , con le iperboli tipiche dei ragazzini, si inventa la leggenda soprannaturale che l'incontro tra due treni ad alta velocità, e la conseguente energia che si genera, è capace di far sì che i desideri si avverino, i due ragazzini , con tanto di piccola masnada al seguito, decidono di incontrarsi nel punto in cui i due treni si incrociano.

La scappatella porterà il gruppo di bambini a ridosso della linea ad alta velocità, col sogno di inseguire l'avverarsi dei propri desideri, che naturalmente sono quelli tipici dei ragazzini di dieci anni.

Riuscirà il miracolo tecnologico a 260 hm/h nell'evento mistico?

Ma dietro ai sogni fanciulleschi c'è la nostalgia e il desiderio di un nonno, il ricordo della figlia andata via di casa di due anziani coniugi, famiglie da rimettere in piedi e aspirazioni nascoste e irraggiungibili.

E allora il mondo visto con gli occhi dei piccoli protagonisti diventa un microcosmo dove sono cadute le certezze, dove il pilastro di una società tradizionale è collassato sotto i colpi dei tempi, dove la famiglia smembrata diventa un fattore scatenante per disagi e rimorsi.

Il tono scelto dal regista, a tratti brillante, non deve ingannare: sotto la scorza scorre implacabile il dramma, reso ancora più grave dal coinvolgimento dei ragazzini, che va a congiungersi idealmente con quello narrato nel capolavoro di Hirokazu Koreeda , Nobody Knows.

La regia, come sempre elegante e stilisticamente perfetta senza mai esser però puro formalismo sterile, nasconde anche qualche pecca che il film possiede, come un certo incedere un po' balbettante in alcuni momenti, ma comunque la pellicola si inserisce a pieno titolo nel discorso cinematografico intrapreso dal regista, che mostra una assoluta coerenza.

Sia chiaro, siamo distanti dal capolavoro che già Koreeda ci aveva regalato e anche i ritmi sui quali è giocato, lo rende sicuramente più apprezzabile ad un pubblico più vasto, ma tutto ciò non va a discapito della qualità cinematografica della quale il regista giapponese ha già dato numerose e convincenti prove.

La banda di ragazzini interpreti con la loro bravura e spontaneità surclassa e mette in un angolo anche i grandi nomi presenti, quali quelli di Joe Odagiri , Hiroshi Abe e Nene Otsuka e conferma la bravura di Koreeda, perfetto anche nella direzione di un cast siffatto.

1911 Revolution ( Jackie Chan , 2011 )

2011-11-25T14:04:00.001+01:00

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Cento anni di Repubblica e cento volte Jackie Chan

Altro lavoro celebrativo in occasione del centenario della nascita della Repubblica in Cina e della caduta del millenario potere imperiale, questo film aggiunge al tono apologetico storico quello professionale di Jackie Chan, di cui si festeggia la centesima pellicola di una lunga e mirabile carriera, qui anche regista.

Una volta passate in rassegna celebrazioni storiche e professionali, occorre dire che, come spesso succede, il lavoro non è di quelli che passeranno alla storia: troppo ambizioso, e di conseguenza votato al mezzo fallimento, il tentativo di voler ripercorrere un periodo storico fondamentale per la Cina moderna, senza cadere nella cronaca quasi documentaristica o nella retorica nazionalistica.

Le vicende narrate si svolgono nei due anni, tra il 1911 e il 1913, in cui la dinastia Qing vide la sua definitiva caduta e i moti rivoluzionari che portarono alla sua caduta presero piede nel sud del paese.

Al centro del racconto le figure storiche di Sun Yat-sen, Hang Xing e Yuan Shikai, intorno alle quali si impernia il racconto delle drammatiche e sanguinose vicende che portarono alla rivoluzione, e all'abdicazione dell'Imperatore.

Indubbiamente il film ha il suo rigore storico e narra fatti ormai consolidati nella giusta maniera, mantenendo anche una certa asetticità; a ciò si aggiunge una descrizione dei personaggi complessivamente valida e che cerca di andare anche al di là del puro ruolo storico-politico e un inquadramento politico dell'epoca che mette in evidenza il declino di un potere millenario sotto i colpi di una utopia rivoluzionaria che troverà solo nella presa del potere da parte dei comunisti, qualche decennio dopo, la sua concretizzazione: non a caso tutta la dissertazione sull'essenza della rivoluzione sembra quasi essere un manifesto ante litteram della rivoluzione comunista.

Quello che stona, ma c'era da aspettarselo, è quell'orpello retorico che rasenta la propaganda, senz'altro non ai livelli di Founding of a party, altro lavoro cinese di quest'anno con intenti celebrativi, ma che si insinua prepotente in tutto lo svolgimento del film.

Il film nel suo insieme si lascia vedere e cerca di dare in poco meno di due ore una lettura storica dell'epoca in cui si contrappongono corruzione ,assolutismo, feudalesimo e cospirazione da una parte, ideali, giustizia e democrazia dall'altro, regalando anche qualche bel momento (alcune scene di battaglia, la distesa dei "martiri" della ribellione di Guangzhou) e riuscendo persino a mostrare la ben nota maestria nelle arti marziali di Jackie Chan in una breve scazzottata nella pancia di una nave.

Alla fine , forse, visto le tematiche trattate e le trappole della censura da evitare, tutto sommato il film il suo dovere lo fa, avvalendosi della bravura di Jackie Chan, sempre più orientato verso un nuovo capitolo della sua carriera cinematografica, Winston Chao, a volte un po' troppo caricaturale nei panni di Sun Yat-sen e una sempre brava Joan Chen nella parte intrisa di drammaticità dell'Imperatrice Dowager Longyu, colei che abdicando mise fine ad un potere ultramillenario.

Lost in Beijing ( Li Yu , 2007 )

2011-11-22T22:54:00.001+01:00

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Persi in una Pechino glaciale

Il terzo film di Li Yu, che recentemente ha diretto Buddha Mountain , uno tra i lavori più validi dell'ultimo anno in Cina, è uno di quei film che nascono con lo stampo del film che farà discutere: all'epoca della sua uscita esistevano almeno due versioni, una delle quali addomesticata; ciò non ha impedito però, dopo solo un anno dalla sua uscita, di far finire il lavoro della regista cinese tra i film censurati, creando quell'alone di interesse quasi morboso che va probabilmente ben oltre il reale valore dell'opera.

Indubbiamente le scene di sesso, mai gratuite occorre dire, e certi accenni al sottobosco della corruzione della società cinese non potevano non attirare l'attenzione su Lost in Beijing.

Le tematiche trattate hanno trovato , soprattutto grazie ad un regia in alcuni momenti quasi ridondante, il giusto habitat in una città come Pechino che viene descritta da Li Yu in una maniera molto asettica, dilatata, impersonale, quasi fredda, al punto di far assurgere in svariati frangenti proprio gli scorci della capitale cinese ad assoluti protagonisti della pellicola.

Giunti a Pechino da poco Pingguo ed An Kun, formano una giovane coppia trasferitasi in città per fare fortuna; vivono in una catapecchia e svolgono come lavoro il lavavetri di palazzi lui e la massaggiatrice lei in un locale ambiguo gestito da un tipo dedito al gioco e alle donne facili.

Un episodio a metà strada tra l'incidente e l'equivoco porta Pingguo ubriaca a cadere tra le braccia del suo capo donnaiolo e ad essere scoperta dal marito mentre lava il vetro delle finestre.

Quando la donna scopre di essere incinta, i due giovani cercheranno di mettere a profitto la situazione ricattando , ognuno per conto suo, il puttaniere, il quale , da parte sua non vede l'ora di diventare padre, visto che sua moglie è sterile e non può dargli la prole; il patto viene stilato, il neonato di fatto venduto, ma quando la coscienza comincia a riemergere dalle nebbie pechinesi, probabilmente è troppo tardi per poter salvare la situazione.

Il nucleo del film sta proprio nell'effetto destruente che il lattante porta con sè e che riversa sui componenti di due coppie così diverse ma accomunate nella delusione: i due aspiranti padri intraprendono una guerra sotterranea per affermare la loro paternità, la madre vera vive il suo ruolo con passività e con crescente abbandono, la madre finta , da parte sua, non riesce a non vedere il volto da donnaiolo che si nasconde dietro quello del marito.

Una profonda competizione fatta di gelosie, intrighi, cattiverie reciproche e invidie tiene in piedi tutto il film, con sullo sfondo , inquietante , una città nella quale sembra che tutto sia possibile, immerso nello sfarzo e nella modernità apparente, dove si compra e si vende tutto, compresi affetti e prole.

Li Yu accentua molto i tratti descrittivi della città , con immagini che spesso sembrano girate da sopra un ottovolante, zigzagando tra una gru e l'altra , percorrendo le immense vie trafficate con appena uno squarcio sulla Pechino da cartolina nella quale si staglia perfino il ritratto di Mao sulla Piazza Tienanmen.

Questo taglio molto impersonale che da come risultato una città algida, grigia, anonima, desolata nelle sue dimensioni da pachiderma è senz'altro uno degli aspetti più validi del film, che d'altra parte tende in qualche frangente a perdersi un po' per strada, indeciso se braccare da vicino le peripezie dei protagonisti o immergersi in una riflessione sul neomaterialismo cinese.

Contribuisce sicuramente alla buona riuscita del film la bravura dei quattro attori protagonisti ( Fan Bing Bing , Tony Leung Ka Fai, Tong Dawei e Jin Elaine) che regalano eccellenti interpretazioni.

So close to paradise ( Wang Xiao-shuai , 1998 )

2011-11-18T14:42:00.001+01:00

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L'atmosfera fatalista che opprime

Uscito dopo alcuni anni dalla fine delle riprese a causa della permanenza del regista nella black list della censura cinese, So close to paradise si pone in una posizione originale nel contesto dell'opera cinematografica di Wang Xiao-shuai: infatti pur essendo facilmente rintracciabili le consuete tracce sociali riferite al periodo storico in cui si svolgono le vicende, l'impalcatura su cui il film si regge è costruita sfruttando atmosfere meste e fataliste tipiche di un certo noir ad ispirazione occidentale.

La storia ,ambientata nei primi anni 90, racconta di due giovani che dalla campagna si trasferiscono in città con il sogno nella valigia di fare soldi rapidamente; l'approccio dei due è diametralmente opposto: Gao Ping vuole affermarsi come un piccolo boss solitario alla ricerca del rispetto e del timore che incute, Dong Zi invece crede nel lavoro onesto e nella fatica come tramite per arricchirsi.

L'uno sembra atteggiarsi verso l'altro come un fratello maggiore cui dispensa consigli spiccioli, lo ospita nella sua casa su un fiume livido , pieno di barche e da cui evaporano effluvi nebbiosi, lo protegge e lo introduce, suo malgrado, in un mondo notturno in cui pullulano prostitute, localetti squallidi e loschi traffici.

Dapprima un delinquente di basso rango, quindi una cantante vietnamita che si esibisce in un locale notturno, quindi un boss locale e poi la polizia si confrontano coi due, portando ben presto la narrazione su un piano da autentico noir dai toni decadenti e un po' retro'.

I due dapprima rapiscono la cantante Ruan Hong per risalire alle tracce del malavitoso che ha rubato i soldi a Gao Ping, ben presto tra quest'ultimo e la donna scoppia l'amore cui Dong Zi guarda con gelosia e con un approccio quasi platonico, fino ad un incedere che porta guai per tutti.

Il finale molto bello sembra squarciare la coltre di buio che regna in tutto il film, lasciando uno spiraglio alla realizzazione dei sogni infranti.

E' fondamentalmente un film di ambizioni frustrate quello che dirige Wang Xiao-shuai, in cui i tre protagonisti vivono l'opprimente delusione per la difficoltà a concretizzare le proprie aspirazioni in maniera divaricata, molto distanti una dall'altra, vittime di una situazione sociale in cui c'è poco spazio per gli ideali e dove invece domina incontrastato quel materialismo foriero di degradazione che i registi della Sesta Generazione, cui Wang appartiene, così bene hanno descritto in tante pellicole.

E' l'affermarsi di quella solidarietà tra disperati ed emarginati, di coloro che non hanno la forza e la velocità giusta per correre dietro al cambiamento che sconvolge, ma è anche la denuncia di quel flusso migratorio interno dalle campagne alla città che ha smembrato tradizioni e famiglie e che ha causato la creazione nei grandi agglomerati urbani di una classe di insoddisfatti che vivono ai margini.

Pur stagliandosi con molta forza, questa tematica, rimane comunque in secondo piano rispetto al racconto di vite personali, grazie soprattutto all'ottimo tratteggio che fa il regista dei suoi personaggi, così come è ben delineata quell'ambientazione neorealista in cui viene calata la narrazione.

Pur precedendo tutti gli altri lavori che hanno permesso a Wang Xiao-shuai di imporsi come un cineasta attentissimo alla realtà, anche So close to paradise contiene, più sfumati e diluiti nella sua struttura narrativa, quelle atmosfere da cinema della realtà che racconta storie quotidiane che si imporranno in maniera più concreta nei lavori seguenti.

Qui , per ora, Wang ci racconta una storia cupa e opprimente, dura al punto giusto, con il solo sprazzo ottimistico del finale, acuita da atmosfere che gettano nello squallore e nel grigiore completo, quello stesso grigiore del cielo e quello stesso buio della notte che avvolgono quasi senza speranza tutta la pellicola.

Purple butterfly ( Lou Ye , 2003 )

2011-11-12T21:17:00.001+01:00

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Amore, morte e spie a Shanghai

Tre anni dopo il bellissimo Suzhou River, Lou Ye dirige Purple butterfly, l'unico lavoro che non gli ha procurato particolari noie con la censura cinese.

Affidandosi ancora una volta al suo stile inconfondibile e alla creazione di atmosfere molto dilatate, Lou Ye intende raccontarci una storia che si dipana nell'arco di 10 anni, quelli a cavallo tra fine anni venti e fine anni trenta, in cui il paese fu scosso dalla invasione giapponese e dalla guerra.

All'interno di questo contesto storico si svolgono le vicende di Xian Xia e del suo amore giovanile Itami, un giapponese che la guerra le strapperà per tornare in patria come militare, immerse in un contesto in cui guerra, spionaggio, morte, tradimenti , amori drammatici e scherzi del destino si susseguono senza sosta, creando un substrato di cui la storia d'amore, diventata poi storia di spie quando Itami torna a Shanghai come agente segreto giapponese e Xin Xia diventa una attivista antinipponica.

Se la costruzione delle ambientazioni è come sempre pregevole, ricca di silenzi e di di sguardi , di movimenti lenti e di musichette d'epoca, il quadro d'insieme però stona svariate volte, soprattutto per una sceneggiatura che fatica a mantenersi unitaria nel contesto dei svariati filoni narrativi che percorrono il racconto dando a volte una fastidiosa impressione di eccessiva frammentazione.

Quello che in Suzhou River era pulsante e frenetico, sotto la coltre di una narrazione lenta, qui appare invece troppe volte poco convincente con una narrazione che procede troppo a strappi senza andare a colpire nel segno in pieno: la storia d'amore e morte tormentata , le frenetiche tematiche storico-politiche a volte sottaciute altre volte portate alla ribalta, come nel finale del film, il continuo ondeggiare tra passato e presente in cui si insinua una sottile nostalgia, non creano quella amalgama magica che nel precedente lavoro Lou Ye aveva saputo ottimamente maneggiare.

Indubbiamente la mano sapiente del regista si vede , sia nella ricostruzione della Shanghai d'epoca, sia , come detto, nelle ambientazioni, sempre molto sfumate, quasi dimesse come si converrebbe ai film di spionaggio degli anni 50-60, che nella scelta di presentare sempre ambienti bui, in cui la cromaticità si annulla quasi; però la sostanza del film rimane troppo sottotraccia, non emerge e le vicende ci appaiono un po' troppo slegate e a se stanti.

Naturalmente, pur non essendo un lavoro da ricordare, la visione la vale in pieno, perchè comunque il film è caratterizzato dalla forte impronta della mano del regista e si avvale della buona prova di Zhang Ziyi nella parte di Xin Xia.

My dear enemy ( Lee Yoon-ki , 2008 )

2011-11-12T11:28:00.001+01:00

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Il cialtrone e la nevrotica

My dear enemy è il quarto lavoro del regista coreano Lee Yoon-ki e precede di tre anni l'uscita dell'ultimo Come rain come shine, uno dei lavori più deludenti e strampalati degli ultimi anni usciti dalla Corea, a maggior ragione se si considera il credito di cui gode il regista, soprattutto a livello festivaliero.

Tanto irritante è l'ultimo lavoro quanto invece è riuscito e valido questo My dear enemy, nel quale si riconosce lo stile tendente al minimalismo del regista che ha però la grande capacità di costruire due personaggi efficaci e che bucano lo schermo in grado di trascinare il film per tutte le due ore di durata.

Situazione banale e semplice: lei rincontra lui dopo un anno e l'incontro non è casuale, lei rivuole indietro i suoi soldi che prestò all'ex, il quale naturalmente non li ha, essendo un tipo che cerca la fortuna nelle sale corse.

Entrambi i personaggi sembrano vivere una esistenza non proprio sicura, ma mentre lei è l'emblema vivente della nevrosi, lui lo è dell'ottimismo che rasenta l'incoscienza.

Tutta la storia ruota sullo spazio temporale di una giornata, in cui lui, braccato da vicino da lei, gira in lungo e in largo per la città alla ricerca di qualcuno che gli presti i soldi per saldare il debito, tra manger di azienda, poliziotte, commesse, tutte rigorosamente donne in qualche modo ammaliate dalla affabile cialtroneria dell'uomo.

Questo meccanismo temporale permette ai due di conoscere l'altro, mediante brevi racconti e sprazzi sul passato, in maniera più approfondita di quanto fosse al tempo della loro frequentazione e soprattutto la maschera di rancore e di desolazione che copre il volto di lei inizia a mostrare qualche crepa allorquando si rende conto che l'uomo è si un cialtrone e uno sfaccendato, ma possiede una carica di umanità e di ottimismo unite ad una bontà di fondo che lo portano sempre ad aiutare il prossimo.

E' proprio in questo meccanismo di contrapposizione tra due storie che scopriremo avere molti punti in comune, che si specchiano una nell'altra nelle loro diversità, che sta il nucleo pulsante del film, dove per il resto accade molto poco: quelle che sembrano chiacchiere senza senso, spacconate e ostentazioni di vanità per l'uno, silenzi cupi per l'altra, altro non sono che l'epifenomeno di due vite turbolente vissute agli antipodi, ed il finale falsamente ottimistico, come tutta la pellicola, ci offre forse una chiave di lettura su quella che è l'idea del regista.

Nonostante la struttura in cui alternano momenti con fitti dialoghi ad altri di lunghi silenzi, il filo narrativo rimane sempre ben teso e , tranne in alcuni momenti centrali in cui sembra allentarsi un po', non c'è traccia di noia nell'assistere a questo processo di conoscenza reciproca tra i due protagonisti, tra ricordi e confessioni, passato e presente, questo fondamentalmente grazie ad una regia sobria e misurata che evita gli eccessi intellettualistico-esistenziali fini a se stessi e che sa comunque mantenere sempre vivo l'interesse per la storia.

L'avere incentrato tutto il film su le due figure protagoniste imponeva per la perfetta riuscita la scelta di due attori che sapessero portare il film sulle spalle e Lee centra in pieno l'obiettivo: Jeon Do-yeon è assolutamente straordinaria nell'interpretazione della nevrosi e del grigiore che permeano lei, Ha Jeong-woo è bravissimo in un ruolo che dovrebbe far sorridere attingendo ai profondi disagi interiori e mostrando il volto dell'incosciente ottimismo ad oltranza unito ad una bella dose di buffoneria.

China my sorrow ( Dai Sijie , 1989 )

2011-11-11T19:40:00.001+01:00

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Un adolescente al campo di rieducazione

E' questo l'esordio cinematografico di Dai Sijie, divenuto qualche anno dopo maggiormente famoso per la sua attività di scrittore grazie al romanzo Balzac e la piccola sarta cinese di cui diresse personalmente in seguito la versione cinematografica.

Il regista, ormai cittadino francese da diverso tempo, è stato uno di quelli che subì le conseguenze della Rivoluzione Culturale, essenzialmente per la sua origine sociale media.

China my sorrow è un lavoro che risente della biografia del regista in quanto è ambientato proprio negli anni della Rivoluzione Culturale e racconta di un ragazzino quindicenne che paga a carissimo prezzo la sua smania di farsi notare da una ragazzina diffondendo a gran volume una canzone considerata oscena dalle guardie rosse.

La punizione sarà il campo di rieducazione, un microcosmo particolare, incastonato tra le montagne in cui non ci sono le guardie rosse a vigilare e a vessare, in cui anche il capo' è un rieducato, in cui ogni giornata inizia con la posa in testa del cappello a punta su cui sono riportati i delitti commessi e con i canti dedicati a Mao come per richiedere una sua indulgenza.

La mancanza di controlli ferrei fa sembrare il campo più una comunità isolata dal mondo che un vero luogo di detenzione, dal quale sarebbe anche possibile fuggire e questo perchè il regista ha cuore di raccontarci non una epoca storica drammatica e nè gli abusi che essa ha portato, bensì la storia di solitudine e di battesimo alla vita di un ragazzino adolescente.

La descrizione della comunità, fatta anche con tratti leggeri, presenta la carrellata di personaggi che si portano nel loro esilio solitario tutte le loro piccole e grandi esperienze di vita e che si trovano a confrontare il proprio mondo personale con quello degli altri, un mondo fatto di piccoli oggetti e di piccoli particolari. La presenza del ragazzino, insieme ad alcuni altri adolescenti, dona anche un tocco di vivacità e di innocenza, almeno fino all'epilogo in cui il processo di maturazione sembra giungere al termine portando con sè il dilemma della scelta.

Il lavoro di Dai Sijie sottolinea molto l'aspetto del rapporto uomo-natura e uomo-soprannaturale, immergendo la narrazione in un posto bellissimo dominato da un tempio maestoso che sembra indicare una via spirituale ai detenuti, ponendo come personaggio chiave la figura del monaco, anch'esso rieducando, che da vita forse al momento più bello e toccante del film, la scena delle ombre cinesi, allegoria anch'essa della realtà, così come altamente suggestivo, direi quasi commovente, è la scena della bara che viene trasportata in cima al monte con l'inseparabile cappello a punta del morto appeso ad essa.

Se un difetto il film possiede sta proprio in certa sua leggerezza, in una mancanza , a tratti, di pathos e di quella forza che vedremo poi esplodere in lavori seguenti dei registi della Sesta Generazione sulla Rivoluzione Culturale, quasi un processo di astrazione temporale della vicenda.

Nel complesso comunque il film è bello e va visto soprattutto nell'ottica di una storia di solitudine e di scoperta dei meccanismi che governano il mondo e l'individuo da parte di un adolescente

Hanji ( Im Kwon-taek , 2011 )

2011-11-07T12:23:00.000+01:00

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La tradizione riscoperta nella memoria

Il grande patriarca del cinema coreano, uno tra i più grandi registi viventi giunto al suo 101° film, dopo avere raccontato con occhi poetici e commossi il pansori, prosegue nella sua opera di affermazione della cultura coreana rivolgendo il suo acutissimo occhio narrativo all'Hanji, antichissimo metodo tradizionale di produzione della carta, attività peculiare della Corea e che affonda le sue radici indietro nei secoli.

Se il pansori era il canto dello spirito malinconico, l'Hanji è il trionfo della tradizione e della disciplina manifatturiera, il tramite col quale tramandare nei secoli la memoria; Im Kwon-taek , mostrando la sua consueta grandezza stilistica, costruisce un racconto intorno a questa tradizione centenaria col quale, lungi dal cadere nel formalismo di stampo storico documentaristico, riesce ancora una volta a coniugare perfettamente la memoria e il presente, la Corea di ieri, da riscoprire nei suoi valori, e quella di oggi troppo spesso in preda ad una dilagante spersonalizzazione.

Il racconto si incentra su un funzionario comunale, Pil-Yong che riceve l'incarico di dirigere il restauro di preziosissimi libri che risalgono alla dinastia Joseon, utilizzando appunto la carta prodotta col metodo Hanji.

Per l'uomo è un occasione per progredire nel competitivo ambiente lavorativo e al tempo stesso, nonostante affronti l'incarico non pienamente convinto, diventa una sorta di viaggio introspettivo, alla radice della sua esistenza, segnata dal rimorso per la malattia che ha colpito la moglie in seguito ad un suo tradimento, portando l'infelicità all'interno della famiglia.

Sono vari i filoni narrativi che percorrono il film: il tentativo di Pil-Yong di convincere gli artigiani della carta ad aderire al progetto, nonostante i guadagni siano praticamente nulli, il suo incontro con una documentarista che sembra spingerlo verso un nuovo tradimento, lo sforzo di aiutare la moglie a ritrovare la sua casa natale, dopo che il padre, anche egli artigiano produttore di Hanji, la abbandonò da piccola volando in Giappone e la madre morì subito dopo , l'influsso buddhista che si insinua in tutte le pieghe della pellicola, il crescente convincimento dell'uomo a proseguire nel suo lavoro, quasi fosse una missione, convinto che la riscoperta dei metodi tradizionali di produzione della carta, sia anzitutto un processo di recupero della memoria.

Senza alcun accenno di pedanteria scientifica Im ci racconta , attraverso momenti che sembrano quasi un documentario, le tecniche di fabbricazione della carta e di pari passo procede nel suo percorso narrativo ricco di allegorie e metafore; e quando ogni obiettivo prefissato dal protagonista viene raggiunto , compresa la scoperta che il paese natale della moglie è semplicemente scomparso perchè nella valle è stata costruita una diga, l'armonia narrativa raggiunge vette poetiche che il regista già ci aveva mostrato in numerosi suoi lavori.

Il finale stupendo tra le immacolate cascate dove al chiaro di luna si inizia a produrre la carta Hanji e dove il significato allegorico raggiunge il suo acme, è senz'altro uno dei momenti più alti della poetica di Im Kwon-taek.

Tutto il lavoro è permeato di poesia pura, priva di ogni formalismo, arricchito dalla consueta regia elegante e asciutta ed il suo anelito pedagogico che spinge all'introspezione attraverso la riscoperta delle radici, del valore della famiglia e delle tradizioni si affianca a quello che già il regista narrò con lirismo inarrivato in Seopyeonje e in Beyond the years , in cui era l'antica arte del pansori a fungere da catalizzatore del viaggio a ritroso nella storia della cultura coreana.

Dall'alto della sua poderosa grandezza e della sua inarrivata forza poetica espressa in ormai cento film, Im si conferma uno dei più grandi maestri del Cinema moderno,l'emblema di una cultura profondamente radicata nelle sue tradizioni cui il regista guarda come unico mezzo per la riscoperta di una coscienza individuale e di popolo.

Impressioni sul 6° Festival Internazionale del Cinema di Roma ( 27/10 - 4/11 2011)

2011-11-05T13:46:00.003+01:00

Con i premi assegnati ieri sera si è concluso il 6° Festival del Cinema di Roma.

Lungi dal voler stilare i soliti aridi bollettini su giudizi critici riguardo ai lavori presentati voglio qui riportare solo alcune impressioni sulla kermesse cinematografica, focalizzando alcuni punti e alcuni momenti che maggiormente mi hanno interessato.

Giudizio complessivo: difficile da esprimere; sarà perchè di festival ancora giovane si tratta, sarà perchè non è ancora chiaro cosa voglia offrire, ma questo Festival risulta un po' troppo senza anima; nato come Festa del Cinema sembra voglia trasformarsi in un evento festivaliero a tutti gli effetti, sulla scia dei grandi eventi cinematografici (Venezia, Cannes, Berlino, solo per citarne alcuni) , senza però avere una visione di insieme del cinema che tali eventi necessitano. L'avere relegato ad esempio il cinema asiatico a tre sole opere nell'arco di tutte le rassegne è scelta scellerata, essendo tale cinematografia e tale industria sicuramente la più viva e la più dinamica di questi anni, per di più presentando lavori che già da mesi hanno visto la luce e già disponibili nel mercato dell'Home Video.

Il fastidioso nazionalismo per il quale si vogliono infarcire le rassegne con una pletora di lavori italiani poi è assolutamente fuori luogo, a meno che non si decida di trasformare il Festival in un traino per il cinema italiano.

Dal prossimo anno, pare, qualcosa cambierà a livello di direzione, vedremo quale strada si deciderà di intraprendere.

Nulla da eccepire sulla organizzazione che si è dimostrata puntuale e valida, anche se con qualche piccolo ritardo negli orari.

I momenti da ricordare: sicuramente almeno due film, Un cuento chino e Love for life, lavori belli , il primo dei quali non avrà difficoltà a raggiungere il successo nelle sale, dove andrebbe proiettato con la didascalia: "Ecco come si fa una commedia brillante in maniera intelligente, prendete esempio voi eredi della Commedia all'Italiana".

Il red carpet di Wim Wenders, affabile e disponibilissimo, nonostante la sua fama di personaggio schivo.

La magnifica Zhang Zihy, colpevolmente trascurata a livello di premi

Michelle Yeoh , protagonista del film d'apertura

I luoghi del Festival: il parco della Musica è struttura che fa invidia anche alle città più evolute, oltre ad essere una delle pochissime opere degne di nota realizzate a Roma negli ultimi quaranta anni; le sale sono confortevolissime e il villaggio tutto offre una buona accoglienza.

I momenti da dimenticare: la consueta sfilata di pagliacci, esibizionisti, infiltrati e personaggi vari che non sanno neppure come si scrive Cinema, ma questo purtroppo è un vecchio difetto.

Noomi Rapace che è brava sicuro, ma che non si capisce dove basi i suoi atteggiamenti da personaggio consolidato dello star system, visto che ha fatto tre film uno peggio dell'altro (la mefitica trilogia ) e che quello presentato a Roma, per cui è stata anche premiata, non è che si sia un capolavoro, anzi; per non parlare dell'atteggiamento avuto, in combutta con tutta la delegazione di Babycall, alla proiezione del film, dove passati quindici (leggasi quindici) secondi dall'inizio se la sono svignata dalla sala per ricomparire tre minuti prima della fine.

Cosa c'entrino con un Festival del Cinema, documentari (si fa per dire...) come quelli sul calciatore Di Bartolomei o sullo spacciatore pregiudicato ( o geometra , come preferite) Cucchi morto in circostanze poco chiare rimane un mistero glorioso, ma in un mare magnum dove tutto è ammesso a livello cinematografico c'è poco da stupirsi.

E per finire una considerazione banale ma che fotografa un aspetto di costume e culturale: l'enorme divario tra la disponibilità e la mancanza di atteggiamenti divistici tra i rappresentanti della cinematografia orientale e quelli occidentali (escludendo il divo Richard Gere); pronti a farsi fotografare con il pubblico e al dialogo i primi, molto più a distanza i secondi, quasi a temere il contatto. Credo sia una semplice conseguenza del modo di intendere il cinema e il ruolo di personaggio pubblico che trae origine da profonde differenze culturali.

Love for life ( Gu Chang-wei , 2011 )

2011-11-05T12:30:00.002+01:00

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L'amore straziante ai tempi dell'AIDS

Il terzo lavoro di Gu Chang-wei giunge a capolinea dopo una lunga gestazione durata svariati anni ostacolata da difficoltà economiche e problemi con le autorità cinesi, che hanno portato al fine ad un taglio di circa 40 minuti, periodica costante nelle opere del regista cinese.

Questo bailamme che ha accompagnato il film si ripercuote in piccola parte sul prodotto finale in cui è chiaro che sono presenti delle mutilazioni, probabilmente nascoste dietro logiche di mercato ma che di fatto vanno a smussare gli angoli di una tematica sociale che per le autorità cinesi è ancora quasi un tabù da evitare con cura.

Il lavoro di Gu Chang-wei, presentato al Festival di Roma e colpevolmente non considerato a livello di riconoscimenti, affronta il tema del contagio da Aids che si sviluppò nei primi anni 90 a causa del mercato clandestino di sangue.

Il regista ambienta il suo lavoro in un piccolo paese montano della Cina in cui quel mercato ha causato un'alta percentuale di infetti ed è raccontato , come voce narrante, da un ragazzino di 12 anni,che vediamo morire all'inizio del film, figlio del principale untore nonchè tenutario del losco traffico.

Gli infetti del paese si ritrovano a vivere in una scuola abbandonata, segregati, strappati e cacciati dalle loro famiglie , sotto la supervisione del vecchio padre di Qi Quan, il primum movens del contagio, e di De Yi il figlio minore anch'esso contagiato, quasi a voler risarcire con il suo altruismo la comunità lacerata dal male.

In questa sorta di autoemarginazione in cui vivono i contagiati vengono a galla i sogni infranti, le meschinità e i drammi famigliari e c'è spazio anche per l'amore tra De Yi e Qin Qin entrambi sposati ed egualmente ripudiati e allontanati dalla famiglia.

La storia d'amore tra i due diventa il motore portante del film, tra i dubbi , le difficoltà , le accuse derivate dal perbenismo delle tradizioni, ma è un amore totalizzante che arriva al punto di sostituire e comprendere ogni tipo d'amore perfino quello filiale: Qin Qin e De Yi non sono solo amanti, ma incarnano uno per l'altra un ruolo materno e paterno, come a volere rendere il loro sentimento indissolubile e completo.

La minaccia della morte imminente e della separazione porta i due a ottenere il divorzio e finalmente a riceve il fatidico documento rilegato in rosso che attesta l'avvenuto matrimonio, nonostante l'ostilità delle famiglie e della comunità.

De Yi e Qin Qin cercano nell'unione verso e oltre la morte quel riscatto da una vita in cui la malattia contratta per realizzare futili aspirazioni che necessitavano di denaro ha spezzato il loro universo in maniera definitiva.

Se è vero che dal punto di vista sociale il tema della malattia è poco sviluppato, con grande rimpianto degli immancabili cultori della denuncia politica a tutti i costi, il film volge il suo sguardo su una storia di sentimenti bella e profonda, più forte della malattia e dei pregiudizi, in cui i due protagonisti trovano la loro effimera felicità, magnificamente raccontata nella scena del loro giro in paese a donare caramelle, come si usa in Cina, mostrando il loro certificato di matrimonio di un rosso sgargiante come il vestito di lei e la cravatta di lui, di fronte al quale il paese si ritrae come atterrito ed incapace di comprendere come possa esistere uno sprazzo di felicità in esistenze indelebilmente segnate.

Il finale del film poi è di una bellezza che lacera e strappa il cuore a dimostrazione di una capacità da parte di Gu Chang-wei di saper raccontare storie in cui il sentimento allo stato puro sa affermarsi violentemente anche in un contesto di profonda emarginazione e che fanno di Love for life uno dei più bei film cinesi dell'anno, nonostante, vuoi per il mega taglio imposto, vuoi per il ripresentarsi di certe pecche a livello di regia che già si erano viste nel precedente And the spring comes, la pellicola mostri in qualche momento piccoli inceppi narrativi.

Zhang Zyhi, nel ruolo di Qin Qin , raggiunge un livello di maturazione recitativa che mai le avevamo visto, regalando una prova che emoziona e commuove; bravissimo anche Aaron Kwok nella parte di De Yi, che sa rappresentare fatalismo e voglia di vivere in un mix perfetto; in una parte minore, ma degna di lodi immense , la moglie del regista , quella Jiang Wenli che già magnificamente aveva interpretato l'aspirante cantante d'opera del precedente lavoro di Gu Chang-wei.

E per finire, minuscola parte di Jiang Wen, di cui il regista è stato sceneggiatore in alcuni dei suoi lavori compreso il capolavoro Devils on the doorstep, nel ruolo del macchinista del treno che in uno dei momenti visivamente più belli, conduce la macchina che sbuffa vapore sulla strada ferrata che percorre il crinale della montagna.

Nuit blanche ( Frederic Jardin , 2011 )

2011-11-03T23:12:00.001+01:00

Tutto in una notte e in un luogo

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La notte bianca del titolo è quella che aspetta il poliziotto Vincent, dopo che in un'alba livida parigina ha sottratto, in combutta con un collega corrotto, un carico di droga a dei trafficanti: una notte bianca come la droga e come la farina che cerca di spacciare per cocaina, una notte buia , claustrofobica e frenetica trascorsa nella discoteca del boss che ha imbrogliato il quale gli ha rapito il figlio affinchè gli restituisca la merce, una notte che sembra un incubo techno tra musica sparata all'infinito, botte, borse cariche di droga che ballano tra i controsoffitti, facce da galera, trafficanti corsi che vestono Dolce & Gabbana e trafficanti turchi, poliziotti corrotti, poliziotti iperzelanti, biondone dalle cosce lunghe, una vita da riscattare e un figlio da salvare e da cui ottenere fiducia e affetto.

Sfruttando clichè abbastanza consolidati e richiamando , rivisitandoli alla luce del terzo millenio, ambientazioni alla Melville, Frederic Jardin dirige questo thriller che se un pregio possiede è quello del ritmo, talmente sostenuto e dominante sulla struttura narrativa che viene da pensare che spesso vada a sovrapporsi , colmandole, a grosse lacune strutturali della sceneggiatura.

Il film indubbiamente parte bene, infila gli artigli sulla preda e non la molla, costruisce una situazione che fa della frenesia il suo punto forte, presenta personaggi che sembrano quasi scambiarsi i ruoli in una miscela di buoni e cattivi, corrotti e integerrimi, finti buoni e buoni veri, ma quando ciò non basta più, il racconto sembra avvitarsi su stesso in una sorta di incubo chiuso nello spazio (la discoteca) e nel tempo (una notte), in attesa di un finale che sembra anche trascinarsi un po' troppo, lasciando volutamente incompiuta la quadratura del cerchio.

La carrellata di personaggi è senz'altro interessante e dona anche qualche sprazzo di ironia (bellissimo e cinemtograficamente perfetto quello del boss corso Marciano) così come la promiscuità dei ruoli tra varie gamme di cattivi e di buoni regala mille sfaccettature; però da un certo punto in poi il film sembra diventare un nastro che si ripete per troppe volte: stessi ambienti, stesse situazioni, stessi dialoghi , scandito il tutto con un ritmo che non cala mai, neppure un minuto, fino quasi ad apparire confusamente convulso.

Lavoro quindi con tante zone grigie, alti e bassi , bianco e nero suddivisi a metà che dimostra come Jardin tecnicamente sia efficace con quel suo accalappiare lo spettatore e trascinarlo dietro ai protagonisti braccandoli, ma che rimane un po' troppo sospeso tra un noir classico e un thriller frenetico , incapace una volta giunto al culmine di saper dare quel colpo di coda che fa di un film un lavoro eccellente.

Vanno segnalate le buone prove degli attori, su tutti Tomer Sisley nella parte di Vincent, che consentono al film di poter contare su una bella caratterizzazione dei personaggi.

Un cuento chino ( Sebastian Borensztein , 2011 )

2011-11-03T22:12:00.001+01:00

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Un incontro fissato dal destino

Proviene dall'Argentina, terra dove il cinema sta vivendo un buon periodo di fertilità, uno dei film che la critica ha unanimemente riconosciuto come uno dei migliori del Festival di Roma ed in effetti, grazie ad atmosfere da commedia brillante miscelate sapientemente a riflessioni esistenziali, il lavoro di Borensztein è godibilissimo, divertente al punto giusto, in alcuni momenti commuove anche ,usando sempre toni contenuti che non escono mai dai confini del buon gusto e dell'intelligenza.

E' la storia dello strano incontro tra Roberto, origini italiane, gestore di un negozio di ferramenta, profondamente segnato nella vita famigliare e negli affetti con Jun , un giovane cinese volato in Argentina alla ricerca dello zio, suo unico parente rimasto vivo; la convivenza forzata che si impone Roberto, mosso a compassione dal giovane perso nelle vie di Buenos Aires, mette però a dura prova la stabilità dell'uomo, abituato a vivere da solo, sommessamente, leggendo e collezionando ritagli di giornale che parlano di notizie assurde che sembrano scherzi del destino, ripetendo riti quotidiani, girando per la città con la sua Fiat 1500 anni 60, rifiutando gli assalti di una spasimante.

I tentativi di liberarsi della presenza del ragazzo cinese portano a scarsi risultati: lo zio è irrintracciabile e Roberto è un buono con la scorza del misantropo che in qualche modo si lega al giovane.

Ma quel destino beffardo, che Roberto insegue collezionando notizie assurde di cui non riesce ad afferrare il senso, ha riservato per lui un ultimo scherzo che metterà a confronto due vite così apparentemente distanti ed incomunicabili ma che in realtà sono così simili.

Giocando sull'incompatibilità dell'idioma e sulla singolarità della vicenda narrata, il regista costruisce dei dialoghi che, soprattutto nella prima parte del film, strappano risate sincere insieme a situazioni che regalano al lavoro una fresca e intelligente brillantezza; scolpisce un personaggio, quello di Roberto, cui ci si affeziona subito così carico di umanità dolorosa e ironica al contempo e che trasuda nostalgia, mostra un incontro-scontro dove la difficoltà linguistica acuisce le distanze per poi presentarci una chiave di lettura in cui le distanza vengono colmate dalla capacità del destino di avvicinare mondi incomunicabili.

E anche quel tocco di sentimentalismo che raggiunge l'apice del confronto tra i due, mediante un improvvisato interprete, non presta mai il fianco a facili scadimenti di stile, così come il finale che sembra indicare una via d'uscita sia a Roberto che a Jun.

E' senza dubbio un bel film, di quelli in cui con garbo ed intelligenza si ride, ci si commuove, ci si sente vicini ai protagonisti, si partecipa ad un percorso umano di rinascita e di riscoperta di qualcosa che si riteneva sepolto per sempre, si accettano le scelte del fato che poi alla fine un senso ce lo hanno sempre.

Bravissimo ancora una volta Ricardo Darin che già apprezzammo nel pluripremiato Il segreto dei suoi occhi di Campanella, splendido interprete di un personaggio cinematografico tra quelli che vanno iscritti nell'album dei ricordi tanto è carico di sfaccettata umanità

Come rain come shine ( Lee Yoon-ki , 2011 )

2011-11-02T12:02:00.001+01:00

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La pioggia e poco altro

Tipico esempio di lavoro che sembra costruito apposta per dividere critica e pubblico, Come rain come shine del coreano Lee Yoon-ki , autore intorno al quale si intuisce un'aura festivaliera di quelle potenti, vorrebbe essere il racconto di un rapporto interpersonale apparentemente giunto al capolinea tra silenzi, noia e solitudine interiore, una fotografia di un disagio emozionale che sembra risolversi in una inespressività sentimentale.

Tutto ciò, è bene dirlo, è quello che il film vorrebbe essere, una lettura filtrata di quanto scrivono coloro cui il film è piaciuto.

In realtà Come rain come shine risulta essere un esercizio di vacuità assoluta, in cui vorrebbero insinuarsi refoli di alito rohmeriano iperminimalista col risultato di assistere ad una pellicola che alla fine appare quasi irritante con quel suo giocare sulle emozioni filtrate, sui silenzi e sui gesti quotidiani.

Già l'inizio del film , in cui vediamo i due protagonisti avviarsi in macchina all'aeroporto, si regge su una conversazione di dieci minuti in cui , tra silenzi, mezze parole, monosillabi, scopriamo che lei ha intenzione di lasciare lui, il quale invece progetta di trasferire il suo studio a casa per poter stare più vicino alla moglie.

Dopo di che inizia il diluvio universale , che dura tutto il film , riempiendo i lunghi silenzi con scrosci d'acqua dal forte senso di metafora costruita a fini narrativi: i due sono in casa, lei prepara le sue cose da portare via, lui gironzola intorno nell'attesa che giunga l'ora dell'ultima cena che si sono concessi, lo sguardo quasi inebetito, i modi cortesi quasi a volere ferire lei che se ne va; e poi una scia infinita di particolari riproposti periodicamente: la cenere sul cuscino, il pupazzetto, l'acqua che entra dalle finestre lasciate aperte e che gocciola dal soffitto, ogni tanto qualche parola che vorrebbe portare in superficie ricordi.

Grande picco di vivacità quando entra in scena un gattino che si è perso e al seguito, parossismo estremo, i vicini di casi, padroni del gattino che irrompono in casa e sulla scena.

Finale volutamente ambiguo in cui si ripete che andrà tutto bene ma non si capisce se per il gattino o per i due coniugi.

Come detto, il vuoto che emerge da questo lavoro, non è il risultato di una dinamica interiore e relazionale dei due protagonisti,bensì il risultato di un atteggiamento minimalista forzato e spinto oltre gli eccessi, condito da un formalismo e da una cura per l'immagine tale da far apparire il film spesso e volentieri come un promo di uno studio di architettura uscito da qualche rivista specializzata, uno specchiarsi continuamente in se stesso come a voler dimostrare di saper costruire una storia in cui non avviene nulla e in cui anche le lacrime debbono trovare la giustificazione delle cipolle tagliate.

Saper guardare dentro le persone è esercizio cinematografico difficilissimo che pochi sono in grado di fare con efficacia, così come infarcire il film di silenzi lunghi e di piccoli gesti non significa necessariamente votarsi all'introspezione, soprattutto quando il silenzio è sterile e non una marea montante violenta come ci ha insegnato ad esempio Kim Ki-duk, connazionale del regista.

Il film riesce anche nell'ardua impresa di mutilare i due attori protagonisti, reduci tra l'altro da prove precedenti in cui avevano mostrato una certa capacità: sia Hyun Bin che Ha Jung-woo sembrano più personaggi capitati lì per caso che protagonisti di una storia che fa acqua da tutte le parti, in tutti i sensi.

Babycall ( Pal Sletaune , 2011 )

2011-11-01T19:51:00.001+01:00

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Thriller psicologico con spiegazione finale

Approda al Festival del Cinema di Roma l'autore di quel Naboer che tanto impressionò la critica e, con il traino dell'astro nascente del divismo cinematografico Noomi Rapace, presenta un altro thriller psicologico che per molti aspetti segue le orme del precedente, che, va detto, non è che fosse un capolavoro assoluto del genere , però rivitalizzava il panorama dello psycothriller con una struttura filmica interessante e avvinghiante.

Babycall, purtroppo, non offre il medesimo risultato, seppur segua molto da vicino il canovaccio strutturale di Naboer: stesse ambientazioni nordiche, qui molto dilatate all'esterno, con il medesimo risultato claustrofico, storie di malesseri psicologici profondissimi acuiti da un ambiente freddo e grigio in cui realtà ed immaginazione si rincorrono, si incrociano e si fondono fino a perdere i rispettivi connotati, stesso percorso a ritroso nella mente della protagonista fino al drammatico finale.

E' la storia di Anna , giovane madre fuggita col figlio di otto anni da un marito violento e sotto tutela del servizio di protezione dell'infanzia; la donna è ossessivamente preda della paura per le sorti del figlio che aveva subito violenze dal padre e vive la sua vita in perenne tentativo di simbiosi col ragazzino, circondata da fantasmi e da paure.

Il babycall del titolo è l'apparecchietto che la donna compra per consentire al figlio di dormire da solo e poter ascoltare ogni suo respiro, se non che quell'oggetto che dovrebbe infondere sicurezza si trasforma in un veicolo di angoscia e terrore nel momento in cui rimanda voci, pianti e urla provenienti da un'altra casa all'interno del gigantesco condominio in cui Anna vive e che sembrano voler riportare a galla vecchi traumi.

Anna vive da sola, perennemente sospettosa di tutto e di tutti, l'unico che riesce con lei a stabilire un contatto è il commesso di un magazzino di oggetti elettronici che intuiamo, strada facendo, sembraavere un certo background personale simile a quello della donna e del ragazzino.

Ben presto realtà e immaginazione, paure e desideri, angoscia e dramma si accavallano, si confondono, in un perenne rewind della vita di Anna, fino ad un epilogo molto mal costruito, nel suo tentativo un po' goffo di dare una spiegazione logica agli eventi.

Quello che rendeva Naboer apprezzabile, e cioè il claustrofobico appartamento labirintico abitato dai protagonisti della vicenda, qui si trasforma in un casermone della periferia di Oslo, emblema della freddezza e della spersonalizzazione, e Sletaune insiste molto sull'ambiente esterno per tipizzare il racconto circondandolo di freddezza e di solitudine, di notti infinite e di giorni in cui il sole non tramonta mai, ma l'effetto ottenuto non è lo stesso, anche se pian piano la tensione, sottile, cresce e avviluppa man mano che le vicende si aggrovigliano e si definiscono allo stesso tempo.

Purtroppo però almeno un paio di passaggi essenziali nel film risultano confusi e contraddittori, e se il risultato raggiunto è comunque discreto per quanto riguarda il racconto di una vita giocata tra malessere e rinascita, realtà e ossessiva immaginazione, proiezione di desideri e di paure, il fatto che un thriller contenga elementi poco o mal intellegibili è elemento che gioca contro in maniera decisiva.

Raccontare la realtà reale e quella costruita da una mente violentemente lacerata è esercizio spesso difficile che necessita grande equilibrio: Sletaune ci riesce con una regia buona che calca la mano sull'ambiente e sulla solitudine, stecca però abbastanza clamorosamente sulla struttura del racconto e quel siparietto finale che sa di tentativo di offrire una chiave di lettura altrimenti difficile da reperire ne è l'esempio lampante.

Conferma della bravura di Noomi Rapace, pericolosamente avviata a ricevere le stigmate cinematografiche della donna fragile, problematica e un po' sfigata, buona anche la prova, nella parte dell'amico commesso, di Kristoffer Joner, che era stato il protagonista di Naboer.

And the spring comes ( Gu Chang-wei , 2007 )

2011-10-30T21:58:00.002+01:00

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L'arte e la libertà

Dopo una lunga e gloriosa carriera come sceneggiatore in lavori tra i più importanti del panorama cinematografico cinese degli ultimi venti anni, Gu Chang-wei imbraccia la macchina da presa e, a partire dal 2005, sforna tre lavori di cui And the spring comes è il secondo; se il film dal punto di vista della regia presenta più di una sbavatura, altrettanto non si può dire delle tematiche che tratta e dell'insieme che ne scaturisce.

Il racconto di Gu si ambienta nella provincia cinese settentrionale , nel periodo storico che segue da vicino la fine della rivoluzione culturale, la morte di Mao e i primi accenni alla modernizzazione e alle aperture; protagonista è Wang Cai-ling, una donna che ha fatto del canto e dell'amore per l'opera, soprattutto quella europea ed italiana in particolare, il suo motivo di vita; la sua grande aspirazione è trasferirsi a Pechino per poter inseguire il sogno di diventare una cantante.

Nella sua vita transitano svariati personaggi, tutti più o meno animati da una passione artistica, dall'operaio incantato dalla sua voce e segretamente innamorato di lei, nonostante all'apparenza sia tutt'altro che attraente, un aspirante pittore che vorrebbe seguire le gesta di Van Gogh ma che regolarmente vine respinto alla scuola delle belle arti di Pechino e che a sua volta rifiuta l'amore della donna scaturito dalla solitudine e dall'empatia artistica, un ballerino omosessuale che per scacciare da sè i pettegolezzi e il senso di emarginazione propone alla donna di sposarlo e che alla fine, di fronte al rifiuto, preferisce finire in galera con l'accusa di stupro, una giovane cantante che pur di comparire in Tv inventa con cinismo malattie ed eventi tragici.

Tutte aspirazioni che traggono origine da presupposti diversi da quelli di Wang Cai-ling e che simboleggiano i vari approcci all'arte, tutte naturalmente frustrate perchè non contengono quello spirito libero che dall'arte deriva e che offre uno sguardo più ampio del mondo.

Wang è di fatto una emarginata, racchiusa nella sua solitudine, frustrata nelle sue aspirazioni, incapace di esprimere i suoi stati d'animo perchè circondata da meschinità, convenzioni e cattiveria.

Nonostante il finale che sembra lasciare aperto qualche spiraglio, la storia è percorsa da un sottile e insinuante senso di pessimismo e al tempo stesso si fa portavoce dell'importanza dell'arte come tramite per oltrepassare la cortina che nasconde lo sguardo.

La figura di Wang disegnata da Gu Chang-wei è di quelle che creano subito un legame empatico con chi guarda: la sua solitudine, la sua frustrazione che non riesce però a dominare il suo sogno, lo scontro ideologico con gli altri personaggi ancora legati a certe convenzioni incapaci di scrollarsele di dosso definitivamente, fanno della protagonista una eroina dell'individualismo e della libertà di espressione, metafora dietro la quale si cela probabilmente un richiamo alla condizione del Paese intero.

Quello in cui il film pecca è una certa frettolosità nel presentare le situazioni, al punto che a volte si ha la sensazione di trovarsi davanti a sprazzi di vita raccontata seppur con grande capacità tecnica dal regista; nonostante ciò il film è bello, al punto di commuovere in alcuni passaggi in cui la figura tormentata della donna si staglia con maggiore forza e racconta comunque un sentimento diffuso negli anni ottanta della Cina e cioè l'incapacità di poter ampliare lo sguardo sulla vita con le proprie capacità individuali.

La riflessione sull'approccio all'arte , sul talento inespresso, sulla meschinità e sulle aspirazioni deluse è sicuramente ben costruito, anche nei personaggi secondari che ruotano intorno alla figura quasi "eroica" di Wang Cai-ling, interpretata da una straordinaria Jiang Wenli, insignita per la sua interpretazione, in cui ha messo in gioco molto di se stessa anche fisicamente ( è ingrassata per esigenze di copione di svariati chili), del premio come migliore attrice protagonista al Festival Internazionale del Cinema di Roma.

Poongsan ( Juhn Jaihong , 2011 )

2011-10-29T23:52:00.000+02:00

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Storia d'amore e di spie con sprazzi del vecchio Kim Ki-duk

Scritto e prodotto da Kim Ki-duk e diretto dal suo aiuto regista Juhn Jaihong, Poongsan ha ottenuto grande successo in patria, principalmente perchè va ad affrontare un tema che nel popolo coreano rimane una ferita perennemente aperta e cioè la divisione del paese tra Nord e Sud.

Il film in effetti si adagia molto su questa tematica, virando a volte verso una vera e propria spy story, che confluisce però in un'altra serie di assi narrativi che portano ad uno sviluppo del film non proprio lineare.

Il protagonista della vicenda è un giovane misterioso identificato dal marchio di sigarette che fuma convulsamente , Poongsan appunto, il quale scorrazza in lungo e largo nella Zona demilitarizzata che divide i due paesi, trasportando oggetti, messaggi e anche persone; il suo è un lavoro rischioso, ma anche una sorta di missione umanitaria, spinto da non si capisce bene quali motivi; non lo sentiamo mai parlare e lo vediamo armato di grande forza e vigoria scavalcare le reti elettrificate del confine addirittura con uno stile da astista degna del miglior atleta al mondo.

Caduto nelle mani del servizio segreto sudcoreano verrà utilizzato nella missione di condurre al Sud la donna amata da un importante transfugo nordcoreano da cui i servizi si attendono grandi rivelazioni.

Il viaggio porterà alla nascita di un amore tra il giovane e la donna, un amore in perfetto stile Kim Ki-duk prima maniera e ben presto l'uomo si troverà nella morsa, braccato dai coreani del sud e da quelli del nord; la sua diventa quindi una battaglia per difendere se stesso e la donna amata, una battaglia drammatica fatta di spioni, ottusità politica, torture e sangue.

Il film offre degli spunti interessanti, riecheggia, come detto, ambientazioni famigliari (Ferro3, Bad Guy, L'isola), mette in piedi una spy story d'azione che soprattutto nel finale si trasforma in una sarcastica denuncia del potere politico, si compiace nella consueta denuncia del potere costituito sudcoreano attraverso la descrizione di personaggi e situazioni legate al mondo dei servizi segreti in cuia abbonda la dabbenaggine e l'idiozia; tutto però è condotto senza spunti che diano un senso di compiuto, il racconto si perde come un rivolo d'acqua nel deserto e i momenti sicuramenti più belli, che non mancano, sono quasi delle citazioni dei lavori precedenti di Kim Ki-duk cui il regista però non riesce a dare la giusta profondità.

L'amore taciturno primordiale giocato in un bacio tra lacrime e sangue, le torture che assomigliano tanto agli ami conficcati nella pelle, una sottile cattiveria di fondo che accompagna il dramma della narrazione sono solo dei fugaci sprazzi in un contesto in cui nè la storia d'amore, nè il melodramma, nè l'azione nè tanto meno la vicenda del protagonista, un po' troppo ovvia nel finale, riescono a giungere a termine in maniera convinta.

La scelta di presentare un protagonista così troppo misterioso, di cui non si sa nulla riguardo ai motivi che lo portano ad agire in quella maniera se da un lato crea un personaggio che possiede un certo appeal cinematografico, dall'altro appare una scelta che mutila la validità del racconto, così come i bei momenti che sa offrire il film (la rete con attaccati i messaggi di coloro che hanno la famiglia al nord, il sarcasmo col quale vengono disegnati comunisti e sudcoreani, la fuga notturna dei due protagonisti) appaiono troppo isolati in un contesto che non si riesce a capire bene dove voglia volgere lo sguardo.

Il lavoro di Juhn Jaihong riesce alla fine ad essere passabile, perchè comunque degli sprazzi di buon cinema ci sono, ma l'impressione è quella di non avere saputo costruire su degli spunti validi una storia che stia ben salda sulle sue gambe.

Buona nel complesso la prova di Yoon Kye-sang nella parte del misterioso e senza parole personaggio e di Kim Gyoo-ri in quello della giovane fuggiasca.

Pubblicata anche su AsianWorld.it

Turn me on, Goddammit ! ( Jannicke Systad Jacobsen , 2011 )

2011-10-28T00:39:00.002+02:00

I turbamenti di una adolescente

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Dopo avere riscosso un grande successo a New York al Tribeca Film Festival, l'opera prima della regista norvegese Jannicke Systad Jacobsen, viene presentata al Festival del Cinema di Roma , fuori concorso nella rassegna collaterale L'altro Cinema Extra ed anche in questa circostanza l'accoglienza è stata più che positiva, strappando fragorosi applausi al termine della proiezione.

Il lavoro in effetti possiede numerosi pregi, primo fra tutti quello di affrontare il tema del disagio adolescenziale prevalentemente sotto l'aspetto sessuale, trattandolo però con una ironia fuori dal comune alle latitudini scandinave.

Sin dai primi fotogrammi, in cui ci viene presentato il minuscolo paese dove si svolge la vicenda, è chiarissima l'ambientazione nordica: grandi spazi, paesaggi bellissimi e verdissimi, strade desolatamente vuote, animali al pascolo, luce ossessivamente sempre presente e giovani annoiati, che vivono la loro vita tra la scuola, la casa , un fatiscente centro giovanile in cui si consumano feste danzanti, l'immancabile bottiglia di birra e qualche canna.

Alma , la protagonista, appartiene in tutto e per tutto a questo ambiente in cui non c'è spazio per lo svago e che di necessità si crea una sorta di mondo collaterale fatto di linee erotiche telefoniche molto amatoriali, immaginazione sfrenata e infatuazioni adolescenziali.

La famiglia, come sempre, è una struttura che tende ancor più all'isolamento e che crea un rapporto conflittuale; le amicizie sono più incontri di malesseri e di sogni nel cassetto e quando l'infatuazione sembra essere giunta ad un punto concreto di tangibilità, si presenta però con una esplicità che spaventa la ragazza.

Il mondo circostante sembra isolare Alma, emarginarla, ma forse è solo la sua fervida immaginazione che galoppa spesso in direzioni che cozzano con la realtà , sempre sospinta dall'impulso sessuale.

Ricomporre i pezzi sarà l'atto finale della storia e forse il termine di un processo formativo.

Detta in questo modo si può legittimamente credere di essere di fronte ad un film austero, ma la regista esordiente, e qui sta il valore intrinseco del film , sa usare i toni da commedia e una forte ironia per raccontare quella che è una storia di malessere generazionale che si esplica anche nelle figure dei coetanei di Alma, percorse da aspirazioni che sembrano essere frustrate sul nascere, al punto che l'immaginazione diventa l'arma per cambiare, illusoriamente, le cose.

E' proprio la forza dell'immaginazione che si insinua nel racconto, alternandosi alla realtà, che ad certo punto sembra stravolgere e offrire una lettura diversa delle cose: quell'approccio sessuale è avvenuto veramente? Cosa accade veramente e cosa è solo frutto di una immaginazione taumaturgica che serve solo a sfuggire dal disagio esistenziale?

La Jacobsen racconta con leggerezza e con toni che spesso strappano risate sincere una storia piccola, da tutti i punti di vista, ma che sa essere universale e regala momenti di frizzante brillantezza che fanno di questo lavoro una commedia che vuole narrare il processo di formazione di una adolescente in cui il tranquillo e sempre uguale a se stesso ambiente circostante diventa una cappa opprimente.

Il film insomma è una piacevole sorpresa in cui il brio e la genuinità di una schiera di esordienti, a partire dalla regista per finire ai giovani interpreti, dona una forza creativa che rimane viva fino all'ultimo fotogramma.

Intervista a Wang Xiao-shuai

2011-10-24T11:16:00.003+02:00

Ho incontrato Wang Xiao-shuai a margine della rassegna AsiaticaFilmMediale che si è tenuta a Roma recentemente.

Il regista , disponibilissimo, ha dimostrato grande desiderio e passione nel parlare del suo cinema , della situazione del cinema in Cina, della situazione sociale e culturale del suo paese natale, tendendo sempre a sottolineare come dietro una facciata vivace e moderna, quel paese nasconda forti contraddizioni, soprattutto nel cinema, dove le voci dei cineasti indipendenti sono spesso frustrate ed emarginate da problemi economici derivanti da una industria che ha sposato a pieno la logica capitalistica occidentale.

L'intervista integrale può essere letta sulle pagine di AsianWorld

This must be the place ( Paolo Sorrentino , 2011 )

2011-10-23T18:41:00.002+02:00

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Stavolta Sorrentino stecca

Va in America Paolo Sorrentino per il suo ultimo film e la sua prepotente parabola di qualità subisce una brusca frenata.

Vero che la rockstar in rottamazione protagonista del film somiglia molto come stereotipo ai personaggi atipici che popolano il cinema del regista (usurai viscidi, cassieri della mafia eroinomani e sociopatici, il politico per eccellenza , il Divo Giulio), ma tutta la storia che ruota intorno a lui zoppica pesantemente, accellera confusamente e frena repentinamente, si perde in divagazioni tenute assieme da una buona capacità di regia e dalla figura del personaggio protagonista, ma alla fine, lascia poco e niente.

Ma nonostante questo e nonostante la prova istrionescamente buona di Sean Penn, il personaggio stesso disegna più spesso ombre che luci al punto che tutto ciò che ruota intorno a lui si perde in mille rivoli, taluni dei quali francamente poco comprensibili.

Nella prima parte del film è la figura quasi grottesca di Cheyenne, parodia di se stesso, rockstar sull'orlo di un baratro esistenziale combattuto tra depressione e poco credibili sensi di colpa, che vaga all'interno della storia tra una casa algida, una piscina sempre vuota, il fedele carrello per la spesa sempre dietro, il soffio per spostare i capelli che scendono sugli occhi, un ruolo da iniziatore alla vita (o di ruffiano) per la giovane amica, un vago senso di morte ( con relative riflessioni filosofiche) che gli aleggia intorno; un girovagare senza quasi costrutto, tutto molto poco definito al punto da risultare anche abbastanza noioso.

Sembra trovare la meta nel momento in cui, imboccando un binario vagamente Wendersiano, il film inizia a presentare pretese da road movie con Cheyenne che torna a casa in America per la morte del padre da cui non ha rapporti da molti anni.

E' un tuffo in un tentativo di analisi famigliare di un rapporto mai sviluppato che Cheyenne cerca di rivitalizzare mettendosi sulle tracce del carnefice del padre ai tempi dei campi di concentramento in Germania, di cui inizia a seguire le tracce basandosi su un diario e vagando tra posti sperduti del Michigan del New Mexico e dell'Utah, a bordo di un pick up affidatogli da uno strambo ma efficacissimo personaggio , questo sì in stile Sorrentino, in una atmosfera falsamente Coeniana.

Ma anche il road movie regge poco, a parte il colpo di coda del finale, in cui qualche pennellata indubbiamente bella si perde in un racconto che si appiattisce troppo.

Regia che senz'altro regala buone immagini che però stavolta restano solo negli occhi e colpiscono poco o niente , inserti belli ma assolutamente fuori dal contesto (vedi la comparsata di David Byrne), interpretazione di Sean Penn buona e sopra le righe ma che non riesce a coprire la debolezza del personaggio, troppo simile ad una macchietta; forse l'immagine più bella del film è quella della struttura vetri e acciaio del Lansdowne Road Stadium che si staglia dietro le case di Dublino.

11 Flowers ( Wang Xiao-shuai , 2011 )

2011-10-20T10:30:00.000+02:00

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I ricordi e il dramma di un popolo

L'ultimo lavoro di Wang Xiao-shuai, esponente di punta della Sesta Generazione dei cineasti cinesi, è stato presentato in anteprima nazionale alla 12° edizione di Asiatica a Roma, alla presenza dell'autore stesso, dopo aver raccolto riconoscimenti e plauso sia al Festival di Toronto che a quello di San Sebastian.

Per stessa ammissione del regista è questo il suo lavoro con la più forte impronta autobiografica tra quelli fin qui da lui diretti, al punto che in larghi tratti la storia raccontata si sovrappone totalmente a quella personale del regista.

Dopo un paio di digressioni nell'epoca contemporanea, Wang ritorna sulle tematiche che erano la spina dorsale di Shanghai Dreams, ambientando il suo lavoro nelle stesse regioni e nella stessa epoca storica.

Le lancette della storia si posizionano in questo caso nell'ultimo anno della Rivoluzione Culturale, a metà degli anni 70, in quel sudovest della Cina divenuto, a partire da quindici anni prima , il cuore pulsante della produzione industriale cinese, grazie allo spostamento forzato di fabbriche, lavoratori e famiglie in una zona più facilmente difendibile in caso di invasione sovietica, ipotesi bellica che toglieva il sonno alla classe dirigente cinese, Mao in testa.

Il racconto, come è consuetudine nei lavori di Wang , si incentra sulle vicende di un ragazzino undicenne e della sua famiglia, andando ad esplorare un mondo piccolo, intimo , ma fortemente caratterizzato dalla Storia in cui le vicende personali si incastonano a costituire una proiezione ideale di un universo più grande.

E' una storia di dolorosa formazione, una iniziazione alla vita, vista con gli occhi di un ragazzino e inevitabilmente venata di un senso di nostalgia che però, soprattutto nel finale, non tiene celato il senso di tragedia che accompagna quel periodo storico con famiglie praticamente deportate, duramente sottomesse alla legge del lavoro, annichilite nelle loro aspirazioni, strappate alle loro radici e desiderose di tornare nei propri luoghi di origine.

Non a caso il piccolo Wang Han viene avviato alla pittura dal padre, amante della musica e delle arti,ma per necessità operaio in fabbrica, che cerca di strapparlo ai giochi cercando di instillare un senso artistico e culturale che possa in qualche modo renderlo libero almeno nella mente.

La scena in cui , alla luce di una candela, il padre mostra delle stampe impressioniste al figlio, tenute come cimeli proibiti, e spiega , metafora splendida, come guardare da vicino e apprezzare la luce in un quadro e nella vita, è senz'altro la più bella ed emozionante del film e sta lì ad indicare la strada del cinema di Wang: l'osservazione della realtà in ogni sua piccola piega come forza generatrice di quella curiosità che deve spingere l'animo umano in ogni sua attività.

Wang Han passa le sue giornate giocando coi coetanei, cantando canzoni popolari nazionalistiche sotto gigantografie del Grande Timoniere, frequentando la scuola dove si afferma come il ginnasta più bravo, osservando la vita dei grandi, iniziando a provare le prime pulsioni che lo attraggono verso l'altro sesso, desiderando una nuova camicia da indossare a scuola e incappando in un assassino che gli ruba la camicia imbrattandola di sangue.

Questo incontro sembra svelare al ragazzino un altro mondo nascosto dietro ai giochi, un mondo di sopraffazione, di sofferenze e di senso di rivalsa, che si concretizza nell'omicidio effettuato dal giovane che gli ruba la camicia, omicidio commesso per salvare l'onore della famiglia.

Dietro questo fatto che caratterizza il film si affacciano problematiche politiche e sociali che la Rivoluzione Culturale portò tragicamente a galla, fino all'epilogo, per molti aspetti simili a quello di Shanghai Dreams in cui l'altoparlante che accompagna i carcerati alla fucilazione snocciola impietoso i nomi e i reati commessi, accompagnato dalla folla in processione, ansiosa di assistere alla fucilazione come si trattasse di una festa patronale. Ma qui, sulle ultimissime e splendide sequenze, si consuma il processo di formazione del ragazzo: la presa di coscienza che anche a 11 anni la vita non è necessariamente un gioco.

Il film , e non poteva essere diversamente, è pervaso di una genuina sincerità che si estrinseca nell'occhio del regista che scruta con grande precisione un mondo piccolo, fatto di gesti quotidiani, uno scorrere lento, fortemente venato di quella nostalgia che accompagna i ricordi della fanciullezza, soverchiato però , come un macigno insopportabile, da una realtà storica drammatica, senza però mai cadere nella trappola della facile denuncia fine a se stessa.

Parlare di neorealismo anche in questo lavoro di Wang è forse eccessivo, perchè quello che emerge con più prepotenza è lo sguardo carico di ricordi rivissuti alla luce di un percorso storico e personale che ha segnato in maniera indelebile l'esistenza di numerose persone, ed il regista non manca di offrire questa chiave di lettura, dedicando il suo lavoro a tutti coloro che quell'epoca e quegli eventi vissero sotto il peso della tragedia personale che diventa tragedia di un intero popolo.

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Late Autumn ( Kim Tae-yong , 2010 )

2011-10-18T10:00:00.000+02:00

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Quando due solitudini si incontrano

Remake di un lavoro del regista Lee Man-hee, autore apprezzato degli anni 60-70, andato irrimediabilmente perduto e di cui esiste anche un altro remake negli anni 80 da parte di Kim Ki-young, Late Autumn, terza opera di Kim Tae-young, uno tra i più apprezzati registi coreani della nuova generazione che esordì con Memento mori, sicuramente il miglior capitolo della saga Whispering Corridors, è un lavoro che nasconde una certa ambizione e che, pur rimanendo in tutto e per tutto un'opera coreana, sceglie Seattle come ambientazione ( a detta del regista perchè per una storia triste serviva una città triste e nebbiosa) e si affida ad una accoppiata atipica composta dalla attrice cinese Tang Wei e dal corano Hyun Bin.

Il film presentato a Roma nel corso della XII edizione di Asiatica, alla presenza del regista e dell'attrice protagonista, è fondamentalmente una storia di emarginazione, accentuata dal fatto che i due protagonisti sono degli immigrati, braccati entrambi: Anna dalla sua solitudine e dal peso di una vita distrutta da un rimpianto sentimentale, dalle violenze del marito e dal conseguente omicidio di quest'ultimo per mano sua, Hoon rincorso da un marito geloso che vuole vendicare il tradimento della moglie con il giovane coreano che per mestiere fa il gigolò.

I due personaggi sono esattamente agli antipodi come carattere: lei silenziosa, cupa, quasi estranea alla realtà che la circonda con la quale entra in contatto per sole 72 ore, il tempo di un permesso che le concede il carcere per presenziare al funerale della madre morta; lui spavaldo, perennemente col sorriso, un po' cialtrone, ma essenzialmente disperso nel mare magnum di una solitudine dalla quale ormai non riesce a liberarsi.

L'incontro tra i due darà vita ad una serie di inevitabili dinamiche fatte di silenzi, sguardi, abbracci, contatti fisici fugaci,sogno, rabbia e dolore che potremmo un po' semplicisticamente definire una storia di amore improvvisa e limitata in uno spazio temporale brevissimo.

Il tempo con il suo scorrere immutabile è uno dei temi della storia, accanto all'incontro di due storie distanti tra di loro ma che finiscono, quasi inevitabilmente, per toccarsi; il tempo che appare quasi come uno spazio da riempire in qualche modo per dare un senso concreto a due esistenze che sembrano scorrere senza sussulti e senza emozioni.

Pensare ad Autumn Late come solo ad un film drammatico è però errato: il regista, e qui sta la sua bravura che dimostra un talento sicuramente prolifico, sa miscelare con precisione momenti divertenti e sussulti drammatici in maniere fortemente dicotomica: si passa dal riso al pianto nell'intervallo di un battito di ciglia (esempio lampante la scena del pranzo dopo il funerale, una delle più riuscite di tutto il lavoro) e il regista stesso è convinto di avere diretto un lavoro che non è necessariamente drammatico, come ha dichiarato al termine della proiezione, così come non è esattamente vero considerare Autumn Late un film basato su una storia d'amore; in effetti quello che emerge maggiormente è un contatto tra due mondi che trovano nella loro solitudine e nella loro incapacità a relazionarsi con l'ambiente esterno un terreno su cui fondersi vicendevolmente.

Pur soffrendo in qualche momento di quel vizio atavico di gran parte del cinema coreano di specchiarsi in se stesso senza alcun costrutto e pur presentando un epilogo che sembra dilatarsi un po' troppo, il film è un lavoro apprezzabile, soprattutto grazie ad una regia ben calibrata che riesce a coniugare in maniera armonica le varie anime che percorrono il lavoro stesso e per merito anche dell'interpretazione dei due attori principali: Tang Wei che riesce a far parlare in maniera misurata ed efficace il suo volto, disegnando un personaggio bello nella sua drammaticità, cui fa da contraltare Hyun Bin in un ruolo da gigolo ricco di ironia ma al contempo visibilmente perso in una profonda solitudine da emarginato.

Pubblicata anche su AsianWorld.it

The sorcerer and the White Snake ( Ching Siu-tung , 2011 )

2011-10-13T12:41:00.002+02:00

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Serpentelli, amore impossibile e fato

E' l'ennesima trasposizione cinematografica di una delle leggende cinesi più note, quella del Serpente Bianco, l'ultimo lavoro di Ching Siu-tung, e l'occhio e il cuore degli amanti del genere non può non andare a Green Snake del grande Tsui Hark, che da quel testo traeva egualmente ispirazione per un lavoro che, seppur non memorabile e assolutamente imperfetto, rimane però un punto fermo nella filmografia del genere.

Quindi non deve stupire l'inevitabile paragone con l'opera precedente, sebbene sia questo esercizio sempre da evitare quando possibile.

ChingSiu-tung, va detto, rielabora la struttura del racconto piegandola pesantemente alle mirabilie delle tecnologie computerizzate e al digitale che consentono prodigi stupefacenti che riempiono lo schermo; così facendo però lima troppo l'aspetto morale e melò, lasciando quel senso di stupefatto e fantastico stordimento relegato solo ai momenti di trionfo tecnologico.

La vicenda ricalca il canovaccio classico del racconto a metà tra storia di fantasmi e demoni, ordine morale e fato, amore impossibile e tragico ed epica dei sentimenti in cui la serpentella bianca si innamora del povero erborista quasi a volere sfidare il suo status di immortale algida e libera da pene sentimentali, la serpentella verde concupisce il giovane monaco novizio ben presto trasformato in un demone che però mantiene la sua fedeltà al suo mestro e ai suoi fratelli, il monaco acchiappademoni corre vola salta e si scapicolla alla perenne ricerca dei demoni da catturare e recludere in una pagoda in cima alla montagna.

Quando il monaco, apparentemente insensibile al dramma d'amore della serpentella bianca decide di rimettere le cose al loro posto secondo il principio che non si può andare contro all'ordine delle cose precostituite e già disegnate, si scatena il putiferio finale, in cui le forze del bene e del male si incrociano perdendo i loro connotati così netti e ponendo una seria riflessione su cosa è giusto e sul concetto di amore come forza che travalica gli steccati.

Su tutto, naturalmente, domina il destino che , ben sappiamo, non è modificabile in alcun modo e che non si piega certo al tormento amoroso di un demone con voglie di umanizzazione e di un giovane che ancora alla fine della storia non ha ben capito cosa sia successo.

Se è vero che il film si avvale di un buon impatto visivo che tende sempre a enfatizzare lo stupore e la meraviglia, è altrettanto vero però che la storia si tiene in piedi con parecchie difficoltà, raccontata a volte con canoni che sembrano usciti dal Titanic di Cameron, in cui a momenti di ritmo brillante e sostenuto fanno seguito, soprattutto nella parte centrale, lunghe pause riempite da musiche che rimandano più al drammone americano che alla cultura cinese.

Il film insomma ha le sue qualità, ma possiede anche numerosi e grossi difetti, e se il cast tutto sommato se la cava abbastanza bene, non si può non ritornare con la mente al lavoro di Tsui Hark in cui anche grazie all'accoppiata-rettile Maggie Cheung e Joey Wong, ironia, sensualità e melo donavano altro spessore al film.

Jet Li, forse perchè in un ruolo tutto sommato un po' defilato, non offre certo la sua migliore interpretazione, di ben altro spessore ci era apparso in Ocean Heaven, mentre l'accoppiata di serpentelli Charlene Choi ed Eva Huang sa ben sfruttare la sua avvenenza. Non convincente neppure Raymond Lam nel ruolo del povero erborista che troppo spesso appare estraneo agli eventi, molto più di quanto la sua parte imponga. Molto bravo invece Wen Zhang nella parte del monaco novizio assistente di Jet Li.

The One armed swordsman ( Chang Cheh , 1967 )

2011-10-09T20:44:00.000+02:00

Il mito dell'eroe tragico

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Altro imprescindibile paradigma del Cinema wuxia, e di tutto un certo genere che fece la fortuna cinematografica di Hong Kong sul finire degli anni 60 e per tutti i 70, The one armed swordsman (grottescamente titolato in italiano Mantieni l'odio per la tua vendetta), va considerato assolutamente come uno dei capostipiti indiscussi ,oltre che capolavoro assoluto, di Chang Cheh, capace di creare un personaggio che è entrato nella leggenda cinematografica, riferimento di numerosi altri lavori.

L'uomo fedele, valoroso, rispettoso dell'onore mutilato del suo braccio destro costretto a risalire dall'abbisso in cui il suo nuovo stato lo ha gettato e che trova nella sua volontà e nella sua disciplina interiore, oltre che nella sete di vendetta, la forza per poter affermare i valori di cui si fa paladino.

Sono tutte tematiche che fanno parte dei valori cavallereschi che il wuxia conserva nel suo dna, che Chang Cheh ben incastona in un racconto che affianca alle atmosfere cupe un senso di dramma incombente, spesso soverchiante rispetto agli aspetti puramente tecnici su cui si basano le pellicole sulle arti marziali.

L'azione naturalmente non manca, ma è qualcosa che che si affaccia fugacemente, il tempo di qualche clangore di ferri e che , con una regia frenetica, scompare riportando a galla quelli che sono i temi portanti del film: l'atmosfera in cui il senso dell'onore ridonda, il rispetto filiale, seppur verso un padre putativo, l'eroe solitario che va incontro al suo destino con la sola corazza della certezza della sua scelta di integrità morale, una certa misoginia che si esplica nel gesto di Pei che amputa quasi con codardia il braccio di Fang Kang e con la figura ,peraltro più positiva, quasi materna, di Xiao Man che come un grillo parlante cerca di mostrare allo spadaccino monco il lato pernicioso delle arti marziali, antieroine così diverse da quelle di King Hu di A touch of Zen o Come drink with me, lavori appartenenti ad un filone wuxia praticamente contemporaneo a quello di Chang Cheh ma da cui si discosta in maniera apprezzabile.

La dicotomia buoni-cattivi, elemento essenziale del genere, è come sempre nei lavori del regista Hkese netta , senza possibilità alcuna di commistioni, al punto di accreditare ai nemici del nostro eroe niente meno che una spada truccata che rende innocue le spade Qi; solo lo spadaccino monco, per di più con una spada monca (tralasciamo tutta la querelle sul significato fallico-castrativo dell'immagine), emblema incorruttibile dell'onore e del sacrifico, sarà in grado di vincere anche l'imbroglio e la perfidia dei cattivi.

The one armed swordsman avrà due sequel diciamo così ufficiali, più qualche tentativo di usurpazione, ma quello che più conta è che il modello dell'eroe tragicamente grande è divenuto un riferimento per buona parte dei registi che negli anni seguenti hanno tentato il rilancio del wuxia.

Per il grande Jimmy Wang fu il film che lo lanciò definitivamente e che , tanto per cambiare, anche Peter Chan nel recente Wuxia ha omaggiato regalandogli una parte breve ma importante e richiamando nel finale, sotto le mentite spoglie di un grandissimo Donnie Yen, il suo ruolo di spadaccino monco che si fa portatore di ideali pacifisti.

Crazy racer ( Ning Hao , 2009 )

2011-10-08T17:47:00.003+02:00

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Commedia nera a mille all'ora

Brillante esempio di Cinema cinese galleggiante tra la commedia popolare di evasione e intellettualismo da cinema di nicchia, Crazy racer del giovane regista Ning Hao è film divertente, ben scritto e ben diretto, che regala sorrisi, si adagia spesso su un substrato di humor nero tale da render plausibile il suo inserimento tra le black comedy.

La storia racconta di un ciclista che in una gara perde per meno di un soffio la medaglia d'oro e che si ritrova subito dopo in mezzo ai guai con l'antidoping per essersi fatto incastrare da un truffatore. Viene squalificato a vita , ma questo sarà solo l'inizio di una serie di peripezie funambolicamente incastonate una nell'altra nelle quali troviamo il nostro ciclista, il suo coach, una scalcinata e quasi grottesca gang di trafficanti di droga di Taiwan, il truffatore in perenne attività affaccendato, una coppia di improbabili killer prezzolati che vendono la loro opera pasticciona per fare i soldi e sposarsi, una coppia di poliziotti in spasmodica attesa di un caso importante ma che colleziona solo brutte figure, immobiliaristi senza scrupoli e un trafficante thailandese spietato e congelato, tutti follemente impegnati ad omologarsi ai loro modelli di riferimento.

Praticamente impossibile raccontare gli eventi tanto essi sono incastrati uno nell'altro, tra mille equivoci e malintesi, per cui ad ogni gesto compiuto la matassa si ingarbuglia sempre più fin quasi a perdere il filo conduttore.

Ma il film è tutt'altro che confuso e incomprensibile, semplicemente gioca molto con il ritmo, con gli incroci delle varie storie che partono separate per finire a convergere; anzi proprio questo gusto di disorientare e intricare ancora di più la narrazione risulta uno dei pilastri portanti della pellicola.

I personaggi sono quasi tutti molto ben caratterizzati, anche quelli di contorno (la moglie del truffatore, l'immobiliarista ) e spesso danno un tocco di demenzialità al racconto, in altri momenti il film sembra quasi ripiegare su atmosfere da fratelli Coen, soprattutto laddove si evidenzia come la maggior parte dei personaggi è calata in una realtà ben più grande di loro nella quale però vogliono tenacemente rimanere protagonisti inseguendo il sogno dell'arricchimento.

C'è forse anche una certa forza metaforica nel lavoro di Ning Huo: questo folle correre ognuno dietro all'altro sembra una trasposizione della realtà cinese, spasmodicamente tesa al successo, al correre dietro alla ricchezza, a non rimanere indietro, a qualunque costo, una frenesia che porta le vite dei protagonisti al caos ingovernabile.

Il caos che Ning mette in piedi però è molto ben ordinato, richiede è vero molta attenzione ai personaggi e agli incastri, ai dialoghi e a certe gag difficili da comprendere per i non cinesi, ma tutto scorre però liscio garantendo ritmo e divertimento, forse nel finale si intravvede qualche scricchiolio che fa apparire l'epilogo non proprio in linea con il resto del film; ma attenzione ai titoli di coda : il film finisce veramente solo dopo l'ultimo titolo e nel frattempo possiamo apprezzare , dopo averla sentita in svariati altri film cinesi, una versione particolare di Bella Ciao.

Un film valido , insomma, dove si ride con intelligenza e dove forse ci si pone anche qualche domanda e qualche riflessione, che conferma la bravura del regista nel sapere tessere una ragnatela fittissima , sorretto da una serie di attori molto bravi nella caratterizzazione dei protagonisti, capitanata da un bravo Huang Bo nel ruolo del ciclista, e, soprattutto, un lavoro che dimostra come anche in Cina sia possibile coniugare cassetta e qualità in maniera armonica.

Police story ( Jackie Chan , 1985 )

2011-10-05T10:50:00.001+02:00

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Jackie Chan, one man show

Quando nel 1985 Jackie Chan diresse Police story aveva 30 anni, era nel pieno della sua efficenza fisico-atletica, veniva da una lunga serie di lavori del genere kung fu movie e si andava affermando come una star a livello planetario.

L'intuizione di Police story, film che apre la porta non solo ad una lunga serie di sequel, ma anche quella della contaminazione burlesca tra commedia e action movie, ha fatto sì che il lavoro diventasse in breve un capostipite del genere di cui ancora oggi si riesce ad apprezzare l'onda lunga creativa.

Il film di per sè è di una semplicità disarmante: storia tipica e ben conosciuta, azione portata al parossismo e one man show con Chan che non solo dirige (film , azione e stunt), interpreta, coreografa , ma si erge ad assoluto mattatore nel più classico stile del mattatore inarrivabile.

L'essere il centro magnetico di tutta l'opera, come avverrà svariate volte negli anni a seguire, esalta le doti di Jackie Chan portando a risultati che a ben vedere vanno anche oltre il reale valore del film stesso, che, come detto, altro non è che la solita storia di poliziotti, gangster, loschi traffici,vite in bilico, tradimenti ed onestà violata.

Quello che catapulta il film nella storia del Cinema è il suo tentativo di coniugare un cinema popolare brillante con una storia in cui convivano botte, cazzotti e inseguimenti, con una vena di drammatico mai troppo penetrante ma che da al film un andamento oscillante; per far ciò il regista gioca tutte le carte su stesso, dimostrando di sapere essere non solo capace di virtuosismi atletici e fisici impressionanti, ma di sapere anche cambiare maschera al suo volto passando dal buffonesco e cialtrone della prima parte al volto macchiato di sangue da cui traspare il dramma personale.

Questo aspetto diverrà, ancor più che per i lavori di genere sulle arti marziali, il marchio di fabbrica indelebile di Jackie Chan portandolo alla meritata fama e ai riconoscimenti e non è un caso che per dare nuova linfa alla sua carriera splendida abbia scelto quasi venti anni dopo New Police story per dimostrare a chi ancora lo riteneva una sorta di pagliaccio funambolo le sue grandi doti interpretative, magnificate in maniera quasi commovente nel bellissimo e recente Little big soldier.

Va da sè che comunque il film rimane un pellicola del genere action anche perchè Chan non ci risparmia proprio nulla: un catastrofico inseguimento in macchina attraverso una baraccopoli nella scena iniziale, inseguimenti su autobus attaccandosi ad esso con un ombrello (scena celeberrima), scazzottate a ritmo vertiginoso, specchi infranti, macchine distrutte fino ad un finale eccessivo nel suo parossismo e nella sua distruzione ambientato in un grande magazzino; tutte scene e momenti che troveranno nei quasi trenta anni seguenti numerose citazioni negli action movie HKesi.

Siamo , insomma, di fronte ad un lavoro che ha aperto nuove vie , che ha segnato quel percorso di commistione di stili e di generi che tanto ha regalato negli anni a venire al cinema dell'ex-colonia.

Nonostante il centro gravitazionale del film sia Jackie Chan non va passata in sordina la presenza di Brigitte Lin , nel ruolo della testimone da proteggere, e di una giovane e paffutella Maggie Cheung, agli albori della sua carriera , nel ruolo della fidanzata del poliziotto.

A Touch of Zen ( King Hu , 1969 )

2011-10-01T14:04:00.002+02:00

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Il precursore del wuxia moderno

A touch of Zen , pateticamente titolato e stravolto in italiano in La fanciulla cavaliere errante, è probabilmente il capolavoro assoluto di King Hu e una di quelle opere che vanno ascritte nell'olimpo della Cinematografia di tutti i tempi, al di là delle sterili e poco realistiche iperboli che si mettono in atto quando si parla di film che hanno segnato indelebilmente non solo un epoca ma anche tutta la storia dell'arte cinematografica.

Il lavoro di King Hu , che impiegò due anni per prepararlo, un tempo abnorme visto che a quell'epoca un film si girava in un mese, possiede una complessità narrativa ed una struttura che lo rendono unico nel suo genere , e soprattutto, contiene, venti anni prima, quell'idea di wuxia rivoluzionaria che ebbe in Tsui Hark il grande artefice.

Un film diviene grande, quando tramandato ai posteri diventa per essi fonte di ispirazione illimitata e senza fine: ed è così che A touch of Zen è stato modello insuperabile non solo per il citato Tsui Hark, ma anche per Wong Kar-wai col suo Ashes of time o Zhang Yimou del La Foresta dei pugnali volanti ad esempio, oltre che per una schiera di registi HKesi che in mille modi hanno citato e si sono ispirati al lavoro di King Hu.

Il film ha tutte le stigmate che hanno reso inconfondibile l'opera di King Hu, all'epoca aveva già diretto Come drink with me e Dragon Gate Inn , altro colosso fonte inesauribile, fino ad oggi, per i registi cinesi: l'eroina femminile protagonista assoluta del film, uno stile assolutamente atipico per un wuxia, una certa ironia ed un gusto per il ribaltamento del genere (il primo clangore di spade lo ascoltiamo solo dopo circa un'ora di film).

Ma il regista va oltre in questo caso: si affida a generi e tematiche che stratifica in una narrazione che forse può apparire prolissa, ma che sicuramente è coerente con gli intenti; si parte con un tono quasi da commedia venato di storie di fantasmi, procede come un western , anche scenograficamente, con la figura dello straniero che arriva nel villaggio, si carica di tensione e di sentimento per esplodere nel wuxia, in cui però vengono inseriti frammenti ironici ed infine attraverso una commistione di dramma, farsa ( l'imboscata dei fantasmi), denuncia del potere corrotto, si giunge ad un epilogo quasi metafisico intriso di filosofia buddhista e di Zen in cui la celeberrima immagine finale funge da sigillo che chiude il cerchio.

Venti anni dopo troveremo Tsui Hark ripercorrere le stesse strade del wuxia destrutturato e rimodellato secondo canoni narrativi frenetici ed immagini in cui la fantasia deborda da ogni fotogramma, dimostrando con la sua opera grandiosa, come l'intuizione di King Hu sia stata uno dei momenti più alti della cinematografia di tutti i tempi, autentico precursore della rivisitazione moderna del wuxia.

Il film , nonostante le circa tre ore di durata, è un capolavoro assoluto che soddisfa in ogni suo momento, regala attimi di cinema grandissimo in cui epica e storia, umano e divino si fondono in una armonia perfetta.

The piano in a factory ( Zhang Meng , 2010 )

2011-09-29T22:45:00.003+02:00

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La Cina di chi ha perso il treno

Confermando gli ottimi giudizi che seguirono la sua opera prima, il giovane regista cinese Zhang Meng regala il bis dopo due anni con The piano in a factory che anche al FEFF di quest'anno ha riscosso notevoli apprezzamenti da parte della critica.

Lo stile semplice, disincantato e ricco di nostalgia col quale il regista getto lo sguardo verso la sua terra d'origine nel nord della Cina attraversata da un periodo storico fondamentale e tumultuoso, gli consente di dirigere un lavoro in cui sotto il tono apparentemente leggero della commedia che strappa più di una risata, si cela un quasi fiabesco occhio che scruta l'esistenza di coloro che l'avanzare impetuoso dei tempi sembra avere tagliato fuori.

Chen è un operaio di una fabbrica siderurgica, amante della musica e che arrotonda lo stipendio con una orchestrina in cui suona la fisarmonica, in crisi coniugale con una figlia piccola che mostra grande talento per il pianoforte che il padre con enormi sacrifici cerca di assecondare mandandola a lezione privata.

Quando la moglie chiede il divorzio e vuole portare con sè la piccola, il padre si convince che l'unico modo per tenere la bambina con sè sia quello di fargli avere un pianoforte.

Non potendosi permettere di comprarlo decide, aiutato da alcuni amici, di costruirne uno, sotto la direzione di un ex ingegnere che decodifica un manuale scritto in russo, utilizzando il materiale di scarto delle fabbriche in dismissione e destinate alla demolizione, ma nel contempo si rende conto che quell'oggetto è solo una soluzione fittizia del suo problema.

Ambientato in una Cina grigia, dove le fabbriche cadono a pezzi sotto i colpi della demolizione e dove le ciminiere sono simulacri destinati a scomparire, Zhang mette al centro del suo racconto quella massa di popolazione che rimane inevitabilmente tagliata fuori dal grande balzo che sta per iniziare e che porterà il paese ad essere la potenza che è ora, schivando però accuratamente problematiche socio-politiche che avrebbero forse procurato più guai che altro, anche perchè , nel contesto del racconto, quello che il regista vuole narrare è proprio una umanità che arranca, che forse ha perso il treno che la porti lontano , ma che mantiene, seppur tra mille difficoltà, uno spirito vitale invidiabile.

La schiera di amici di Chen costituisce uno spaccato di questa fetta di cinesi che vede nella demolizione delle ciminiere la perdita di una parte di se stessi ed ecco allora che si tenta di far rivivere legni, acciaio e tutto ciò che può tornare utile , aiutando il compare nella impresa che sembra folle.

Offrendo svariati momenti di puro divertimento, in cui si cantano cori russi e canzoni popolari, si celebrano matrimoni e funerali, il clima che si respira in tutto il film è quello di un allegro spaccato di umanità dove ancora esiste spazio per la solidarietà e l'amicizia, senza con ciò far scadere mai il tono del film che rimane quello di uno studio antropologico disincantato mediante il quale i personaggi offrono subito una carica di simpatia che aleggia in tutta la pellicola.

E' vero come ha scritto qualcuno che sembra di vedere quasi la mano del Kaurismaki che racconta l'emarginazione con ironia e divertimento ed è altrettanto vero che lo spirito di genuinità che emerge consente al film di essere credibile anche grazie al concorso di una colonna sonora azzeccatissima.

Zhang mostra grande partecipazione e simpatia verso questi scalcinati protagonisti, improbabili musicisti, che seppur oberati da una situazione economica drammatica, non mancano di imbarcarsi nell'impresa solo per solidarietà verso l'amico e lo fa con momenti che alternano il divertimento ad attimi di pura commozione (il padre che costruisce una tastiera finta per la figlia, la spedizione contro il ragazzino che ha messo incinta la figlia di uno degli amici di Chen, il karaoke nostalgico con canzoni che inneggiano a Mao e Lenin).

E' senz'altro uno dei film cinesi più belli del 2010, che conferma il talento del trentaseienne Zhang e che sa guardare ad un periodo storico fondamentale per la Cina con leggerezza e ironia.

Interpretazione da autentico mattatore quella di Wang Qian-yuan nella parte di Chen che recita, balla , canta e suona e che si erge a pilastro portante di tutta l'opera.

Fearless ( Ronny Yu , 2006 )

2011-09-28T13:49:00.002+02:00

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La figura leggendaria di Huo Yuanjia

La figura di Huo Yuanjia è un'altra di quelle che appartengono alla storia epica e al mito della cultura popolare in Cina: personaggio che a cavallo tra la fine dell'800 e l'inizio del 900 , mentre l'impero si sfaldava e il paese diventava terra di conquista da parte degli occidentali e dei giapponesi, divenne una sorta di eroe popolare per il suo nazionalismo spinto che traduceva in combattimenti contro avversari occidentali, metafora figurata della ribellione del popolo contro le angherie e i soprusi.

La sua fama di esperto di arti marziali si tramanda ancora fino ad oggi grazie alla fondazione dell'associazione sportiva Jingwu Tiyu che possiede diramazioni in tutto il mondo.

Il regista Ronny Yu , con un ardito ed ambizioso progetto, cerca di raccontare nell'arco di 100 minuti la storia di questo personaggio, travisando molte situazioni, inventandone altre, si badi bene, non per mere esigenze di narrazione, ma per dare un senso morale al film che vada oltre l'affermazione dell'orgoglio e del nazionalismo cinese.

Sin da bambino Huo è attratto dal mondo delle arti marziali, essendo il padre un importante maestro di kung fu, ma il severissimo genitore, a causa di una salute cagionevole del piccolo, decide di avviarlo allo studio; il ragazzino da subito l'idea di essere un tipo testardo e combattivo, studiando di nascosto le arti marziali e combattendo coi ragazzini della sua età, convinto che il kung fu sia il mezzo per essere temuti e per ottenere vendetta.

Lo ritroviamo quindi 30 anni dopo con i semi gettati nell'infanzia che hanno prodotto un uomo prepotente, rissoso, interessato solo alla forza fisica e al combattimento bruto, circondato da una massa di allievi indisciplinati e arroganti che lo porteranno ad incrociare i pugni con uno stimato maestro della città con risultati drammatici.

Inizia allora la discesa agli inferi di Huo, distrutto e lacerato dal rimorso e dal dolore per la morte della madre e della figlioletta avvenute per vendetta al suo gesto molto poco leale; sarà il contatto con la civiltà contadina degli Hani nello Yunnan, dove trova asilo dopo una lunga peregrinazione senza meta, tra le terrazza di riso e il vento che che trasmette serenità che Huo capirà la vera essenza delle arti marziali, trovando finalmente un suo equilibrio e una sua disciplina interiore.

Tornato a casa, metterà fine al suo strazio interiore rendendo omaggio al maestro ucciso e ai suoi cari, fonderà la società sportiva e si dedicherà alla rivincita del suo popolo attraverso i combattimenti contro atleti occidentali, fino all'epilogo drammatico contro un maestro giapponese.

Due sono i filoni su cui si poggia il lavoro di Ronny Yu; da un lato il revanchismo culturale cinese contro l'occidente che umilia il paese, raccontato anche dallo scontro tra la forza bruta e la tecnica di combattimento leale, dall'altro il valore delle arti marziali, intese come summa del sacrificio personale e della disciplina, al servizio nella lealtà e della giustizia; sono due capisaldi di molta cinematografia cinese che vuole essere traino per l'orgoglio popolare e nazionale attraverso l'esaltazione delle arti marziali e delle loro regole ferree.

In questo il film riesce bene, soprattutto grazie a spettacolari e bellissimi combattimenti coreografati da Yuen Woo Ping e ben diretti dal regista, con estrema cura per le ambientazioni e in cui Jet Li dimostra una forma grandiosa; dove la pellicola è fortemente carente è invece nella sua struttura narrativa che appare sempre e costantemente frettolosa, soprattutto in considerazione dell'ambizioso progetto di volere raccontare una vita, in un periodo storico così turbolento, in poco più di una ora e mezza, anche se del film , va detto, esiste un director's cut più lungo di circa 40 minuti.

Nel complesso comunque il film risulta piacevole, dona ottimi momenti d'azione (l'action director vinse l'Award Hkese), belle ricostruzioni storiche e paesaggi scintillanti, soprattutto nella parentesi dello Yunnan, risultando a conti fatti un'opera in cui è più il talento visivo del regista che si impone piuttosto che le sua dote di narratore.

Jiang Hu : The triad zone ( Dante Lam , 2000 )

2011-09-27T16:28:00.000+02:00

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Il crepuscolo di un boss

Curioso mix di generi, Jiang Hu è lavoro che si inserisce pienamente nel solco del cinema HKese del terzo millennio, una traccia in cui convergono stili differenti e commistioni che tendono ad allargare i ristretti campi dell'action movie.

L'idea crepuscolare che serpeggia nel film non è per nulla male, e si impone come una azione distruttiva del mondo malavitoso di Hong Kong: Dante Lam, racconta la storia di un boss che, improvvisamente, pensando sia giunto il momento della fine, si guarda dentro e soprattutto guarda con un occhio diverso il mondo sotterraneo che lo circonda.

Jim infatti è uno dei boss delle triadi più importanti, spietato al punto giusto, circondato dal rispetto e dalla paura di tutti che però un bel giorno riceve la notizia da un poliziotto che qualcuno lo ucciderà nelle 24 ore seguenti.

Per il boss sarà una occasione per ripensare e scoprire cose che non aveva mai visto fino ad allora: l'amante, la moglie dall'apparenza dura ma che lo ama profondamente, la loro storia d'amore nata lontano da casa, la guardia del corpo che in punto di morte gli confessa una venerazione ed un amore segreto, il boss rivale malato di cancro, la vecchia guardia del corpo in galera da anni, il consigliere fidato che colleziona quadri di Picasso, la nascita di una nuova generazione di piccoli boss disposti a tutto contaminata in maniera indelebile dall'handover, la lealtà che sprofonda e persino il dio Kwan Wan Cheung, che onora con una statua enorme in casa, che gli si appalesa e lo salva nel nome della lealtà di cui è custode.

Clima da commedia mista ad action movie e a melò, il film offre indubbiamente dei bei momenti, diverte nella giusta maniera ed è ben costruito nelle immagini dal regista, sembra forse indugiare un po' troppo in alcuni momenti dando l'impressione di non sapere bene che via intraprendere, ma nel complesso l'opera , condita del giusto sarcasmo, con cui si fa beffa di certi luoghi comuni legati al mondo malavitoso, ha un ritmo accettabile e si appoggia in maniera totale sulla costruzione dei personaggi, soprattutto Jim e Sophie , la moglie, circondandoli di protagonisti secondari che tutti, più o meno, corrispondono ad un certo clichè del genere cinematografico.

Certo non abbiamo di fronte un lavoro in stile Johnnie To in cui la commedia e il poliziesco si fondono in una mirabile armonia, ma il lavoro di Dante Lam è comunque apprezzabile e , senza mai scendere nel volgare, offre dialoghi divertenti e situazioni che strappano il sorriso ( la scena in cui il boss annuncia la sua malattia mortale ) e offre una chiave di lettura sulla crisi di certi ambienti malavitosi travolti dagli eventi.

Coppia di attori fantastica per i ruoli di Jim e Sophie: Tony Leung Ka-fai carismatico e sulla via del tramonto in maniera eccellente e Sandra Ng, dura , nevrotica e con la consueta carica di simpatia; ma anche i ruoli di supporto son ben sostenuti: Roy Cheung nella parte del bodyguard ex calciatore e segretamente innamorato del suo boss e poi Eason Chan, Ann Hui in una piccola parte, Chapman To ed il grande Anthony Wong che mette in gioco molto di se stesso, con grande autoironia, nella parte del dio Kwan

The last blood ( Wong Jing , 1991 )

2011-09-27T08:30:00.000+02:00

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Fusione imperfetta di action movie e commedia

Commistione di stili a tipica impronta Wong Jing, The last blood è lavoro che per buona parte si trova a veleggiare in territori già ampliamente esplorati: da un lato poliziesco-action movie in salsa Hkese, dall'altro la commedia brillante e un po' cialtrona che delega soprattutto alle capacità dei suoi interpreti la buona riuscita.

Plot che sembra interessante con un gruppo di terroristi della Red Army nipponica decisa ad uccidere il leader religioso Daka Lama in visita a Singapore per proteggere il quale vengono interpellate le forze di polizia di Hong Kong, attentato che va solo in parte a segno lasciando il bonzo gravemente ferito insieme ad una giovane donna , fidanzata di un boss delle triadi; per salvarli serve rintracciare l'unico donatore di sangue possibile , rarissimo e comune ai due feriti; il malcapitato è un venditore ambulante imbroglioncello sulle cui tracce si mettono la polizia, il boss e la Red Army.

Nonostante il forte richiamo a certo cinema che nasce da John Woo (il film in Gran Bretagna è uscito addirittura col titolo Hard boiled 2) e alle tematiche ad esso connesse ( l'onore, il tradimento, l'amicizia) come action movie non regge, troppo stereotipato e troppo ricco di rimandi illustri così come il tono da commedia brillante , a volte ridanciana, non sembra particolarmente riuscito.

Alternare inseguimenti notturni ,sparatorie e momenti drammatici a dialoghi macchiettistici costruiti su personaggi ben disegnati e ricchi anche di molta autoironia (il boss e il poliziotto che giogioneggiano sulle rispettive somiglianze con Alan Tam e Andy Lau, cioè loro stessi) può forse servire a mantenere sempre una certa tensione che improvvisamente si dirada, ma il tutto troppo spesso appare più come una navigazione a vista che come il risultato di una sceneggiature ben pianificata.

Tutto ciò naturalmente non toglie, soprattutto grazie alle buone prove degli attori protagonisti, una certa gradevolezza al film che probabilmente più che nel suo filone brillante, ricco di gag e di dialoghi serrati, sembra essere carente nel suo aspetto di film d'azione, nonostante i momenti drammatici, un finale iperealista ( o forse surrealista? ) e le numerose scene di azione ben oltre l'eccessivo.

Manca , in conclusione, quella giusta amalgama, quel sarcasmo e ironia che fungono solitamente da collante in pellicole di questo tipo, a dispetto di un soggetto che ben si presta ad una giusta commistione di generi.

E' sicuramente Eric Tsang nel ruolo del donatore di sangue Fatty il perno dell'atmosfera brillante, assolutamente esilarante in certi frangenti, Andy Lau stesso offre una recitazione molto vicina al genere buffonesco, ma ricca di ironia, nel ruolo del piccolo boss ed infine Alan Tam, nel ruolo del poliziotto, appare come quello che più sembra ricalcare il tipico personaggio da action movie.

Drunken Master ( Yuen Woo-ping , 1978 )

2011-09-26T16:00:00.000+02:00

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Kung fu e commedia

Il personaggio di Wong Fei Hung, protagonista di questo lavoro ed interpretato da un Jackie Chan avviato alla definitiva consacrazione, è molto popolare nella tradizione cinese, essendo stato, oltre che medico stimato, un grande esperto di arti marziali, vissuto a cavallo tra la fine dell'800 e i primi del 900, al punto di essere considerato uno dei padri delle moderne arti marziali.

Il regista Yuen Woo-ping, che già aveva diretto qualche tempo prima Jackie Chan in Snake in the eagle's shadow, prende il popolare personaggio, lo plasma secondo nuovi canoni, ne fa un cialtrone attaccabrighe e lo adatta alla immagine dell'attore che divenne in breve tempo il punto di riferimento assoluto del genere kung fu-commedia brillante, operazione ardita e al contempo di grande successo.

Come detto Wong è un giovane sbruffone, pronto a cacciarsi nei guai, nonostante il padre, maestro stimatissimo di kung fu, tenti con severità di imporgli una disciplina: dapprima picchia il figlio di un potente vicino, quindi fa il galletto, a sua insaputa, con una cugina.

Il padre stanco e deluso della poca serietà del figlio decide di spedirlo dal severissimo maestro Su Hua Chi affinchè inculchi nel figlio, attraverso lo studio delle arti marziali, la disciplina e l'onestà.

Wong cercherà di imbrogliare anche col severo Maestro, vecchio ubriacone, ma abilissimo nel kung fu e fintanto che non si troverà umiliato da Thunderleg, un killer prezzolato artista marziale, non accetterà il suo ruolo di insegnante.

Ferito nell'orgoglio Wong si affiderà dunque alle cure di Su il quale ha in serbo per lui un allenamento micidiale e massacrante al termine del quale, intuite le doti del giovane , non gli svelerà i segreti dello stile dell'ubriaco di cui è il sommo Maestro.

Wong è pronto a tornare a casa, temprato nel fisico e nella mente, giusto in tempo per incrociare nuovamente le mani con Thunderleg cui era stato affidato il compito di uccidere il padre del ragazzo.

Il film , semplicissimo nella trama e nella costruzione, si configura come un manuale dei vari stili imitativi del kung fu e , cosa più importante, vuole mostrare come solo attraverso la disciplina interiore e la dura fatica sia possibile raggiungere una maturazione completa.

La trasformazione cui va incontro Wong, autentica iniziazione alla vita, è il filo conduttore del racconto in cui Yuen è bravo ad inserire elementi di commedia con situazioni che strappano il sorriso e in cui Jackie Chan, grazie ad una mimica facciale e alla sua fisicità, conferisce credibilità: l'approccio più disincantato, carico di ironia, al severo stile di vita dell'artista marziale trova nel grande attore la sua materializzazione e concretezza grazie al suo fare buffonesco da un lato e alle sue grandi capacità tecniche dall'altro.

Drunken Master è lavoro che apre definitivamente la strada alla contaminazione e alla fusione del genere kung fu movie e della commedia brillante che, grazie alla bravura di Jackie Chan, diverrà uno dei generi dominanti degli anni 70-80.

Accanto al grande Jackie Chan troviamo Yuen Siu-tien , padre del regista e star del cinema HKese , nel ruolo del Maestro ubriaco, ruolo che interpreta con grande carisma ed ironia.

Rice Rhapsody ( Kenneth Bi , 2004 )

2011-09-26T13:00:00.002+02:00

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La difficile accettazione della diversità

Opera prima del figlio d'arte Kenneth Bi, Rice Rhapsody è stato un piccolo fenomeno cinematografico nell'anno in cui è uscito: premio come migliore opera prima agli Awards HKesi e massiccia presenza e riconoscimenti in vari festival sparsi per il mondo.

Pur non essendo certo opera che lascia un segno indelebile, il film ha indubbiamente dei grandi pregi cui fanno da contraltare però svariati difettucci sparsi qua e là.

Intanto l'argomento trattato, seppur sotto forma di commedia, è di quelli che nel cinema HKese è ancora appannaggio di pochi e molto poco convenzionali registi, quali Scud ad esempio: infatti la storia si impernia sul racconto del difficile rapporto tra una madre e tre figli maschi, di cui i due maggiori dichiaratamente gay ed il terzo, ancora poco più che adolescente, avviato sulla stessa strada.

La donna gestisce un ristorante nella Chinatown di Singapore, in cui cucina con grande passione e accuratezza un pollo al riso che è il marchio di fabbrica del locale, è vedova da sedici anni e vive in maniera travagliata il rapporto coi due figli gay, quasi fossero dei traditori dei suoi sentimenti; l'unica sua speranza è riposta in Leo, il figlio più piccolo, che però da già evidenti segni di tendenze critpo-omosessuali.

Con la complicità del proprietario di un vicino ristorante, neppure troppo segretamente innamorato di lei da anni, mette in piedi un piano per tentare di rimettere sulla giusta strada il figlio più piccolo avvalendosi di una ragazza francese che ospita in casa sua all'interno di un progetto di scambio culturale.

La ragazza, molto new age, risulterà un elemento dirompente e al contempo risolutore di molte problematiche, anche se il piano della donna andrà miseramente a rotoli.

Il tema della omosessualità è trattato con garbo e più sotto l'aspetto interiore della donna che vede nelle tendenze dei figli uno schiaffo alla sua dignità e al suo senso materno, sembra risolversi solo dopo sofferenze e rinunce e nonostante l'atmosfera decisamente da commedia, sotto sotto cova una certa durezza proprio perchè l'accettazione della realtà passa attraverso la sofferenza e la rinuncia.

La figura di Sabine, la ragazza francese, vuole essere l'elemento di rottura del film, portatrice di valori estranei alla cultura cinese, ma per buona parte risulta un personaggio che non convince anche se di fatto è una sorta di deus ex machina che si appalesa per mettere le cose al loro posto.

Altro elemento che lascia un po' d'amaro in bocca è il finale, scontato e poco convincente nella sua struttura, molto più consono ad una commedia occidentale, che mette ordine con un ottimismo alquanto forzato.

Per il resto il film è gradevolissimo, mai allusivo nè caricaturale, l'ambientazione a Singapore è molto curata e ben costruita, i personaggi sono disegnati con precisione e risultano subito simpatici, con l'eccezione di cui abbiamo già parlato di Sabine, il disagio della protagonista è raccontato con grande passione pur sfiorando a volte un certo intimismo e minimalismo, soprattutto dove va a indagare sull'accettazione della diversità e sul dolore per le mancate aspettative.

Perno memorabile del film è la grande Sylvia Chang che regala una interpretazione da manuale confermandosi una delle figure più importanti del cinema di Hong Kong; bravo anche Martin Yan nel ruolo del ristoratore spasimante.

The legend of Zu [aka Zu Warriors] ( Tsui Hark , 2001 )

2011-09-25T12:24:00.002+02:00

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Fantasia selvaggia ed estrema

Diciotto anni dopo quello che fu probabilmente il suo primo grande successo, Tsui Hark torna a rivisitare la leggenda dei guerrieri immortali di Zu con un occhio in cui la tecnologia e gli effetti speciali diventano ancora più debordanti della prima opera.

Il film , datato 2001, risente probabilmente dell'intento di costruire una pellicola che fosse più facilmente digeribile al pubblico occidentale, col risultato però di configurarsi come una sorta di flop al botteghino, nonostante le numerose nomination, ma nessun premio, raccolte, soprattutto nel settore tecnico, agli Awards HKesi e il riconoscimento della Società dei critici cinematografici.

L'intento del regista sembra quello di voler stravolgere ogni regole cinematografica di genere e dando vita ad un flusso inarrestabile e tumultuoso di immagini e personaggi fantastici, costruire un fantasy estremo in cui albergano varie tematiche, dalla filosofia buddhista all'amore etereo, dal sacrificio all'onore, dai limiti dell'uomo all'Universo, coagulati intorno ad una storia che risulta quasi impossibile da raccontare se non facendo ricorso ad uno stereotipo , assolutamente calzante però: la lotta tra il bene e il male , tra la luce e l'armonia e le tenebre, materializzati nel regno dei guerrieri immortali gli uni e nel diavolo distruttore gli altri.

Il fluire delle immagini è talmente incalzante che spesso soverchia in maniera inarrestabile la narrazione per cui è facile perdere il filo di un racconto che già di per sè risulta a tratti confuso.

Ma quello che Tsui Hark mette in atto è una sfida estrema con se stesso e con il pubblico fatta di ipertecnologia, ben più , ovviamente, di quanto lo fosse il lavoro del 1983, che diventa frequentemente dominante ed essenza stessa del film.

All'interno del fantasy estremo ritroviamo le immancabili leggende popolari, le arti marziali, le storie epiche degli eroi , disintegrate però a favore di una visionarietà debordante, tendente al barocchismo, popolata di esseri immortali, di spade fiammeggianti lunghe chilometri, di montagne che fluttuano nel cielo, di oceani di sangue rutilante e minaccioso, di esseri informi essenza estrema del male, di amori sottaciuti per secoli, di morti e rinascite, di reincarnazioni, di saggezza buddhista, di fiori cristallizzati e di farfalle infide.

Visto con l'occhio della visionarietà , il film è un trionfo senza regole, in cui tutto viene parcellizzato in favore della fantasia oltre ogni limite; osservato con occhio distaccato e critico l'eccesso di tecnologia fa virare troppo spesso la narrazione verso un puro esercizio di manipolazione delle immagini tendente a stupire per l'eccesso insito in sè.

Questo spostare i limiti ed i confini anche oltre l'eccesso è la grande differenza col primo lavoro, cui , inevitabilmente, bisogna rapportare questo; se quello che si cerca è il trionfo della fantasia e dell'immaginazione oltre la realtà The legend of Zu risulterà un film strabiliante.

A parte Sammo Hung, presente già nel primo lavoro, il cast differisce in tutto: Eking Cheng, Louis Koo, Cecilia Cheung , Kelly Lin e Zhang Ziyi costituiscono la parata di stelle al servizio della fantasia di Tsui Hark.

Cinema e Missili

The missing gun / 寻枪 ( Lu Chuan / 陆川 , 2002 )

Hindsight ( Lee Hyun-seung , 2011 )

Taipei exchanges / 第36个故事 ( Hsiao Ya-chuan / 萧雅全 , 2010 )

Black snow / 本命年 ( Xie Fei / 谢飞 , 1990 )

Dear enemy / 亲密敌人 ( Xu Jinglei / 徐静蕾, 2011 )

Starry Starry Night / 星空 ( Tom Lin / 林书宇 , 2011 )

A simple life / 桃姐 ( Ann Hui / 许鞍华 , 2011 )

Life without principle / 夺命金 ( Johnnie To / 杜琪峰 , 2011 )

The fourth portrait / 第四张画 ( Chung Monghong / 鍾孟宏 , 2010 )

Terraferma ( Emanuele Crialese , 2011)

Shame ( Steve Mc Queen , 2011 )

White Vengeance / 鸿门宴 ( Daniel Lee / 李仁港 , 2011 )

Spring fever / 春风沉醉的晚上 ( Lou Ye / 娄烨 , 2009 )

It's a Great Great World / 大世界 ( Kelvin Tong / 唐永健 , 2011 )

Letter from an unknown woman / 一个陌生女人的来信 ( Xu Jinglei / 徐静蕾 , 2004 )

Peacock / 孔雀 ( Gu Changwei / 顾长卫 , 2005 )

Shower / 洗澡 ( Zhang Yang / 张扬 , 1999 )

Letter from the mountain ( Takashi Koizumi , 2002 )

The fantastic water babes / 出水芙蓉 ( Jeffrey Lau / 刘镇伟 , 2010 )

Faust ( Aleksandr Sokurov , 2011 )

After the rain [aka Ame Agaru] ( Takashi Koizumi , 1999 )

Quitting / 昨天 ( Zhang Yang / 张杨 , 2001 )

East meets west 2011 / 东成西就2011 ( Jeffrey Lau, Susie Au / 刘镇伟 , 区雪儿 , 2011 )

Lover's discourse / 恋人絮语 ( Derek Tsang , Jimmy Wan / 曾国祥 , 尹志文 , 2011 )

The man behind the courtyard house / 守望者：罪恶迷途 ( Fei Xing / 非行 , 2011 )

Hold you tight / 愈快乐愈堕落 ( Stanley Kwan / 关锦鹏 , 1997 )

The killer who never kills / 杀手欧阳盆栽 ( Li Fengbo , Jimmy Wan /李丰博 , 尹志文 , 2011 )

Flying swords of Dragon Gate / 龙门飞甲 ( Tsui Hark / 徐克 , 2011 )

Melancholia ( Lars Von Trier , 2011 )

Frozen / 极度寒冷 ( Wang Xiaoshuai / 王小帅 , 1997 )

Mr Tree / Hello！树先生 ( Jie Han / 韩杰 , 2011 )

Jump ! Ashin / 翻滚吧！阿信 ( Yu-Hsien Lin / 林育贤 , 2011 )

The flowers of war / 金陵十三钗 ( Zhang Yimou / 张艺谋 , 2011 )

A beautiful life / 不再让你孤单 ( Andrew Lau / 刘伟强 , 2011 )

Cold steel / 遍地狼烟 ( David Wu / 胡大为 , 2011 )

The warring states / 战国 ( Chen Jin / 金琛 , 2011 )

Night market hero / 鸡排英雄 ( Yeh Tien-lun / 叶天伦 , 2011 )

Great wall my love / 追爱 ( Emily Liu / 刘怡明 , 2011 )

A big deal ／ 巨额交易 ( Ma Li wen ／ 马俪文, 2011 )

The woman knight of mirror lake [競雄女俠秋瑾] (Herman Yau , 2011)

The butcher , the chef and the swordsman ( Wu Ershan , 2010 )

The sniper ( Dante Lam , 2009 )

North Point ( Zhu Shaoyu , 2011 )

Guilty of Romance ( Sion Sono , 2011 )

24 City ( Jia Zhang-ke , 2008 )

I wish [aka Kiseki] ( Hirokazu Koreeda , 2011 )

1911 Revolution ( Jackie Chan , 2011 )

Lost in Beijing ( Li Yu , 2007 )

So close to paradise ( Wang Xiao-shuai , 1998 )

Purple butterfly ( Lou Ye , 2003 )

My dear enemy ( Lee Yoon-ki , 2008 )

China my sorrow ( Dai Sijie , 1989 )

Hanji ( Im Kwon-taek , 2011 )

Impressioni sul 6° Festival Internazionale del Cinema di Roma ( 27/10 - 4/11 2011)

Love for life ( Gu Chang-wei , 2011 )

Nuit blanche ( Frederic Jardin , 2011 )

Un cuento chino ( Sebastian Borensztein , 2011 )

Come rain come shine ( Lee Yoon-ki , 2011 )

Babycall ( Pal Sletaune , 2011 )

And the spring comes ( Gu Chang-wei , 2007 )

Poongsan ( Juhn Jaihong , 2011 )

Turn me on, Goddammit ! ( Jannicke Systad Jacobsen , 2011 )

Intervista a Wang Xiao-shuai

This must be the place ( Paolo Sorrentino , 2011 )

11 Flowers ( Wang Xiao-shuai , 2011 )

Late Autumn ( Kim Tae-yong , 2010 )

The sorcerer and the White Snake ( Ching Siu-tung , 2011 )

The One armed swordsman ( Chang Cheh , 1967 )

Crazy racer ( Ning Hao , 2009 )

Police story ( Jackie Chan , 1985 )

A Touch of Zen ( King Hu , 1969 )

The piano in a factory ( Zhang Meng , 2010 )

Fearless ( Ronny Yu , 2006 )

Jiang Hu : The triad zone ( Dante Lam , 2000 )

The last blood ( Wong Jing , 1991 )

Drunken Master ( Yuen Woo-ping , 1978 )

Rice Rhapsody ( Kenneth Bi , 2004 )

The legend of Zu [aka Zu Warriors] ( Tsui Hark , 2001 )

A big deal ／巨额交易 ( Ma Li wen ／马俪文, 2011 )